Cinema Mon Amour

Polêmico

2009-05-12T05:46:00.000-07:00

Pode ser foda, ou cair num filme meio rasinho, o que estou ficando meio com medo de acontecer. Mas ainda aposto na primeira opção!

Maria Lenk

2009-05-12T05:26:00.000-07:00

Confesso que fiquei muito surpreso com os resultados do Maria Lenk, realizado na semana passada. Já esperava que o César Cielo iria continuar com resultados similares ao alcançado nas Olimpíadas, com fortes chances de bater o recorde mesmo só no Mundial de Roma, em julho.

Agora que geração de peito é essa? Primeiro o Felipe França batendo o recorde mundial numa prova não-olímpica, os 50m, para no dia seguinte Henrique Barbosa, que foi apenas o 23º com 1:01:11 fez 59:12 nas eliminatórias do Maria Lenk, e ainda diminuiu seu tempo para 59s03, apenas mais lento que o recorde mundial do japonês Kosuke Kitajima conseguido na final de Pequim. Será que podem vir 3 ouros no mundial de Roma? Confesso que fiquei um pouco reticente com uma evolução tão gritante em poucos meses, mas não creio mais que pode ser doping. É torcer para que melhore mais ainda, e continue assim até 2012!

Se eu Fosse Você 2

2009-01-04T12:43:00.000-08:00

SE EU FOSSE VOCÊ 2

(2009, BRA) de Daniel Filho. Com Tony Ramos, Glória Pires Cássio Gabus Mendes, Isabelle Drummond, Marcos Paulo, Chico Anysio, Maria Luísa Mendonça, Adriane Galisteu, Vivianne Pasmanter, Bernardo Mendes, Maria Gladys, Ary Fontoura, Carlos Bonow.

Tony Ramos se destaca nesta comédia que repete a mesma fórmula do primeiro para arrancar a força os risos dos espectadores. Talvez eu deveria ter revisto o primeiro, de três anos atrás, antes de embarcar na primeira sessão de cinema do ano, mas pelo que a memória me permite, o filme chega a ser superior do que o original.

Original, aliás, não era a palavra certa para se chamar “Se eu fosse você”, e talvez nisso, a continuação acabe levando certo privilégio nesta comparação, já que é simplesmente uma nova roupagem para a velha fórmula americana, de troca de corpos, feita em “Sexta-Feita Muito louca”, que já era uma refilmagem de “Se eu fosse minha mãe”.

O grande mérito do primeiro filme é que trazia esse subgênero para a cinematografia brasileira e com dois atores consagrados, Tony Ramos e Glória Pires, mostrando uma verve cômica, que dava ao filme um frescor, não visto muito nos nossos filmes. Era um filme de certa maneira raso, mas que brincava com os gêneros masculino e feminino, de uma forma um tanto inteligente, e ainda tinha um apelo ao público enorme.

O segundo filme mantêm isso, e apesar de dividir melhor as piadas, Pires aparece mais apagada, marcando bons momentos em cena mas sendo superada quase sempre na cena seguinte por Ramos, que brilha como Helena, acertando em cheio nas piadas corporais, assim como tendo o timing certo para os diálogos. O resto do elenco parece um festival de participações especiais. Chico Anysio se basta sendo Chico Anysio, Maria Luisa Mendonça fazendo o tipo histérica, Cassiano Gabus Mendes o tipo galinha e os outros mal abrindo a boca, incluindo ai a grande Maria Gladys em um papel pra lá de inútil.

Daniel Filho sempre se disse contra invenções, e que privilegia um cinema de narração formal, historinha para público rir. Aqui consegue fazer isso, e ainda consegue alguns bons momentos de cinema, com cenas bem cuidadas, e sem cair nunca no grotesco. No final, aparece como piada, “aguarde ‘Se a vovó fosse o vovô’”, em referência ao fato da questão principal (e diferencial) deste filme ter sido a reação dos dois protagonistas com a filha grávida. É só uma piada, como Filho já fez questão de ressaltar, mas que pode vir a acontecer uma nova continuação, não duvido nada.

Marty

2009-01-02T20:51:00.000-08:00

MARTY

“Marty” (1955, EUA) de Delbert Mann. Com Ernest Borgnine, Betsy Blair, Esther Minciotti, Augusta Ciolli, Joe Mantell, Karen Steele, Jerry Paris.

Marty tem lugar na história do cinema já que em 1956 se tornou o primeiro filme, a vencer o Oscar e a Palma de Ouro, no Festival de Cannes, que tinha conquistado no ano anterior. Mesmo assim, estranhamente não é muito lembrado meio século depois, provavelmente por ser um pequeno filme, centrado somente em seus personagens.

A história é baseada num teleteatro, operação famosa na década de 50 nos EUA. Marty (Ernest Borgnine) trabalha como açogueiro no Bronx e vive com sua mãe (Esther Minciotti), enquanto vê seus irmãos mais novos se casarem, e a pressão cada vez maior da família para finalmente subir ao altar. Num sábado a noite, para agradar sua mãe, ele vai a um salão de dança, e lá, acaba encontrando a igualmente solitária Clara (Betsy Blair) e um futuro mais alegre parece tomar lugar na vida de Marty.

Borgnine é o grande destaque deste filme pequeno, mas emocionante. O roteiro é sincero e retrata bem a pressão que o protagonista sofre por sua família e vizinhança italiana para finalmente se casar, enquanto começa a vislumbrar um prospecto de morrer solteirão, assim como também acerta na reação das pessoas mais próximas de Marty, quando Clara entra em sua vida. O ator está perfeito em todas as cenas, compondo o personagem de forma arrebatadora.

A maior falha do roteiro é como ele conclui a história, de forma muito rápida, e sem desenvolver plenamente os personagens coadjuvantes, especialmente a família de Marty, que ficam em primeiro plano. A direção do estreante Delbert Mann acerta na mão, com belas cenas entre o casal, seja na varanda do salão, ou pelas ruas de Nova York, com a cidade sendo filmada de uma maneira belíssima.

2008-11-19T17:29:00.000-08:00

As vezes.
Quero voltar com as listas.

Ensina-me a Viver

2008-10-15T06:42:00.000-07:00

Don't be shy just let your feelings roll on by
Don't wear fear or nobody will know you're there
Just lift your head, and let your feelings out instead
And don't be shy, just let your feeling roll on by
On by

You know love is better than a song
Love is where all of us belong
So don't be shy just let your feelings roll on by
Don't wear fear or nobody will know you're there
You're there

Don't be shy just let your feelings roll on by
Don't wear fear or nobody will know you're there
Just lift your head, and let your feelings out instead
And don't be shy, just let your feeling roll on by
On by, on by, on by, on by, etc.

Velha Juventude

2008-10-13T10:30:00.000-07:00

2008-10-10T11:46:00.001-07:00

O Terceiro Mundo já explodiu e o lixo está contaminando o universo!
Salve a boçalidade do submundo!
Quem tiver de sapato não vai sobrar, não vai sobrar, não vai!
O negócio é o seguinte:
Quando a gente não pode fazer nada, a gente avacalha e se esculhamba!

Nasce um roteirista

2007-05-28T00:28:00.001-07:00

é preciso muito amor ao cinema para estar plenamente acordado as cinco horas da manha (se ao menos tivesse janela no meu quarto, estaria vendo o sol nascer daqui a pouco, seria lindo) escrevendo o roteiro, só porque a 1 da manha quando eu tive a idiea, eu começei, soou urgente (soa urgente pra mim) e decidi que não podia parar. Ruffles e paçocas e castanhas e cocas foram minhas companhias, além do Chet Baker (já vou pegar umas músicas dele), Travis, e Beach Boys minha trilha. Já tou no final do segundo ato, creio, escrevi 11 páginas e o meu maior bloqueio com diálogos, já passei acho, ao menos nesse. Valeu a Pena. Talvez. Só sei que sinto mais leve e mais pesado ao mesmo tempo.

BRASÍIA 18%

2007-05-27T23:31:00.000-07:00

BRASÍLIA 18%

(2006, BRA) de Nelson Pereira dos Santos. Com Carlos Alberto Riccelli, Malu Mader, Karine Carvalho, Othon Bastos, Carlos Vereza, Laura Lustosa, Bruna Lombardi, Déo Garcez, Michel Melamed, Nildo Parente, Ney Sant’Anna, Mônica Keiko, Bete Mendes, Tonico Pereira, Anselmo Vasconcelos, Evandro Mesquita, Ludy Montes Claros, Herbert Richers Jr., Otávio Augusto, Isabella.

Brasília 18% faz parte de um estilo de filme que deveria existir mais no Brasil. Ao invés de focar as lentes de sua câmera nos menos favorecidos, Nelson Pereira, cinqüenta anos depois de abrir os olhos do Brasil para a realidade das favelas, parece fazer o oposto. Num país que tem como cinema político sinônimo de “filmes canhestros sobre a ditadura”, o tempo é o presente, aqui e agora. Brasília, terra da corrupção, de crimes que passam batidos, de políticos que fazem tudo por dinheiro e poder, de um povo que não é visto e nem se faz conhecido pelos seus representantes.

A trama de um médico legista, Dr. Olavo Bilac (Riccelli), que fez fama e trabalha em Los Angeles e vem a Capital para dar o laudo final se o corpo de uma moça é o mesmo cujo desaparecimento moveu o Brasil (como tantos crimes relâmpagos que aparecem e somem dos noticiários) é puro MacGuffin para um estudo sobre a política e politicagem no Brasil, o sensacionalismo, a busca por notícias. Isso acontece claramente em algumas seqüências: Desde quando os jornalistas se mostram decepcionados com o atraso em mais um dia para entregar o relatório, o comentarista político sempre atrás de um furo, até o mais relevante mesmo que é a pouca importância que Nelson dá para a resolução do mistério.

Isso acaba prejudicando a narrativa, porém, já que certas dúvidas óbvias acabam nunca sendo respondidas, ou pior, sendo formuladas pelas personagens. Mesmo que a Eugência Câmara (Ingênua Câmara?) (Karine Carvalho) ligue para Olavo, não seria uma armação? Ou o cabelo que a mãe entrega, não seria o cabelo de outra pessoa? Porque a liberdade de Augusto dos Anjos (Michel Melamed) está tão ligada a não-confirmação do corpo?

Os méritos de Nelson são maiores, porém. Em um cinema completamente apolítico e que tem medo de falar mal dos governantes (até porque, cinema no Brasil ainda é estatal), Brasília vai até o fundo no que Caixa Dois, por exemplo, apenas se inclinou a fazer no título. Os parlamentares são corruptos, sim, pensam só em benefícios próprios, em dinheiros em seus bolsos, e indo o mais baixo possível para conseguir o que querem.

Toda ação acontece em Brasília, e não poderia existir uma cidade mais perfeita para a história. Assim, como nos dois primeiros filmes da trilogia carioca, o Rio pulsa na narrativa, e é de fato a protagonista, Brasília é imponente, na Capital fabricada, em que prédios convivem lado a lado com largas estradas, e todos vivem num pequeno casulo, afastados da nação.

Nesse painel de senadores e deputados, já consagrados pelo povo e que são veteranos no jogo do poder, a que mais parece esculhambar todo o compromisso de ser eleita pelo povo é a Georgesand Romero (Mader), deputada federal, filha de um poderoso senador Sílvio Romero (Vereza, mais uma vez magnífico, tipo de ator que só com a presença já vale o filme). Ela, obviamente foi eleita com apoio e eleitorado do pai. Típica criação de Brasília, e que provavelmente mais morou lá do que em algum estado nordestino em que nasceu (a comparação inevitável é com José e Roseana Sarney), simplesmente não está aí com o fato de ser deputada, nem para armar seus pequenos jogos políticos.

Claro que ela tem um interesse financeiro, de subir na profissão, porém, continua sendo a filhinha do papai (e para isso, os mesmos seguranças do pai, por exemplo, seguem ela, mostrando sua clara submissão a autoridade do pai) e, pior, realmente não dá a mínima para o seu suposto trabalho. Para fugir de uma CPI por exemplo, chama o médico para viajar para Miami. Sua presença em Brasília não é necessária, ninguém vai notar, e para que é necessário uma deputada ir ao Congresso? Sua maior preocupação parece ser a diversão e romances, e ao mesmo tempo passar uma boa imagem, como em seus vestidos sempre certinhos, formais, decotados, e ao mesmo tempo sociais, mas sempre quase sensuais e ressaltando a sua beleza, ou branco ou preto, sem meio termo.

Nesse universo inteiro de figuras parecidas de um daqueles arquétipos de romance, seja o sulista americano do século XIX, o romântico brasileiro (os nomes das personagens, todos referências artísticas, na grande maioria literárias), ou simplesmente da realidade política brasileira (como a presença de referências a ACM, por exemplo), quem se sente exilado é o protagonista Olavo Bilac.

Não exilado de sua terra, mas sim, voltando de um exílio, e parecendo não se encaixar neste lugar tão pode, como distante. Riccelli encarna com perfeição o papel, se deixando aos poucos entregar em um mundo em que não se pode confiar em ninguém, nem em si próprio. Todas as ações são interrogatórias e discutíveis, tudo pode acontecer, como pode não ter acontecido.

Um gênero difícil de se fazer no Brasil, arriscado para alguns (como digamos tratar de políticos, sem dar nomes aos bois) e que é tão banal no cinema americano e europeu, mas permanece um tabu. Falhas técnicas de lado (como o fundo azul no avião), simples bobices (a menina pedindo a Bíblia; juro que achei que haveria ali uma mega situação explicando, mas nada...), esquecidas, é um filme que renova a carreira do cineasta e quem sabe do cinema brasileiro. Porque fazer filmes visualmente bonitos, com uma belíssima fotografia em tons escuros e frios e sobre uma classe alta-alta do Brasil não é um pecado nem cinema alienado ou burguês. É simplesmente, cinema nacional.

Sétima Arte

2007-05-27T08:24:00.000-07:00

A PELE*

“Fur: An Imaginary Portrait of Diane Arbus” (2006, EUA) de Steven Shainberg. Com Nicole Kidman, Robert Downey Jr., Ty Burrell, Harris Yulin, Jane Alexander, Emmy Clarke, Genevieve McCarthy, Boris McGiver, Marceline Hugot, Mary Duffy.

A maioria dos espectadores vai ao cinema esperando ver uma historinha já mastigada, com começo, meio e fim, já toda formulada e pronta para consumo próprio. Para aqueles já acostumados com este tipo de cinema, é comum achar que este é o cinema “certo” e os filmes que fogem desta regra são “estranhos”. Pois bem, é muito difícil chegar aos cinemas de Campos um filme que pertence a um cinema mais contemplativo, aonde imagens contribuem significativamente para a “sinopse”.

Assim, se torna fundamental aos cinéfilos assistir “A Pele”. Nicole Kidman, uma das melhores atrizes da atualidade assume o papel de uma das mais famosas fotógrafas americanas, que se tornou conhecida por retratar em seus trabalhos os que vivem a margem da socidade e procurar fazer algo diferente de “fotos de moda”, tirando fotografias, por vezes de pessoas feias ou com deformações.

É dito logo no início do filme, porém, que Diane é apenas uma inspiração para o filme (o próprio título original, “um retrato imaginário”), ou seja, a história que vemos é tudo ficção. O diretor e a roteirista Erin Crossida Wilson se baseiam na vida dela para fazer um estudo do que leva uma pessoa a sair de uma vida “ganha”, fácil e normal com tudo o que se pode desejar (um bom marido, filhos e parte da alta sociedade de NY) para uma outra completamente diferente, mais sensorial, e provavelmente, mais satisfatória.

A partir de uma figura estranha e enigmática (a personagem de Robert Downey Jr., excelente em seu papel) o filme propõe questionamentos na ordem visual sobre o que é ou o que não é normal, o que seria aceitável e o que devemos fazer para encontrar uma felicidade que só nós podemos saber exatamente o que ela é.

Nisso a direção de arte do filme é fantástica e ajuda muito para a separação entre os dois mundos que vivem separados por uma simples divisória, mostrando o quão distante é o mundo da casa de Diane e do novo vizinho e a enorme trajetória que Diane terá que percorrer para atravessar estes mundos paralelos e distantes.

O poder do filme é tão grande que consegue atravessar a tela, fazendo o espectador se questionar sobre suas escolhas, mérito do diretor que consegue criar uma história ao mesmo tempo tão particular quanto universal, ultrapassando barreiras, principalmente por não fazer uma distinção exata do que é normal, e anormal (esses conceitos existem?), exemplificado quando o marido (Ty Burrell) decide crescer a barba para reconquistar o amor de sua esposa.

O filme é tortuoso, devido a imagens densas e uma direção pontual que privilegia cada plano, construindo um mundo com regras próprias, complementadas pela direção de arte. A trilha sonora ajuda a criar um clima conturbado e depressivo, acentuado principalmente a interpretação minimalista de Kidman, construindo uma personagem fascinante e distante emocionalmente da ação central.

Mesmo que o longa possua várias falhas, como um apressamento anti-natural da relação entre as duas personagens principais, nada que atrapalhe o conjunto geral do filme. Em uma semana que “Piratas do Caribe 3” e “Homem-Aranha 3” monopolizam as salas de cinema em Campos, ir ver “A Pele” está longe, muito longe, de ser um programa de índio.

* Texto publicado hoje (27/05), parte da coluna dominical “Sétima Arte” do jornal de Campos “Folha da Manhã”.

Motoqueiros Selvagens

2007-05-16T16:54:00.000-07:00

MOTOQUEIROS SELVAGENS

“Wild Hogs” (2007, EUA) de Walt Becker. Com John Travolta, Tim Allen, William H. Macy, Martin Lawrence, Ray Liotta, Marisa Tomei, Kevin Durand, M. C. Gainey, Jill Hennessy, Dominic Janes.

Motoqueiros Selvagens parte de um preceito muito simples, que é o do descontentamento com a vida que sofrem quatro homens lá pelos seus cinqüenta anos. Decidem então, endossar a crise de meia-idade com uma emblemática viagem de moto pelo país, procurando a “liberdade” que tanto desejavam quando adolescentes e hoje não passam de uma lembrança de um momento que esteve prestes a acontecer, mas nunca aconteceu.

Todos os quatro protagonistas sofrem problemas, e são endossados por quatro estrelas de Hollywood, que se ao menos não têm muito talento (exceto por William H. Macy), possuem carisma de sobra, e que conseguem fazer deslizar o filme para os espectadores, e até os mais turrões podem ao menos apreciar um pouco a história. John Travolta interpreta um homem que parece ter a vida dos sonhos, mas acaba de se separar de sua esposa (uma modelo famosa) e descobre que entrou em falência. Procura na viagem uma forma de esquecer seus problemas e tentar se divertir um pouco antes de cair na vida real.

Leva seus três amigos, daqueles caras que têm vidas tranqüilas no subúrbio, um estilo que o cinema americano já o fez tão normal e corriqueiro, mesmo para os brasileiros. Seus amigos são Martin Lawrence, um cara controlado pela esposa e que trabalha como faxineiro em uma empresa (e é claro, possui uma casa enorme de dois andares), mas que se sente deprimido por não ter conseguido escrever nada no projeto de livro durante um ano sabático; Tim Allen um dentista que queria mudar o mundo, mas não chegou perto disso e que possui um filho que prefere passar mais tempo com o pai do amigo do que com ele; e William Macy, um fanático por computadores, mas que sempre que chega perto de uma mulher fica nervoso e por isso não consegue ter uma namorada.

Logo na primeira cena para não termos dúvidas, o roteiro apresenta cada um dos personagens e os problemas relacionados a cima, para já fixar na mente do espectador quem é quem (e claro, com atores conhecidos defendendo os papeis, o trabalho fica mole) e parte para a viagem. O título Motoqueiros Selvagens é o nome do grupo que eles formaram e se reúnem semanalmente.

Mas na viagem, eles vão se deparar com uma gangue de motoqueiros “de verdade”, mas que prefere se estabelecer num bar do que ir para a estrada. O filme inteiro vai se limitar aos problemas que o quarteto principal vai ter com esses “vilões”, além de um romance entre a personagem de Macy e uma dona de um bar de uma cidadezinha em que eles param, interpretada por Marisa Tomei.

Sem inovar nem por um instante, contando com um bando de piadas escapistas e sem graças (como a do computador na apresentação de Macy e o policial interpretado pelo ótimo Kevin Durant, da série Scrubs), o filme não chega a chatear, mas também conta com um argumento muito forçado e sem nenhuma criatividade no roteiro. A forma como tudo se resolve é quase uma piada de tão forçado que soa. E claro, todos os protagonistas vão conseguir chegar ao final tendo recuperado aquilo que tinham perdido em algum momento de suas vidas, ou nunca tinham conseguido. Pode agradar aqueles que querem uma diversão sem usar muito o cérebro, mas para os que acreditam que o cinema pode ser um pouco mais do que diversão, Motoqueiros Selvagens não é a parada ideal.

Caixa Dois

2007-04-23T12:42:00.000-07:00

CAIXA DOIS

(2007, BRA) de Bruno Barreto. Com Fúlvio Stefanini, Daniel Dantas, Zezé Polessa, Giovana Antonelli, Cássio Gabus Mendes, Thiago Fragoso, Robson Nunces, Mariana De Sabrit, Zedú Neves, Márcio Mussarela.

Li em certo texto na internet uma expressão que me chamou a atenção e que seria a nova moda no cinema brasileiro: O “bom filme ruim”. Ou seja, não temos mais àqueles filmes embaraçosos, que temos vergonha de ser produzido aqui. A nova safra se enche de diretores fortes, como Hector Babenco e Bruno Barreto, ou filmes independentes como O Cheiro do Ralo, ou ainda filmes que parecem ser bonitos, agradáveis e legais mas não tem nada a oferecer, como Árido Movie, Muito Gelo e Dois Dedos D’Água, ou o próprio O Cheiro. Isso para não falar do Moacyr Góes, nosso Ed Wood, que produz uma bomba por ano.

O cinema brasileiro tem suas pérolas, isso tem. O Céu de Suely é um dos melhores filmes entre todos lançados no Brasil ano passado. Antônia emociona mais que seu “similar” importado Dreamgirls – Em Busca de um Sonho. O Ano que Meus pais Saíram de Férias competiu em Berlim. Incuráveis pouca gente viu, mas é um forte texto defendido por atores excelentes. Mas ainda temos aqueles filmes que são vendidos a preço de ouro, mas quando se compra, se descobre que se trata de uma simples bijuteria.

Caixa Dois é um deles. O título é oportuno, remeter a crise política que assolou o país em 2005, e fazendo tratar os desentendidos que é um filme que mexe nesse ferida, algo que o Brasil ainda tem medo em fazer (filmes sobre a ditadura saem aos montes, mas retratar temas atuais é um tabu). Nada, nada de política é tratado aqui, além da corrupção, corriqueira no país e uma frase meio colocada para satisfazer o público: “Um presidente que não sabe nada?”, dita por Zezé Polessa ao presidente do Banco, interpretado por Fúlvio Stefanini.

O longa é muito curto e o dilema principal demora muito para aparecer e quando vemos já estamos naquele tipo de final que o espectador está cansado de ver: Juntar todas personagens com alguma relevância no roteiro e pôr-las para resolver o desfecho que já se sabia há muito tempo, assim não disfarçando sua origem teatral, além de ter uma cara noveleira de péssima qualidade. Os atores a serviço de um roteiro fraco e muito mal amarrado pouco fazem. Apesar das boas intenções do argumento, a falta de uma identidade ao projeto acaba arruinando suas tentativas de ser levado a sério e no final de toda a história resta uma única pergunta: “E daí?”. Com certeza não era essa a que os realizadores pensavam ao fazer Caixa Dois.

Pequena Miss Sunshine

2007-02-27T19:01:00.000-08:00

PEQUENA MISS SUNSHINE

“Little Miss Sunshine” (2006, EUA) de Jonathan Dayton, Valerie Faris. Com Abigail Breslin, Greg Kinnear, Paul Dano, Alan Arkin, Toni Collette, Steve Carell.

Pequena Miss Sunshine é um filme bastante simpático e que consegue levar o espectador junto com sua história durante toda sua duração, desde a apresentação dos membros da família, com todas suas características peculiares, até o clímax, devido a um certo toque de graça que o filme possui e nunca abandonam. Mas enquanto os créditos finais rolam na tela, se percebe (isso se não foi percebido antes) que estávamos andando numa esteira: Tudo continuou no mesmo lugar.

Alguns podem até discordar, e usarão como argumento: "Mas a família se uniu, superou suas diferenças aproveitou a viagem para atravessar as barreiras". Mas isso fica claro desde o início, como numa fórmula bem manjada. O que esperávamos ao menos era que as personagens crescessem durante a trajetória até o concurso de moda que dá nome ao título do filme, mas não. Além de não acrescentar nada, todas as personagens que possuíam tremendo potencial no início da projeção, não são desenvolvidos. Se existe alguma razão para o filme cumprir o objetivo de entreter é o elenco, composto por alguns dos melhores nomes do chamado cinema independente americano.

O comediante Steve Carell, conhecido por O Virgem de 40 anos é quem tem a melhor personagem, como o cunhado/tio que mesmo apesar de algumas situações estranhas, é bem desenhado. Já pelo outro lado, a esposa de Toni Collette, é completamente deixada de lado, entrando e saindo completamente apagada, existindo apenas como a "cola" entre todos os membros da família, mas não descobrimos nada referente a ela, nenhuma motivação, nada que explique o modo como ela age.

No meio disso tudo, se encontram as outras. O marido, interpretado por Greg Kinnear começa forte, mas se perde durante a viagem, passando a somente servir como o motorista da van amarela. Alan Arkin fica preso por algumas piadas recorrentes como o avô que usa heroína, ou mudanças nada sutis de personalidade, fruto de uma indefinição de tom, culpa dos roteiristas e dos diretores. Paul Deno até tenta, mas não consegue extrair alguma coisa como o filho que adora Nietzsche e promete não falar até realizar seu sonho de entrar na Força Aérea Americana. E por fim, Abigail Breslin se destaca, e apesar de ser exagerada não seria injusta uma possível indicação ao Oscar.

O problema, de novo, não são os atores. Todos são bons, mas com personagens rasos não conseguem evoluir como poderiam. Uma grande pena já que o ritmo do filme é envolvente e a trilha e a montagem são eficientes. Mas faltou um pulso maior na condução das personagens pela mão inexperiente dos diretores estreantes. A cena da dança, tão elogiada, fica pálida em comparação a uma similar em Um Grande Garoto, bem mais emocionante e real. Uma pena e grande decepção o resultado final de Pequena Miss Sunshine já que poderia ter sido um grande filme. E honestamente, como amante do cinema e do cinema que Miss Sunshine prega, eu gostaria que fosse um grande filme. Mas está longe disso.

V- Estréias no Cinema em 02/02/2007

2007-02-03T09:40:00.000-08:00

ESTRÉIAS NACIONAIS NESTA SEXTA

“À Procura da Felicidade”, de Gabriele Muccino
“A Conquista da Honra”, de Clint Eastwood
“Brichos”, de Paulo Munhoz
“Dias de Glória”, de Rachid Bouchareb
“Dogão – Amigo Pra Cachorro”, de Butch Hartman
“O Homem Duplo”, de Richard Linklater
“Pro Dia Nascer Feliz”, de João Jardim
“O Último Rei da Escócia”, de Kevin Macdonald

ESTRÉIAS NO RIO

“À Procura da Felicidade”, de Gabriele Muccino
“A Conquista da Honra”, de Clint Eastwood
“Brichos”, de Paulo Munhoz
“Dias de Glória”, de Rachid Bouchareb
“Dogão – Amigo Pra Cachorro”, de Butch Hartman
“O Homem Duplo”, de Richard Linklater
“Pro Dia Nascer Feliz”, de João Jardim
“O Último Rei da Escócia”, de Kevin Macdonald

***

EM CAMPOS

Estréias

“À Procura da Felicidade”, de Gabriele Muccino
“Diamante de Sangue”, de Edward Zwick

Continuação

“O Cavaleiro Didi e a Princesa Lili”, de Marcus Figueiredo
“A Grande Família – O Filme”, de Maurício Farias
“Os Infiltrados”, de Martin Scorsese
“Uma Noite no Museu”, de Shawn Levy
“Pulse”, de Jim Sonzero
“Xuxa Gêmeas”, de Jorge Fernando

EM NITERÓI

Estréias

“À Procura da Felicidade”, de Gabriele Muccino
“A Conquista da Honra”, de Clint Eastwood
“Dogão – Amigo Pra Cachorro”, de Butch Hartman

Continuação

“Apocalypto”, de Mel Gibson
“Babel”, de Alejandro González-Iñarritu
“O Cavaleiro Didi e a Princesa Lili”, de Marcus Figueiredo
“Déjà Vu”, de Tony Scott
“A Grande Família – O Filme”, de Maurício Farias
“Uma Noite no Museu”, de Shawn Levy
“Pequena Miss Sunshine”, de Jonathan Dayton, Valerie Faris
“Perfume: A História de um Assassino”, de Tom Tykwer
“Pintar ou Fazer Amor”, de Arnaud Larrieu, Jean-Marie Larrieu
“Uma Verdade Inconveniente”, de Davis Guggenheim

Cinco Melhores filmes em cartaz (os excelentes em negrito)

1- “Volver” , de Pedro Almodóvar (Rio)
2- "007 — Cassino Royale", de Martin Campbell (Rio)
3- “O Céu de Suely” , de Karim Ainouz (Rio)
4- “Dias de Glória”, de Rachid Bouchareb (Rio)
5- “Os Infiltrados”, de Martin Scorsese (Rio, Campos)

10 Filmes mais vistos no último final de semana*

(1/N) 1- A Grande Família – O Filme 288.179 [-] {303.362}
(3/-1) 2- Uma Noite no Museu 227.455 [-36,98%] {2.210.495}
(2/-1) 3- Déjà Vu 92.390 [-28,96%] {337.496}
(2/-1) 4- Babel 83.092 [-9,77%] {252.830}
(4/0) 5- Diamante de Sangue 43.400 [-24,81%] {549.253}
(1/N) 6- Apocalypto 41.506 [-] {44.204}
(2/-3) 7- O Mar Não Está Para Peixe 41.477 [-33,69%] {219.824}
(6/-2) 8- O Amor Não Tira Férias 27.815 [-46,91%] {996.347}
(7/-2) 9- Xuxa Gêmeas 27.528 [-29,75%] {868.671}
(6/-1) 10- O Cavaleiro Didi e a Princesa Lili 24.261 [-35,12%] {868.671}

Total do Top10: 897.103 (-0,85%)**

* em espectadores. Nos parênteses: Número de semanas / Comparação com a posição da semana anterior. Em colchetes comparação com o número de espectadores da semana anterior. Em chaves, o público total.
** comparação com o total do top10 da semana anterior.

A Grande Família

2007-01-31T04:28:00.000-08:00

A GRANDE FAMÍLIA – O FILME

(2007, BRA) de Maurício Farias. Com Marco Nanini, Marieta Severo, Pedro Cardoso, Guta Stresser, Andréa Beltrão, Lúcio Mauro Filho, Paulo Betti, Tonico Pereira, Marcos Oliveira, Dira Paes.

Créditos iniciais de A Grande Família. Ali estava eu, no cinema, meio a contragosto, esperando mais um filme bobinho da Globo Filmes, ao estilo cunhado de Daniel Filho, quase regra para a produtora. Bastava saber se seria algo mais próximo do competente Se eu Fosse Você ou do medíocre Muito Gelo e Dois Dedos D’Água. Se não fosse pela minha obsessão de ver todos os filmes possíveis do ano (e no cinema), muito provavelmente eu nem iria a sessão, até porque não sou fã do seriado que originou o longa.

Mas em poucos minutos eu me lembrei porque eu faço questão de ver todos os filmes no cinema. Logo após um rápido flashback, mostrando o início do romance entre os protagonistas Lineu e Nenê no Baile da Primavera, vemos um plano magnífico, mostrando a rotina de uma rua no subúrbio carioca. Esse plano, aliás, iniciaria um padrão no filme que se manteria até o final: A ótima fotografia de José Guerra, evocando um Rio de Janeiro belo, dando a cidade o tratamento que merece. É evidente, por exemplo, que as cenas externas (como na vizinhança, na estação de trem ou no centro) são infinitamente superiores do que as cenas em cenário.

E lá estava eu, embarcando de vez na história, que talvez até seja a mesma de sempre na TV, mas eu nunca vi então tava achando tudo legal. Um ambiente simpático da cidade que eu mais adoro, personagens bem construídos, e uma história se desenvolvendo: O chefe de Lineu cria bilhetinhos amorosos, para estimular ele a sair com uma garota linda da repartição (a sempre espetacular Dira Paes). Ele descobre a maracutaia, mas os bilhetinhos acabam nas mãos de Nenê, que para se vingar, planeja ir ao Baile da Primavera (aonde eles foram em todos os anos para comemorar o relacionamento) com um ex-pretendente, interpretado por Paulo Betti.

Na minha cabeça, aquilo era o início ideal para o roteiro, o chamado primeiro ato. Todos os conflitos já estavam armados. O que vai acontecer agora, eu pensava. Talvez a mesma dúvida passou pelas cabeças dos roteiristas, que tadinhos, ao chegar nos quase 40 minutos, duração de um episódio, devem ter ficado sem saída. O que fazer então? Voltar tudo ao começo.

Espera aí, como? Voltar? Sim, voltar. O carro do Lineu fica atolado logo quando um trem está vindo. O tempo congela, e um “Outro Lineu” (“aquele outro eu que vemos antes de morrer”) aparece dizendo que ele tem que curtir mais a vida. Assim, ele sai do carro (“o outro”) e o trem atinge... Voltamos para o início da história, com Lineu agora assumindo características mais “liberais”, trazendo conseqüências diferentes, mas quase sempre aproveitando mesmas cenas e diálogos, trazendo interpretações distintas.

Porém, buracos enormes surgem. Como ele voltou ao tempo? É imaginação? E ele tem consciência disso? E porque ele está diferente? E se ao mesmo tempo o uso de diálogos e situações similares pode ser interessante para analisarmos um aproveitamento da teoria de Kuleshov (mesmo que de forma ordinária) se revela aos poucos um mero artifício de ocultar uma falta de originalidade dos criadores do programa.

E como se uma segunda passagem por aquela época do primeiro ato não fosse o bastante, tudo se repete pela terceira vez. Uma cópia barata (até no campo financeiro, porque as cenas eram praticamente idênticas e nos mesmos cenários) e mal feita de Feitiço do Tempo, e elimina qualquer paciência que se possa ter com a trama. E chega ao cúmulo quando o Epílogo imita o Prólogo.

As atuações são ótimas (principalmente as de Severo e Nanini), mas durante os créditos finais, estava decepcionado. Parece que vimos três episódios da série, no estilo Você Decide, mas ao invés de escolhermos qual final queremos ver, escolhemos qual história é a “melhor” ou “mais certa”, ou a que “mais nos divertimos”. Como se o espectador que vai ao cinema, fã do seriado não tem a habilidade de acompanhar uma história contada de forma linear por uma hora e quarenta minutos. Aí nem precisava botar o subtítulo “O Filme”.

Notas de Segunda

2007-01-30T17:38:00.000-08:00

(mesmo que só atualizado na terça, por que esse meu computador é teimoso em fazer coisas simples)

O SAG teve sua premiação na madrugada de domingo, dando prêmios para todos os favoritos, só escapando levemente da chatice nos discursos de Grey’s Anatomy e no prêmio especial para Julie Andrews. Helen Mirren, Forrest Whitaker, Eddie Murphy e Jennifer Hudson parecem ser locks no Oscar. Mesmo com a mídia atrás, vitórias de Meryl Streep, Peter O’Toole, Jack Earle Haley e Abgail Brelin seriam enormes surpresas.
Na TV os mesmos de sempre. Por minissérie e filmes de TV, a dupla de “Elizabeth I”, Helen Mirren e Jeremy Irons. America Ferrara capitalizando o sucesso de “Ugly Betty”, Alec Baldwin como o chefe de “30 Rock”, série de Tina Fey (que é a melhor do elenco, aliás) e Hugh Laurie por “House”, sacaneando ainda o chato do Eddie Murphy. A maior surpresa mesmo foi a maravilhosa Chandra Wilson vencer como atriz em drama por Grey’s Anatomy que depois ainda venceu elenco de drama. Isaiah Washington, em rehab forçada, faltou e então o grupo permaneceu coeso.
Prêmios merecidos. Pena que poucos enxergam a genialidade da segunda temporada de Desperate Housewives, melhor que a primeira. A terceira promete também e já vou começar a baixar, para ver antes da viagem.
A pergunta da vez é: Será que Pequena Miss Sunshine consegue levar o Oscar? O prêmio de elenco no SAG é grande indício, somado ainda ao do Sindicato dos Produtores. E, ironicamente o grande prêmio que ele perdeu (filme de comédia/musical no Globo de Ouro) foi justamente para um filme não indicado, aquele musical lá.
Calac lembrou, eu ainda não botei a minha lista dos melhores do ano. É que a minha lista estava entre os dados que foram embora quando o computador pifou (pela milésima e quinta vez), na primeira semana do ano. Vou fazer o seguinte então. Postar a minha cédula do Alfred e depois fazer um ranking com os quase 250 filmes vistos de 2006. Isso é claro, quando esse computador permitir.
Ah, e vi Reis e Rainha esse final de semana. Filmaço, mas que precisa ser digerido com o tempo e pensado. Falando nisso, tive uma onda de revisões esse mês. No início, Quase Famosos, Ensina-me a Viver (por enquanto o filme do mês, como pode ser visto no Álbum do Orkut) e Gilda. Nos últimos dias, O Mágico de Oz, O Novo Mundo, Casablanca e Os Brutos Também Amam. Todos no mínimo excelentes, e se textos sobre eles não vieram (alguns ainda podem vir), fica aí a dica.

Uma Noite no Museu

2007-01-26T18:28:00.000-08:00

UMA NOITE NO MUSEU

“Night at the Museum” (2006, EUA) de Shawn Levy. Com Ben Stiller, Dick Van Dyke, Mickey Rooney, Jake Cherry, Bill Cobbs, Ricky Gervais, Carla Gugino, Mizuo Peck, Robin Williams, Kim Raver, Patrick Gallagher, Rami Malek, Pierfrancesco Favino, Steve Coogan, Owen Wilson.

Cinema, como sétima arte, deve ser tratado como um fundamental veículo para a transmissão de mensagens, divulgação de pensamentos e o mais acessível das formas de cultura e arte que conhecemos. É triste ver quando um longa, que custa o trabalho de centenas de pessoas por meses, e se resumir a um grande nada, que só emburrece o espectador, como em O Dono da Festa 2, que por sorte ficou só 1 semana em cartaz no cinema de Campos.

Mas quem disse que cinema não pode ser diversão? É o caso de Uma Noite no Museu, que estorou nas bilheterias americanas e foi o primeiro filme a alcançar no Brasil a marca de um milhão de espectadores, e já chega perto do segundo milhão. É o filme certo na hora certa, de férias escolares e com as crianças talvez já ficando cansadas de cópias de Harry Potter e os mais novos filmes dos mesmos ídolos dos “baixinhos” de 25 anos atrás.

Se trata de um filme ágil, divertido e que acaba ensinando um pouco de história, mesmo sem se aprofundar em nenhum dos personagens retratados no Museu de História Natural de Nova York. Eles sofrem de uma maldição que fazem com que a noite, ganhem vida e perambulam pelo museu, como se tivessem vivos ainda. Desde de um tiranossauro até Átila, o Huno, passando por bonequinhos de caubóis e soldados romanos, todos acham que ainda estão na sua época e acabam atazanando o trabalho de um novo guarda noturno (Ben Stiller), que estava esperando moleza e tranqüilidade.

Se o roteiro não é nenhum primor de escrita, trazendo velhos clichês — como um romance desnecessário e o pai tentando fazer o filho se orgulhar dele — e a direção vacila muito, principalmente no começo, quem segura o filme e faz dele um espetáculo agradável são os atores. O sempre simpático (e por enquanto nada mais) Ben Stiller carrega bem o filme, com pitadas de humor ao longo da aventura.

Mas o show é mesmo dos coadjuvantes. Owen Wilson (cujo nome não aparece nos créditos) e Steve Coogan fazem uma excelente dupla como inimigos mortais mas que acabam se reunindo em prol de um objetivo comum; Ricky Gervais (do “The Office” britânico) rouba todas as (poucas) cenas em que aparece, como o chefe metido a humorista; Robin Williams confirma o carisma que tem como Teddy Roosevelt, o único personagem que parece estar disposto a ajudar o guarda. E é interessante notar também a presença de Dick Van Dyke e Mickey Rooney, em claros papeis “de homenagem”, merecedíssima.

Curiosamente antes da sessão, eu tinha assistido a um filme de 1940 “Meninos da Cidade”, estrelado por um jovem Rooney. Claro que a aparência mudou e muito, mas é engraçado ver que certos trejeitos ainda continuam, como se não tivessem passados 66 anos.

Previsões

2007-01-23T04:04:00.000-08:00

Esse ano está muito estranho. Temos uma categoria praticamente decidida - melhor atriz, sem nenhuma sexta candidata aparente - e outras categorias em aberto. Filme vai ser difícil mudar disso daí de baixo mas Cartas de Iwo Jima, A Conquista da Honra, O Diabo Veste Prada, Borat e até Bobby (não se esqueçam, ele entrou como elenco no SAG e filme drama no Globo de Ouro) podem furar, ou estrangeiros como O Labirinto do Fauno e Volver.

Mas mesmo que só fiquem os cinco já manjados, não há nenhum frontrunner, e talvez hoje definiremos quem irá ser considerado como tal. Para isso precisa receber o maior número de indicações, e quem parece que tem mais chances é Babel e Dreamgirls com 10 ou Os Infiltrados e Pequena Miss Sunshine com 8. Todos com FORTES chances de levar prêmio de Elenco no SAG - o que vai dizer muito sobre o futuro vencedor do Oscar.

Mas infelizmente grandes surpresas não devem acontecer, já que a curta temporada do Oscar põe os votantes com muito pouco tempo para ver muitos filmes - e indies ou estrangeiros ficam de fora. Sem mais delongas os candidatos (existem três categorias em que há chances de só 3 candidatos - canção e as 2 de som), então ponho em negrito os três primeiros e normal os outros 2.

FILME

Babel
The Departed
Dreamgirls
Little Miss Sunshine
The Queen

DIRETOR

Alejandro Gonzalez Inarritu, Babel
Bill Condon, Dreamgirls
Johnathan Dayton, Valerie Faris, Little Miss Sunshine
Guilermo Del Toro, Pan’s Labyrinth
Martin Scorsese, The Departed

ATOR

Sacha Baron Cohen, Borat
Leonardo DiCaprio, The Departed
Peter O’Toole, Venus
Will Smith, The Pursuit of Happyness
Forrest Whitaker, The Last King of Scotland

ATRIZ

Penelope Cruz, Volver
Judi Dench, Notes on a Scandal
Helen Mirren, The Queen
Meryl Streep, The Devil Wears Prada
Kate Winslet, Little Children

ATOR COADJUVANTE

Alan Arkin, Little Miss Sunshine
Jackie Earle Haley, Little Children
Eddie Murphy, Dreamgirls
Jack Nicholson, The Departed
Brad Pitt, Babel

ATRIZ COADJUVANTE

Adriana Barraza, Babel
Cate Blanchett, Notes on a Scandal
Abigail Breslin, Little Miss Sunshine
Jennifer Hudson, Dreamgirls
Rinko Kikuchi, Babel

ROTEIRO ORIGINAL

Guillermo Arriaga, Babel
Michael Arndt, Little Miss Sunshine
Guillermo Del Toro, Pan’s Labyrinth
Peter Morgan, The Queen
Zach Helm, Stranger Than Fiction

ROTEIRO ADAPTADO

Sacha Baron Cohen, Borat
Alfonso Cuaron, Timothy Sexton, Children of Men
William Monahan, The Departed
Todd Field, Tom Perrotta, Little Children
Jason Reitman, Thank You for Smoking

FILME ESTRANGEIRO

Avenue Montaigne, France
Days of Glory, Algeria
The Live of Others, Germany
Pan’s Labyrinth, Mexico
Volver, Spain

ANIMAÇÃO

Cars
Happy Feet
Monster House

FOTOGRAFIA

Babel
Children of Men
The Departed
Dreamgirls
Pan’s Labyrinth

MONTAGEM

Babel
The Departed
Dreamgirls
Little Miss Sunshine
United 93

DIREÇÃO DE ARTE

Children of Men
Dreamgirls
The Good Sheperd
Marie Antoinette
Pan’s Labyrinth

FIGURINO

Curse of the Golden Flower
The Devil Wears Prada
Dreamgirls
Marie Antoinette
The Queen

TRILHA

Babel
The DaVinci Code
The Good German
The Painted Veil
Pan’s Labyrinth

CANÇÃO

Bobby (“Never Gonna Break My Faith”)
Dreamgirls (“Listen”)
Happy Feet (“The Song of the Heart”)
An Inconvenient Truth (“I need to wake up”)
Little Miss Sunshine (“Till the End of Time”)

SOM (em negrito se for 3)

Babel
Cassino Royale
Dreamgirls
Pan’s Labyrinth
United 93

EDIÇÃO DE SOM (em negrito se for 3)

Cars
Cassino Royale
The Departed
Happy Feet
Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest

EFEITOS ESPECIAIS

Cassino Royale
Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest
Superman Returns

MAQUIAGEM

Pan’s Labyrinth
Pirates of the Caribbean: Dead Man’s Chest
The Prestige

DOCUMENTÁRIO

An Inconvenient Truth
Deliver Us From Evil
My Country My Country
Shut up & Sing
The War Tapes

Babel

2007-01-20T18:38:00.000-08:00

BABEL

"Babel" (2006, EUA/MEX) de Alejandro González Iñárritu. Com Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael Garcia Bernal, Koji Yakusho, Adriana Barraza, Rinko Kikuchi, Said Tarchani, Boubker Ait El Caid, Elle Fanning, Nathan Gamble, Mohamed Akhzam, Peter Wight, Abdelkader Bara, Mustapha Rachidi, Driss Roukhe, Clifton Collins Jr., Robert Esquivel, Michael Pena, Yuko Murata, Satoshi Nikaido.

Depois de realizar um grande filme, 21 Gramas, que o projetou definitivamente no cenário internacional, Iñárritu alcança aqui sua glória, sendo já posto na condição de um dos favoritos para levar o Oscar de direção. O filme venceu o Globo de Ouro de melhor drama e teve o maior número de indicações entre os sindicatos. É o filme com maior buzz nessa época de Oscar.

Calma lá, né? Babel é bom, mas nada muito demais. Exemplo perfeito de um filme supervalorizado pelos méritos de um cineasta, que não aconteceu quando devia, nos filmes anteriores. Aliás, é importante e necessário dizer que aqui a fórmula já está batida. O melhor para a carreira de Iñárritu é tentar a partir do próximo filme inovar mais, já que a cada filme parece que sua tática de filmar várias histórias em parceria com o roterista Guillermo Arraga, quase como se assim escondessem uma falta de talento para alongar e desenvolver uma história em longa metragem.

O argumento de ligação não pode ser usado aqui de maneira alguma, já que as quatro histórias não se juntam, apenas acontecem por causa de um mesmo acontecimento (o tiro de um menino), que interfere de forma direta ou indireta a vida das personagens. Alterações de tempo acentuam ainda mais a independência de cada parte, principalmente a japonesa.

As melhores atuações ficam por conta de Adriana Barraza, como a babá mexicana e Rinko Kikuchi, como a garota japonesa. Pitt, Blanchett e Bernal que encabeçam o elenco para propósitos promocionais não fazem muita coisa, em papeis pequenos, apesar de Pitt mostrar mais uma vez ser um bom ator, mesmo com um pequeno personagem. A parte protagonizada por Pitt e Blanchett em viagem ao Marrocos é a menos interessante, se contrapondo com a melhor, a da família marroquina, que me parece (mas não tenho certeza) ser formada só de atores amadores.

Na parte técnica, a montagem de Douglas Crise e Stephen Mirrione é eficiente, juntando eventos que se passam em dias diferentes como uma única parte, mesmo que não ajude no andar do filme. Talvez seria melhor se fosse menos não-linear, mas assim, claro seria menos chamativa e com menos destaque aos prêmios.

Os destaques nesta área vão para a trilha de Santaolalla e principalmente a fotografia de Rodrigo Prieto, que consegue criar ambientes completamente diferentes, incluíndo aí uma parte bem difícil, filmar dois desertos como locais distintos, até por razões dramáticas. A parte japonesa também é bem filmada visualmente, mesmo que se explore em demasia o lado sensual das garotas, o que se mostra decisivo futuramente na história, um caso discutível e bem simplório de resolver a questão.

A questão do filme todo é a falta de comunicação no mundo globalizado e por isso mais unido. Até ganha alguns pontos nessa questão, exemplificada de forma mais didática na parte japonesa. Na parte marroquina, temos um dilema interessante - os árabes ajudando o casal americano que foi largado a sorte pelos próprios compatriotas - e no terreno mexicano, vemos a personagem principal confrontar seus próprios demônios fazendo coisas que sinceramente, nem o espectador acredita. Mas talvez isso justamente seja seu calcanhar de Aquiles: O filme como um todo não se sustenta. Vemos pequenos curtas que não conseguem se dialogoar. E isso quase destrói o filme.

Estréias de 19 de Janeiro de 2007 (III)

2007-01-19T11:56:00.000-08:00

ESTRÉIAS NACIONAIS NESTA SEXTA

“Alex Rider Contra o Tempo”, de Alex Pettyfer
“As Aventuras de Azur e Asmar”, de Michel Ocelot
“Babel”, de Alejandro González-Iñarritu
“Déjà Vu”, de Tony Scott
“O Mar Não Está Para Peixe”, de Howard E. Baker
“Silk, o Primeiro Espírito Capturado”, de Su Chao-Pin

ESTRÉIAS NO RIO

“Alex Rider Contra o Tempo”, de Alex Pettyfer
“Amigas com Dinheiro”, de Nicole Holofcener
“As Aventuras de Azur e Asmar”, de Michel Ocelot
“Babel”, de Alejandro González-Iñarritu
“Déjà Vu”, de Tony Scott
“O Mar Não Está Para Peixe”, de Howard E. Baker

***

EM CAMPOS

Estréias

“O Dono da Festa 2”, de Mort Nathan
“Filhos da Esperança” de Alfonso Cuarón

Continuação

“007 — Cassino Royale”, de Martin Campbell
“O Amor Não Tira Férias”, de Nancy Meyers
“O Cavaleiro Didi e a Princesa Lili”, de Marcus Figueiredo

“Eragon”, de Stefen Fangmeier
“O Ilusionista”, de Neil Burger
“Uma Noite no Museu”, de Shawn Levy
“Por Água Abaixo”, de David Bowers, Sam Fell
“Xuxa Gêmeas”, de Jorge Fernando

EM NITERÓI

Estréias

“Babel”, de Alejandro González-Iñarritu
“Déjà Vu”, de Tony Scott
“O Mar Não Está Para Peixe”, de Howard E. Baker

Continuação

“007 — Cassino Royale”, de Martin Campbell
“O Amor Não Tira Férias”, de Nancy Meyers
“O Caminho Para Guantánamo”, de Michael Winterbottom, Mat Whitecross
“O Cavaleiro Didi e a Princesa Lili”, de Marcus Figueiredo

“Diamante de Sangue”, de Edward Zwick
“Eragon”, de Stefen Fangmeier
“Mais Estranho que a Ficção”, de Marc Forster
“A Menina e o Porquinho”, de Gary Winick
“Uma Noite no Museu”, de Shawn Levy
“Pequena Miss Sunshine”, de Jonathan Dayton, Valerie Faris
“Por Água Abaixo”, de David Bowers, Sam Fell
“Uma Verdade Inconveniente”, de Davis Guggenheim
“Xuxa Gêmeas”, de Jorge Fernando

Cinco Melhores filmes em cartaz (os excelentes em negrito)

1- “Volver” , de Pedro Almodóvar (Rio)
2- "007 — Cassino Royale", de Martin Campbell (Rio, Niterói, Campos)
3- “O Céu de Suely” , de Karim Ainouz (Rio)
4- “Os Infiltrados”, de Martin Scorsese (Rio)
5- “Caminho Para Guantánamo”, de Michael Winterbottom, Mat Whitecross (Niterói)

10 Filmes mais vistos no último final de semana*

(1/N) 1- Uma Noite no Museu 548.273 {679.729}
(2/+1) 2- Diamante de Sangue 86.765 {316.497}
(4/+2) 3- O Amor Não Tira Férias 77.388 {779.951}
(5/-2) 4- 007 – Cassino Royale 75.762 {1.545.657}
(5/-1) 5- Por Água Abaixo 59.013 {1.351.094}
(3/-5) 6- Eragon 55.077 {1.022.334}
(4/0) 7- O Cavaleiro Didi e a Princesa Lili 50.209 {425.878}
(5/-2) 8- Xuxa Gêmeas 45.224 {647.758}
(1/N) 9- Mais Estranho que a Ficção 39.201 {39.318}
(2/-2) 10- A Menina e o Porquinho 20.776 {140.713}

Total do Top10: 1.061.123 (+15,21%)**

* em espectadores. Nos parênteses: Número de semanas / Comparação com a posição da semana anterior. Em chaves, o público total
** comparação com o total do top10 da semana anterior

FILMES QUE VI NO CINEMA ENTRE 12/01/07 e 18/01/07

12/07- “Uma Noite no Museu”, de Shawn Levy (no CineRitz 3, em Campos)

Filhos da Esperança

2007-01-19T11:33:00.000-08:00

FILHOS DA ESPERANÇA

“Children of Men” (2006, RUN/EUA) de Alfonso Cuarón. Com Clive Owen, Julianne Moore, Chiwetel Ejiofor, Charlie Hunnam, Danny Huston, Claire-Hope Ashitey, Peter Mullan, Pam Ferris, Michael Caine, Julian Gabriel Yacuzzi.

A mais nova sensação em Hollywood são os “Three Amigos” (título de um filme dos anos 80 com Steve Martin que se passa no México), ou Três Amigos em puro português. Os tais amigos são os diretores mexicanos que tiveram filmes lançados nos EUA no final de 2006: Alejandro González Iñárritu com “Babel”, Guillermo Del Toro com “O Labirinto do Fauno” e Alfonso Cuarón com “Filhos da Esperança” (“Children of Men”, 2006, RUN/EUA). Ambos tiveram recepção nos principais festivais europeus. Os dois primeiros passaram em Cannes e o terceiro em Veneza. “Babel” venceu direção e montagem, Globo de Ouro de drama e é um dos favoritos ao Oscar, apesar de ter tido uma recepção morna nos EUA e ser massacrado pela maior parte da crítica brasileira. “O Labirinto do Fauno”, o único falado em espanhol foi ovacionado pela crítica nos EUA e já passou a ser o favorito para o Oscar de filme estrangeiro, ultrapassando “Volver” de Almodóvar.

Já “Filhos da Esperança” foi o único que teve uma recepção morna. A crítica gostou mas nem tanto e as premiações passaram ao largo – com exceção da fotografia do mestre Emmanuel Lubezki (“O Novo Mundo”), cotada para o Oscar. Mas quem vê o filme provavelmente não vai se surpreender com isso. O tema é instigante – em 2027 não existem mais bebês, nem crianças: O homem mais novo do mundo acabou de morrer aos 18 anos. O governo aproveitou disso e implantou uma ditadura feroz, que tenta passar uma sensação de calma em um mundo apocalíptico. A liberdade de expressão não existe mais.

Os ingleses adoram fazer filmes com esse tema, talvez temendo que sua sociedade evolua como foi a Alemanha nazista. Os livros de George Orwell tem como tema principal isso (em especial “1984”), assim como o filme lançado ano passado “V de Vingança”. Todos os pontos positivos do filme, a direção angustiante, planos impecáveis e um elenco firme, em sua maioria, se perdem, porém, num roteiro que não sabe para onde andar e o que desenvolver do argumento de uma linha.

Com o caos armado, uma mulher fica grávida e um grupo de oposição tenta salvá-la, temendo que passe a ser cobaia do Governo. As razões nunca são explicadas, nem de como tudo chegou a esse ponto e nem de como ela ficou grávida, mas isso em si nem é uma falha, já que o importante não é como tudo isso aconteceu e sim, o que se resulta disso. Porém, no meio, o filme, assim como seus personagens, saem do caminho inicial traçado, e a história estagna. Viradas já são manjadas e o final deixa muitas pontas abertas.

O destino de Julianne Moore é interessantíssimo, trazendo a mente dos cinéfilos logo um filme clássico (que não vou revelar, é claro, para não tirar a surpresa). Ela está perfeita no filme, como Clive Owen, no papel principal, provando cada vez mais que pode segurar um filme. Michael Caine porém é mal aproveitado, num papel muito clichê e com algumas frases e situações ridículas. Só serve para trazer ao filme, belíssimas músicas como “Ruby Tuesday” dos Rolling Stones (a vasta trilha sonora ainda traz The Libertines, Radiohead e John Lennon).

Esse Mundo é um Hospício

2007-01-16T14:33:00.000-08:00

ESSE MUNDO É UM HOSPÍCIO

“Arsenic and Old Lace” (1944, EUA) de Frank Capra. Com Cary Grant, Josephine Hull, Jean Adair, Raymond Massey, Peter Lorre, Priscilla Lane, John Alexander, Jack Carson, John Ridgely, Edward McNamara, James Gleason, Grant Mitchell, Edward Everett Horton, Vaughan Glaser, Chester Clute.

Frank Capra é conhecido por suas comédias edificantes, em que a moral e a ética sempre vencem, e personagens sempre de bom coração lutam contra a podridão do sistema, mesmo as vezes sucumbindo involuntariamente a eles. Assim, fez um estilo clássico, próximo ao público e nunca se deixando levar por clichês. Mas ele provou também que era mestre na Screwball Comedy, aquela comédia exagerada em que os risos não param.

Esse Mundo é um Hospício é seu representante neste gênero, e sem dúvidas, um de seus melhores filmes, com um roteiro sempre afiado e um acabamento perfeito. Os diálogos estão sempre acima da linha da genialidade, e o elenco está em perfeita sinfonia. Destaque é claro, para o magnífico Cary Grant, que protagoniza o filme. As brincadeiras sobre Boris Karloff são perfeitas, como a resolução de tudo.

Globo de Ouro 2007

2007-01-16T06:33:00.000-08:00

Infelizmente, quando a noite parecia estar caminhando para um resultado positivo, com as premiações ou do excelente A Rainha ou do ótimo Os Infiltrados, Babel acabou levando o único prêmio da noite e justamente o mais importante. Me pareceu mais prêmio de obrigação, até por ter o maior número de indicações e possuir um tema que é a razão da Associação, a reunião de pessoas de diferentes países. Ao menos, valeu a pena o Governador Schwarzenegger entregar o prêmio para o mexicano Inarritu, e a piada que esse fez.

Mas vamos falar de coisas boas agora: A categoria de roteiro foi surpreendentemente para A Rainha, que também venceu melhor atriz por Helen Mirren, aparentemente imbatível para o Oscar. Esse prêmio foi o segundo da noite (o primeiro foi pelo telefilme Elizabeth I) e ela já estava confortável no palco, nem pegou o troféu antes do discurso. Estou torcendo bastante para que aconteça, quase 40 anos depois um empate no Oscar de melhor atriz, entre ela e Meryl Streep. Imagina as duas no palco! Streep deu um show quando ganhou, fez o melhor discurso, e ela podia ter ficado meia hora lá que ninguem em sã consciencia tiraria. E já fiz minha listinha de filmes para levar no gerente do Cinema de Campos. "Foi a Meryl Streep que recomendou!".

Forrest Whitaker, Oscar quasce erto pela sua interpretação de Idi Amin Dada, venceu por O Último Rei da Escócia, enquanto Sacha Baron Cohen capitalizou o sucesso de Borat com o prêmio de ator por comédia e musical. Dreamgirls venceu melhor filme em comédia e musical, ator coadjuvante (Eddie Murphy) e atriz coadjuvante (Jennifer Hudson).

Tomara que Alexander Desplat finalmente leve um Oscar! Já tava na hora, ele nunca foi indicado mesmo por trabalhos fenomenais como Reencarnação, Moça com Brinco de Pérola e Syriana - A Indústria do Petróleo. E o discurso da menina de Ugly Betty foi bem legal.

Abaixo, os vencedores (lista copiada do Epílogo):

MELHOR FILME - DRAMA
Babel

MELHOR ATRIZ DE FILME DRAMA
Helen Mirren, por A Rainha

MELHOR ATOR DE FILME DRAMA
Forest Whitaker, por O Último Rei da Escócia

MELHOR FILME - COMÉDIA OU MUSICAL
Dreamgirls - Em Busca de um Sonho

MELHOR ATRIZ EM COMÉDIA OU MUSICAL
Meryl Streep, por O Diabo Veste Prada

MELHOR ATOR EM COMÉDIA OU MUSICAL
Sacha Baron Cohen, por Borat

MELHOR ATRIZ COADJUVANTE
Jennifer Hudson, por Dreamgirls - Em Busca de um Sonho

MELHOR ATOR COADJUVANTE
Eddie Murphy, por Dreamgirls - Em Busca de um Sonho

MELHOR FILME DE ANIMAÇÃO
Carros

MELHOR FILME EM LÍNGUA ESTRANGEIRA
Cartas de Iwo Jima (EUA/Japão)

MELHOR DIRETOR
Martin Scorsese, por Os Infiltrados

MELHOR ROTEIRO
Peter Morgan, por A Rainha

MELHOR TRILHA SONORA ORIGINAL
Alexandre Desplat, por O Véu Pintado

MELHOR MÚSICA ORIGINAL
Prince, com The Song Of The Heart, de Happy Feet - O Pingüim

Amei um Bicheiro

2007-01-13T12:56:00.000-08:00

AMEI UM BICHEIRO

(1952, BRA) de Jorge Ileli, Paulo Wanderley. Com Cyl Farney, Eliana, Grande Otelo, José Lewgoy, Josette Bertal, José Policema, Norma Fleming, Wilson Grey, Aurélio Teixeira, Jece Valadão.

Os nomes nos créditos iniciais fazem o espectador acreditar que está diante da chanchada, gênero mais popular no Brasil na década de 1950. Carlos Manga (o maior diretor deles) como assistente de direção, e figurinhas carimbadas das comédias da Atlântida, como Cyl Farney, Grande Otelo, Eliana e José Lewgoy nos papeis principais. Mas o que se vê na tela, plano a plano, cena a cena e seqüência a seqüência é um dos dramas mais poderosos já realizados no Brasil, um marco do cinema policial, e que talvez ainda não foi alcançado.

Não se vêem favelas, e até o subúrbio ainda é na parte nobre carioca. Amei um Bicheiro é basicamente um filme que se situa na época em que o crime no Rio de Janeiro, em especial com o jogo do bicho, ainda era meio glamourouso, como os filmes de gângsteres americanos nas décadas de 30 e 40, óbvias referências.

A direção segura da dupla Ileli e Wanderley escapa com competência dos clichês que poderiam muito bem ser utilizados para uma fita desse porte Pena que eles não tiveram uma carreira maior no cinema. Algumas cenas em especial são brilhantes, como a montagem paralela no Dia de São Jorge, a primeira morte de uma personagem principal, e o velório, além da bem realizada seqüência final.

Eliana é a única que parece meio deslocada, mas pode ser argumentado que a personagem dela é o contraponto ao extremo daquele mundo de crime. Cyl Farney tem talvez sua melhor participação no cinema, no comando do clássico dilema entre uma vida segura e sofrida e o dinheiro acompanhado de incerteza. Ainda como destaques do elenco, Grande Otelo (que conseguiu ao contrário de Oscarito fazer uma bem sucedida carreira fora das comédias), José Lewgoy, como o chefe do jogo e Josette Bertel, sua amante.

Estréias em 12 de Janeiro de 2007

2007-01-12T22:11:00.000-08:00

ESTRÉIAS NACIONAIS NESTA SEXTA

“Ato Terrorista”, de Joseph Costello
“Mais Estranho que a Ficção”, de Marc Forster
“Uma Noite no Museu”, de Shawn Levy
“O Passageiro — Segredos de Adulto”, de Flávio Tambellini

ESTRÉIAS NO RIO

“Mais Estranho que a Ficção”, de Marc Forster
“Murderball — Paixão e Glória”, de Henry Alex Rubin, Dana Adam Shapiro, Jeffrey Mandel
“Uma Noite no Museu”, de Shawn Levy
“O Passageiro — Segredos de Adulto”, de Flávio Tambellini

***

EM CAMPOS

Estréias

“Uma Noite no Museu”, de Shawn Levy

Continuação

“007 — Cassino Royale”, de Martin Campbell
“O Amor Não Tira Férias”, de Nancy Meyers
“O Cavaleiro Didi e a Princesa Lili”, de Marcus Figueiredo

“Ela Dança, Eu Danço”, de Anne Fletcher
“Eragon”, de Stefen Fangmeier
“O Ilusionista”, de Neil Burger
“Por Água Abaixo”, de David Bowers, Sam Fell
“Xuxa Gêmeas”, de Jorge Fernando

EM NITERÓI

Estréias

“Mais Estranho que a Ficção”, de Marc Forster
“Uma Noite no Museu”, de Shawn Levy

Continuação

“007 — Cassino Royale”, de Martin Campbell
“O Amor Não Tira Férias”, de Nancy Meyers
“O Ano em que Meus Pais Saíram de Férias”, de Cao Hamburger
“O Cavaleiro Didi e a Princesa Lili”, de Marcus Figueiredo

“Diamante de Sangue”, de Edward Zwick
“Eragon”, de Stefen Fangmeier
“Eu Me Lembro”, de Edgar Navarro
“A Menina e o Porquinho”, de Gary Winick
“Por Água Abaixo”, de David Bowers, Sam Fell
“Wood & Stock: Sexo, Orégano e Rock’n’Roll”, de Otto Guerra
“Xuxa Gêmeas”, de Jorge Fernando

Filmes excelentes em cartaz no Rio

"007 — Cassino Royale", de Martin Campbell (Rio, Niterói, Campos)
“O Céu de Suely”, de Karim Ainouz (Espaço de Cinema e Estação Laura Alvim)
“Volver”, e Pedro Almodóvar (Estação Barra Point, Estação Botafogo, Estação Paço, entre outros)

Tempestade D'Alma

2007-01-12T07:00:00.001-08:00

TEMPESTADE D`ALMA

“The Mortal Storm” (1940, EUA) de Frank Borzage. Com Margaret Sullavan, James Stewart, Robert Young, Frank Morgan, Robert Stack, Bonita Granville, Irene Rich, William T. Orr, Maria Ouspenskaya, Gene Reynolds

O filme, infelizmente pouco conhecido, é um poderoso estudo sobre a ascensão do nazismo e as conseqüências para uma família que vive nos alpes germânicos. Feito no mesmo ano de O Grande Ditador e com um olhar muito mais visceral do que a comédia de Chaplin, e por isso talvez não fez muito sucesso na época.

O espectador é convidado a entrar naquele mundo e o filme não faz concessões para deixar a visita mais limpa. Frank Morgan, como o professor de ciências amado pela turma, mas que se vê cada vez mais na parede por defender a não-diferença de raças é o destaque de um elenco fantástico, que ainda inclui performances fantásticas de Stewart, Sullavan, Rich e Ouspenskaya. O final do filme, em especial, é belíssimo.

Explicações

2007-01-11T19:39:00.000-08:00

Antes de tudo, gostaria de pedir desculpas por não ter atualizado como prometido, mas teve razões. Meu computador deu problemas na segunda-feira passada a noite, e só voltou hoje. Textos novos vão chegar, e dependendo da recuperação de documentos mais cedo ou mais tarde a lista de melhores filmes.

Notas de Segunda

2007-01-01T18:09:00.000-08:00

1. Bom, como vocês podem ver, o blog voltou, e espero que de vez. Tive alguns problemas, como a falta de um computador desde a minha mudança para Niterói, e mesmo depois que ele foi, há três semanas, ainda sem internet. O computador da UFF é horrível e só bater os textos para o Jornal, uma vez por cinema, já era um sacrifício, e não conseguia publicar no blog esses ou outros textos, além de o meu compromisso com o site Cinema 24 Horas ter sido seriamente prejudicado. E quando vinha aqui em Campos, o computador dava problema direto e não conseguia atualizar no blogger. Mas agora, com um novo computador chegando espero que tudo isso melhore rapidamente, e até então, atualizo por um programa w bloggar, indicado pelo amigo Hudson Dalbem, indignado com minha ausência.

2. Pretendo botar um texto de filme ou ao menos alguns textozinhos pequenos, de um parágrafo todo dia. Além disso, cada dia da semana terá uma sessão especial. A de segunda, como puderam ver são pequenos textos, sobre qualquer coisa relacionada a cinema, como análise de prêmios, lançamento de DVDs, comentários de atores, filmes ou novidades que aconteçam na sétima arte, além de informações sobre o blog. Pode também, ocasionalmente, ter pequenas informações sobre política, curiosidades ou quaisquer outras notícias.

3. Terça feira éa vez das listas. Qualquer pessoa que me conhece sabe que eu sou fanático por listas. Nas primeiras e terceiras terças do mês serão listas dos melhores filmes lançados no ano. Na segunda terça, uma lista dos melhores filmes vistos no mês anterior (e os destaques da lista) e na quarta, uma lista dos melhores filmes de todos os tempos. Mas talvez essa lista fique para fevereiro ou março, pois acho muito difícil conseguir fazer essa lista atéo final de janeiro. Em eventuais meses com cinco terças-feiras, uma outra lista, sem regras, irá aparecer.

4. Na quarta é a vez de um ranking dos melhores filmes de determinado diretor. Seráescolhido toda semana um cineasta do qual eu vi uma boa quantidade de filmes (seja em número bruto ou porcentagem). Ocasionalmente, serão incluídas cotações. Em casos excepcionais, será feito um ranking com atores ao invés de diretor.

5. Na sexta-feira, uma sessão renasce, a das estréias da semana, com as cotações dos já vistos. Também se possível todas estréias já vistas terão pequenos textos, no mínimo. E no sábado, será um espaço para comentar sobre as outras artes, qualquer uma delas.

6. Já as quintas e domingos serão reservados para uma futura sessão, e quando for hora explico direito o que será. Espero que consiga cumprir todas essas resoluções com sucesso, pelo menos até o final do ano.

7. Antigamente, o Globo de Ouro era um ótimo termômetro para o Oscar. Agora é só bom. No ano passado Munique não foi um dos 10 indicados no Globo de Ouro e foi indicado ao Oscar. E, mais absurdo ainda, Crash No Limite venceu Oscar sem indicação ao Globo de Ouro. E o que Crash venceu? O prêmio de elenco (= filme) no SAG. Portanto, poderia ser dito que SAG mostra melhor que o Globo de Ouro, o que vai ser indicado ao Oscar. Assim, todo mundo atento na próxima quinta, dia quatro, já que serão anunciados no final da manhã, os indicados ao SAG. É de se esperar que o E! transmita ao vivo, como fez nos outros anos, o anúncio. No mesmo dia, o Sindicato dos Produtores (PGA) também lança sua lista de indicados ao prêmio.

8. Ah, mas é importante ressaltar: A lista do Globo de Ouro para drama no ano passado (O Segredo de Brokeback Mountain, Boa Noite e Boa Sorte, Ponto Final, O Jardineiro Fiel e Marcas de Violência) foi muito melhor do que a do Oscar (O Segredo de Broleback Mountain, Boa Noite e Boa Sorte, Capote, Munique e Crash No Limite).

E finalmente, no domingo, dia sete, sai a lista dos melhores filmes que eu vi no cinema em 2006, aqui no Cinema, Mon Amour.

O Amor Não Tira Férias

2007-01-01T17:40:00.000-08:00

O Amor Não Tira Férias

The Holiday (2006, EUA) de Nancy Meyers. Com Kate Winslet, Cameron Diaz, Jude Law, Jack Black, Eli Wallach, Edward Burns, Rufus Sewell, Miffy Englefield, Emma Pritchard, Sarah Parish.

No final do ano, os aficcionados podem esperar por um sub-gênero de filmes que já marcou presença: Os filmes de natal. Existem aqueles bobinhos que pretendem atrair a uma platéia mais adolescente e menos exigente, como Um Natal Brilhante e Menores Desacompanhados. Também há os com cunho mais religioso, como o competente Jesus A História do Nascimento que esteve em cartaz em Campos no mês de dezembro. Mas existe ao menos um por ano, aquela grande produção, com um elenco de destaque e gente talentosa que usa o natal como pano de fundo, para tratar ou de reuniões familiares (Feriado em Família, Tudo em Família) ou de desencontros amorosos (Simplesmente Amor).

É neste último caso em que se inclui O Amor não tira Férias. O filme desde o início se divide em duas histórias paralelas: A da americana Amanda (Diaz) e a da inglesa Iris (Winslet). Ambas temazar com os homens, apesar de sucessos na vida profissional, Amanda sendo dona de uma produtora de trailers e Iris, uma colunista de um jornal inglês. Decidem tirar férias e para fugir dos homens que as estão fazendo miseráveis trocam de casas. Amanda indo para a pacata Surrey, em uma bucólica casa cheia de neve, Íris vai passar o fim de ano em uma mansão na ensolarada Califórnia.

E claro lá elas encontram os homens de suas vidas. E claro, não vai ser uma relação tranqüila do início ao fim. Amanda inicia um romance com o irmão mais velho de Iris, Graham (Law), um editor de livros, enquanto Iris se divide entre um compositor de cinema, Miles (Black) e a amizade com um roteirista da época de ouro de Hollywood, Arthur (Wallach).

As cenas com Arthur são as melhores. Além de simbolizar uma clara homenagem aos filmes feitos antigamente, no sistema de estúdios, faz uma crítica a importância que se dá atualmente aos números de bilheteria, e não háqualidade artística. Talvez seria o melhor e mais importante se um roteirista de verdade assumisse o papel, mas talvez Meyers pensou que a atuação sairia artificial ou que homenagear um seria desprezar os outros. Assim, Arthur simboliza todos os roteiristas daquela época, estejam eles vivos ou mortos.

Como já é de se esperar, os diálogos de Nancy Meyers (Alguém tem que Ceder), são ótimos. É inegável que a parte em Los Angeles, com Kate Winslet seja a melhor e mais trabalhada, mas a melhor interpretação éde Jude Law, um dos melhores atores da atualidade. Ele desenvolve com perfeição todas as camadas de sua personagem que vai ficando cada vez mais complexo e interessante com o passar do filme.

É daqueles filmes que mesmo com pequenas falhas no roteiro, na construção das histórias e algumas bobices espalhadas aqui e ali, produzem um largo sorriso no rosto durante toda a projeção e atédepois do cinema, e algumas grandes gargalhadas em cenas específicas, principalmente quando lidam com as diferenças entre os dois países.

Cinzas do Paraíso

2006-12-31T13:32:00.000-08:00

CINZAS DO PARAÍSO

Cenizas del Paraíso (1997, ARG) de Marcelo Piñeyro. Com Héctor Alterio, Cecilia Roth, Leonardo Sbaraglia, Daniel Kuzniecka, Nicolás Abeles, Leticia Brédice, Alejo García Pintos, Jorge Marrale, Chela Ruiz, Mónica Scapparone.

Não é necessário muito esforço para perceber que o cinema argentino está muito melhor que o brasileiro, tanto em quantidade, como em quantidade. Um dos mais prolíficos cineastas da chamada Nova Onda é Marcelo Piñeyro, com filmes como O que você Faria, Kamchatka e Plata Quemada. Porém o filme que lhe deu fama internacional, Cinzas do Paraíso, continua sendo seu grande trabalho.

A trama gira em torno da investigação do assassinato da jovem Ana Mauro (Brédice) que parece ter conexão com a morte do Juiz Costa Makantasis (Alterio), já que ela era namorada de um dos filhos dele (Abeles), e todos os três filhos dele (os outros sendo Sbaraglia e Kuzniecka) se declaram culpados de matar Ana. Quem está cuidando do caso é a juíza Beatriz Teller (Roth), que luta com todas as forças para não perder o caso para um outro juiz. A partir deste início, a investigação continua, enquanto flashbacks nos ajudam a entender o que aconteceu a partir do ponto de vista dos três irmãos e de Ana.

Enquanto Piñeyro trata todo o passado com certa distância, e assim, criando um universo familiar todo particular, ele parece tentar pouco a pouco adentrar dentro dos sentimentos da Juíza Teller, sua obstinação com o caso e inclusive pequenos detalhes da vida particular. Tudo isso ganha forma na magnífica atuação de Cecilia Roth, e sua parte é a mais importante, pois é o eixo de todo o filme.

Não existe um ponto fraco no elenco, apesar de alguns se destacarem mais, pela importância de seus papeis, como Kuzniecka e Alterio. A resolução do mistério é ótima, e o final simbólico e misterioso fecha o filme com perfeição.

Música

2006-12-23T19:22:00.000-08:00

Música em Cinco Tempos
(5x1, 2006, BRA/EUA/RUN) de Mateus Nagime

Infância: "Estampas Eucalol", Xangai
Pré-Adolescência: "Time", Pink Floyd
Pós-Adolescência: "Good Ridance (Time of Your Life)", Green Day
Adulta: "Nowhere Man", The Beatles
Velhice: "Old Friends" / "Bookends", Simon & Garfunkel

Retorno

2006-11-28T09:35:00.000-08:00

Pensam que eu morri
só porque eu sumi.
Mas a verdade é, que
Por tudo isso; eu sobrevivi.

Tantas barreiras que eu ultrapassei
compensam já que estou aqui.
Com vocês, compartilho a minha história
E assim ela ganha veracidade.

Fernando Pessoa.

Tomo as palavras do mestre para anunciar meu retorno. O problema é que em casa (Campos) o computador tá problemático e não consigo publicar e em casa (Niterói) o computador só chegou agora. Então vai dar para fazer textos sem a combinação fatal Linux + Open Office + Computador da UFF. Vou ver se eu ponho logo lá na UFF aqueles textos que fiz para o jornal e o Cinema 24 horas. Mas quem sabe volta a ser diário... é meu sonho. O que atrasa mesmo é quando postar. Agora mesmo tou numa lan house...

No cinema

2006-10-26T17:29:00.000-07:00

CAPITÃES DE ABRIL

“Capitães de Abril” (2000, ESP/ITA/FRA/POR) de Maria de Medeiros

Stefano Accorsi, Maria de Medeiros, Joaquim de Almeida, Frédéric Pierrot, Fele Martínez, Manuel João Vieira, Marcantonio Del Carlo, Emmanuel Salinger, Pedro Hestnes, Ricardo Pais, Raquel Mariano, Rita Durão, Manuel Manquiña.

Um bom retrato sobre a Revolução dos Cravos, que derrubou a ditadura salazarista que reinava em abril de 1974, usando como ponto de vista os diversos lados da sociedade portuguesa da época, como os representantes do governo, os militares, tanto aqueles que apoiavam como aqueles que estavam inconformados com as constantes guerras na África, e também os militantes de esquerda que tentavam a queda de Manuel Caetano.

O clima do filme é bem construído, com uma tensão sempre em crescente. Medeiros acerta em não dar muita bola para o resultado final, já que todos sabemos o que acontecerá e sim se focar em dramas humanos envolvidos em todo o acontecimento, cujas definições são uma surpresa para o espectador. O elenco ajuda, mas não há nenhum destaque.

TAPETE VERMELHO

(2006, BRA) de Luiz Alberto Pereira. Com Matheus Nachtergaele, Vinícius Miranda, Gorete Milagres, Rosi Campos, Aílton Graça, Jackson Antunes, Paulo Betti, Débora Duboc, Paulo Goulart, Cássia Kiss.

O filme tenta reproduzir o clima dos filmes de Mazzaropi, e até que tem certo sucesso em resgatar um clima interiorano. Mas há alguns pontos negativos fortíssimos que quase derrubam toda a empreitada: O uso constante de aparições especiais, quase nunca funciona com exceção de Cláudia Raia e Jackson Antunes.

A direção é fraca, não conseguindo extrair os melhores momentos do roteiro e criar boas cenas. Eu que não estava gostando do filme, me surpreendi ao me emocionar no clímax, mas comprovando sua falta de talento, o diretor termina abruptamente a cena, deixando uma péssima sensação de vácuo, não conseguindo se aproveitar bem do material. É legalzinho e só. É legalzinho e basta.

Deu a Louca na Chapeuzinho

2006-10-19T08:33:00.000-07:00

DEU A LOUCA NA CHAPEUZINHO

“Hoodwinked!” (2006, EUA) de Cory Edwards. Com vozes de Anne Hathaway, Glenn Close, James Belushi, Patrick Warburton, Anthony Anderson, David Ogden Stiers, Xzibit, Chazz Palminteri, Andy Dick, Cory Edwards, Benjy Gaither, Ken Marino, Tom Kenny.

Shrek é tido como modelo de um novo estilo do cinema de animação, irreverente, debochado e que satiriza todo o modelo clássico de desenho animado feito durante décadas pelos estúdios Disney. Pois bem, ironia do destino, Shrek também virou modelo de uma série de animações que vieram na sua cola, tentando angariar um público ávido por piadas de mau gosto (no bom sentido), e que quer se divertir no cinema a custa daqueles filmes politicamente corretos.

Nestes primeiros cinco anos, coisa boa não veio aos cinemas, e sempre os filmes eram imitações pálidas e sem nenhuma graça. Talvez pelo fracasso generalizado deste sub-gênero, chegou de mansinho sem nenhum alarde Deu a Louca na Chapeuzinho, um dos filmes mais engraçados do ano, e pasmem: É bem melhor que Shrek.

A história se dá depois do final do conto original, quando Chapeuzinho chega na casa da avó, encontra o lobo na cama dela, ela amarrada no armário e o lenhador sai entrando na casa. Uma investigação policial é feita e algumas dúvidas surgem: Será que Chapeuzinho é tão inocente quanto parece? Será que o Lobo realmente queria comer a menina e amarrou a sua doce avó no armário? Será que a avó é realmente tão pacata e não esconde segredos? E finalmente, será que o Lenhador é realmente um herói que entrou na casa disposto a salvar a família?

A partir daí entram várias outras personagens, como um bando de policiais ursos, um esquilo fotógrafo, um coelho, um grupo de esquiadores europeus, um sapo delegado e o melhor de todos, um bode que por causa de um feitiço só fala cantando e rouba todas as cenas em que aparece. A cena em que Chapeuzinho tenta pedir ajuda com ele cantando é hilária e uma das melhores do ano.

Apesar de um tropeço aqui e outro ali, o povo da continuidade se esforçou já que todas as quatro histórias tem pontos de cruzamento e uma ação de uma influencia na outra. Mesmo que a resolução do mistério não seja lá uma grande surpresa (principalmente se você assistir na versão com som original), não é mau cuidado e não atrapalha o filme de maneira alguma.

Algumas piadas são excelentes, principalmente do Lobo, como a menção aos Três Porquinhos, e a sátira aos críticos de cinema. Os números musicais são muito bem feitos (pelo menos as músicas nas versões brasileiras), assim como se percebe que há um cuidado técnico grande. OK, o filme não é nenhuma maravilha técnica, mas o roteiro afiado compensa por tudo isso.

Festival do Rio - Repescagem

2006-10-16T18:43:00.000-07:00

CIDADÃO DUANE

“Citizen Duane” (2006, CAN) de Michael Mabbott. Com Douglas Smith, Devon Bostick, Vivica A. Fox, Donal Logue, Alberta Watson, Jane McGregor, Nicholas Carella, Andrew Corry, Rosemary Dunsmore, Jessica Holmes.

Mais um daqueles filmes canadenses que imitam o espírito independente americano e talvez por não ficar preso a ideologias e critérios daquele país, faz uma crítica mais afiada das cidades pequenas e de seus habitantes, mas fica muito preso a uma fórmula de garoto inteligente e fora do círculo social que se rebela contra sociedade para assim aprender suas lições e ver que não é tão diferente daquilo tudo que critica. Você pode até curtir o final irônico, se não achar ele bem ridículo, como eu. Mas pelo lado positivo, o elenco é ótimo, sem exceções e disparado o ponto alto do filme.

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MAN PUSH CART

“Man Push Cart” (2006, EUA) de Ramin Bahrani. Com Ahmad Razvi, Leticia Dolera, Charles Daniel Sandoval, Ali Reza, Farooq 'Duke' Muhammad, Panicker Upendran, Arun Lal, Razia Mujahid, Hassan Razvi, Mustafa Razvi, Altaf Houssein.

Era o filme que eu mais esperava dentre os programados para a Repescagem, mas talvez por não ser tudo aquilo que a minha mente tinha criado, foi a maior decepção. O filme é bom, não se discute. Mas é tudo muito simples, os problemas ali retratados existem e se passam todos os 90 minutos apenas vendo eles, nunca os estudando ou discutindo. As cenas noturnas ou logo de manhã cedinho em Manhattan são as melhores. O filme é até bom, com um elenco afiado, mas quando a situação que deveria ser o Ponto de Virada I (de acordo com o manual de Fields) vira o conflito final, tem-se um problema muito sério.

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MILAREPA

“Milarepa” (2006, IND/BUT) de Neten Chokling. Com Orgyen Tobgyal, Kelsang Chukie Tethtong, Jamyang Lodro, Jamyang Nyima, Gimyan Lodro, Kelsang Chokie Tethong, Kelsang Chukie Tethong, Lhakpa Tsamchoe.

Mais uma historinha oriental que tenta se vender por ser bonitinha e passar lições valiosas de humanidade, mas que não funciona por ser tudo muito fake apesar da história ser verdadeira, mostrando os primeiros anos da vida do Milarepa, uma espécie de guia espiritual. A segunda parte fica para a continuação, que é anunciada nos créditos. Mesmo todo o lance de uma vingança através da mente é mal tratado aqui e se o roteiro fosse bom, os efeitos especiais fracos até seriam perdoados.

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TERRA CONGELADA

“Paha maa” (2005, FIN) de Aku Louhimies. Com Jasper Pääkkönen, Mikko Leppilampi, Pamela Tola, Petteri Summanen, Matleena Kuusniemi, Mikko Kouki, Sulevi Peltola, Pertti Sveholm, Samuli Edelmann.

Interessante filme finlandês, a exemplo do clássico Winchester 73, mostra como uma série de ações se sucedem após um professor ser demitido, seu filho sair de casa, e ele falsificar uma nota de 500 Euros. Algumas histórias como a do marido da policial (foto) são muito mais interessantes, e outras, como a do vendedor de aspirador de pó são deixadas de lado abruptamente, dando ao filme uma sensação bastante irregular. Apesar disso, as melhores histórias, aliadas a uma bela fotografia deixam o filme justamente na média.

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TUDO QUE VOCÊ QUERIA SABER SOBRE ROBERT WILSON

“Absolute Wilson” (ALE/2006) de Katharina Otto.

Documentário competente, mas convencional sobre uma figura que sempre foi o oposto do convencional. Isso contribuiu para parecer bem deslocado, até porque comete um erro bastante comum em biografias de artistas, de se focar muito em histórias pessoais (não que elas não sejam importantes e não deviam ser registradas), e dar pouco espaço para as obras deste teatrólogo, que pelo que aprendemos no filme, revolucionou a arte, com peças inovadoras e que quase nunca atraem público grande. Dá uma vontade danada de ver algo do Bob Wilson. E esperar que no lançamento comercial eles mudem esse título ridículo.

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VERÃO EM BERLIM

“Sommer vorm Balkon” (2005, ALE) de Andreas Dresen. Com Inka Friedrich, Nadja Uhl, Andreas Schmidt, Stefanie Schönfeld, Vincent Redetzki, Christel Peters, Kurt Radeke, Hannes Stelzer.

Duas amigas passam o verão em Berlim, lidando com problemas diversos, relacionados a empregos, filho, e claro os homens. Mais um filme alemão que promete fazer um estudo profundo das personagens, mas fica bem raso. Tudo é tratado de forma superficial e nem as competentes atuações do elenco, em especial das atrizes principal salva o filme do fiasco, resultado de um roteiro mal resolvido.

Festival do Rio — Candidatos ao Oscar de Filme Estrangeiro 2007

2006-10-07T10:11:00.000-07:00

AUSTRÁLIA

DEZ CANOAS

“Ten Canoes, 2006, AUS) de Rolf de Heer, Peter Djigirr. Com Richard Birrinbirrin, Johnny Buniyira, Peter Djigirr, Frances Djulibing, David Gulpilil, Jamie Gulpilil, Crusoe Kurddal, Peter Minygululu.

Se existe alguma razão para o filme ser visto é o seu caráter quase único, contando a história dos aborígenes australianos, na língua deles e com atores aborígenes. Mas pena que a história seja bem desinteressante e chata, não conseguindo atrair a atenção do espectador. A metalinguagem é utilizada, quando o narrador briga com a personagem que está ouvindo por não ter paciência e aí é quase um recado dos diretores, se revelando manipuladores: “Se você não está gostando, a culpa é sua”. Se for possível, assista. Mas se não for, não se preocupe: Você não está perdendo nada demais.

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ITÁLIA

NOVO MUNDO

“Nuovomundo” (2006, FRA/ITA) de Emanuele Crialese. Com Vincenzo Amato, Charlotte Gainsbourg, Aurora Quattrocchi, Francesco Casisa, Filippo Pucillo, Federica de Cola, Isabella Ragonese.

Novo Mundo entra em território já familiar: O dos muito italianos que imigraram para os Estados Unidos no início do século XX. Neste caso, um homem com seus dois filhos e sua mãe que embarca para a América na esperança de se encontrar com seu irmão gêmeo. No navio encontra uma inglesa e recebe um pedido de casamento. Um dos méritos do filme é justamente não tentar desvendar o mistério por trás da personagem de Gainsbourg, e se ater pelo ponto de vista de Amato, perfeito no papel principal. Puccilo é o outro destaque do elenco, como o filho mudo. As cenas no navio, denunciando a multiplicidade italiana são geniais, assim como a habitual cena de tempestade, que aqui parece muito mais assustadora do que nos blockbusters americanos. Na parte técnica, destaque absoluto para a belíssima fotografia de Agnès Godard, criando um clima especial para a trama.

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ROMÊNIA

COMO FESTEJEI O FIM DO MUNDO

“Cum mi-am petrecut sfarsitul lumii” (2006, ROM/FRA) de Catalin Mitulescu. Com Doroteea Petre, Timotei Duma, Ionut Becheru, Cristian Vararu, Jean Constantin, Mircea Diaconu, Carmen Ungureanu, Valentin Popescu, Marius Stan, Marian Stoica

Comédia romena relatando a vida de uma garota no ano de 1989, último ano da ditadura de Ceausescu. A história é meio banal, e não apresenta nenhuma novidade, nem nas questões políticas, nem familiares e muito menos nos dois romances que a protagonista vive. Se o filme merece menção é por causa de seu elenco afiado, e uma fotografia fantástica. Mas não sai muito disso, e fica a sensação de que se fosse melhor trabalhado poderia ter sido um pequeno grande filme.

Um Lugar na Platéia

2006-10-07T10:05:00.000-07:00

UM LUGAR NA PLATÉIA

“Fauteuils d’orchestre” (2006, FRA) de Danièle Thompson. Com Cécile De France, Valérie Lemercier, Albert Dupontel, Laura Morante, Claude Brasseur, Christopher Thompson, Dani, Annelise Hesme, François Rollin, Sydney Pollack.

A produção cinematográfica na França é bem extensa. Tem aqueles filmes de certa maneira incompreensíveis, os que tentam ser artísticos mas são lixo, os que tentam ser artísticos e são obras-primas, aqueles pequenos centrados nas vidas de personagens do interior, os de diretores de renome que geralmente contam histórias fortes, e também, não mais nem menos importante, os filmes “bonitinhos”, que são facilmente exportados, com uma atriz “bonitinha”, uma fotografia limpa e pelo menos dois romances. Quanto mais melhor na verdade.

Não é a toa que esses filmes fazem sucesso nos Estados Unidos, e por vezes ganham eles a responsabilidade de representar o amplo cinema francês entre o público ianque, ávido por um filme “bonitinho” para sair do cinema alegre e ainda satisfeito com a importância intelectual de ter visto um filme legendado e “inteligente”. E não é surpresa que estes filmes são os escolhidos para o Oscar.

Você, com certeza já viu um. Provavelmente O Fabuloso Destino de Amelie Poulin. Mas outros foram feitos também e adivinha? Indicados ao Oscar. O Gosto dos Outros, Feliz Natal, e a lista poderia ser muito maior. Um Lugar na Platéia é tudo isso, e por isso um dos favoritos para ganhar uma indicação ao Oscar, em detrimento de trabalhos muito mais importantes como Quando eu Era Cantor ou Um Casal Perfeito.

O filme se centra na história de Jessica, uma adolescente que cuida de sua avó e consegue um emprego como garçonete num dos bares mais badalados de Paris. A partir dela, conhecemos outras personagens, como um pianista, casado com uma esnobe, e que quer mudar de vida e levar sua música não para a elite, mas sim para a população em geral; Uma atriz, estrela de uma novela, mas que quer desesperadamente um papel num filme; e um outro homem que acaba se envolvendo um triângulo amoroso com a namorada do seu pai.

Tudo feito de maneira leve, uma fórmula fácil para conquistar a platéia. O filme, claro, só funciona porque tem lá seu encanto, mas nunca se propõe realmente a estudar suas personagens e tentar entrar nos sentimentos delas. O final feliz é o destino, mas infelizmente nos cinemas, os meios importam e muito.

Festival do Rio IV

2006-10-07T08:38:00.000-07:00

RUÍDO

“Ruído” (2005, URU/ESP/ARG) de Marcelo Beralmío. Com Jorge Visca, Jorge Bazzano, Mariana Olázabal, Lucía Carlevari, Miquel Sitjar, Eva Santolaria, Josep Lineusa, Femí Casado.

Um filme bizarro, não convencional e muito delicioso sobre um pobre coitado rejeitado pela esposa, pelos chefes e por todas as outras pessoas a sua volta, que de repente vira um dos dois únicos Fiscais Municipais do Barulho em Montividéu. Entre suas novas companhias, o chefe que nunca tira o uniforme (aqueles laranjas, parecidos com de gari) para nada, Irene, uma herdeira despreocupada e uma menina com uma missão a cumprir na cidade. O filme se desenvolve muito bem até um final que ao mesmo tempo é previsível, inesperado e forte. A cena que fecha o filme principalmente é impactante.

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UM DIA DE VERÃO

“Um jour d’été” (2006, FRA), de Franck Guérin. Com Baptiste Bertin, Catherine Mouchet, Jean-François Stévenin, Théo Frilet, Elise Caron, Philippe Fretun, Brice Hillairet, Anne Lopez, Yann Peira, Thierry Godard.

Quando a trave cai em cima de um goleiro do time juvenil de futebol de uma cidadezinha francesa, a vida de quatro pessoas são alteradas: A de seu melhor amigo, de sua mãe, do prefeito e de um outro menino, enteado do prefeito. Ele se confunde entre qual história se seguir, e acaba perdendo o rumo. Não se dispõe de muito tempo para cobrir um painel tão grande e a história do prefeito é dispensável, ou melhor, poderia ser bem mais necessária se acabasse se conectando com a do seu enteado, o que nunca acontece. Ao menos é um honesto estudo sobre diferentes reações pós-morte, com atuações acima da média.

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NÓS ALIMENTAMOS O MUNDO

“We Feed the World” (2005, AUT) de Erwin Wagenhofer.

Bom documentário, mas que por vezes vira cansativo e didático. Ele se apóia em cima do problema cada vez maior da falta de comida no mundo, passando pela dificuldade de plantação em pequenas fazendas, o preço mais em conta de alimentos transgênicos e disputas econômicas, ligadas ao fortalecimento da União Européia. Também é mostrado o quanto de comida é jogada fora diariamente, e ainda se ouve o outro lado da história, na boca do presidente da Nestlé, que defende a total comercialização da água em um discurso de assustar, principalmente pela coerência de idéias apresentadas, mostrando que essa proposta maléfica é de fácil persuasão tanto para líderes mundiais como para a população e não é difícil de se tornar realidade. O filme inteiro foi criado tendo em mente a cena final, mostrando os fortes contrastes de dois mundos distintos e ainda assim obigados a co-existir.

Retorno a vida normal

2006-10-06T17:10:00.000-07:00

Hoje é a sexta-feira mais segunda-feira que eu já vi. É como se fosse o início de uma época completamente diferente, depois de ficar três semanas enfurnado nos cinemas do Rio, vendo filmes atrás de filmes. Hoje não foi diferente, mas amanhã tiro o dia de folga e venho só no domingo para ver filme do festival. Tem um monte dos que estão em cartaz para conferir. O primeiro foi O Diabo Veste Prada. É incrível, mas Streep parece melhorar com a idade, o que me faz mais doido ainda para ver A Última Noite. Sua entrada em cena é digna das grandes estrelas de Hollywood, e ela protagoniza uma cena bem cliche, que você já sabe que vai acontecer desde o início. Mas ela é Streep e dá um show. Se por um lado é bom que ela volte a concorrer entre as grandes, como melhor atriz (daonde deveria ter ganho em 2003 com As Horas) é uma pena que isso signifique que ou ela ou Mirren vão sair derrotadas. Quer dizer, se não tiver empate. E ainda tem a Cruz que eu tou torcendo muito para que consiga entrar e Winslet. Vamos ver.

Falando da Mirren, o Festival pregou uma peça e colocou seu melhor filme no último dia oficial. A Rainha é fenomenal e talvez seja a melhor idéia de filme da década, até porque é bem corajoso já que (quase) todas as personagens estão vivas e o filme pelo que sei não foi baseado em nada oficial. O mais importante e que pouca gente ou percebeu ou noticiou (até para não estragar) é que o foco principal do filme NÃO É a Rainha Elizabeth nem a PRincesa Diana. É algo que vai armando sutilmente desde o começo para no final o espectador ficar em quase-choque. "Por isso que o filme foi feito então". É incrível a habilidade que Frears teve em dominar a cena. Se eu quisesse fazer um texto em um parágrafo para ele, era só pegar isso e enfiar um monte de adjetivo nas alturas acoplado de partes do filme. Mas não, um megatexto vem aí, assim como do lindo Um Casal Perfeito e do ruim Os Anjos Exterminadores, esses dois como um trabalho de faculdade. Ainda sobre A Rainha, Mirren merece um Oscar mesmo (ou Streep? Ah sei lá, não façam isso comigo...), e Michael Sheen ao menos uma indicação como ator coadjuvante. Ao menos.

Bom, agora tou indo ver Vagas Estrelas da Ursa, do Visconti. Ia postar uma série de comentários sobre os filmes selecionados para o Oscar de filme estrangeiro, mas vou deixar eles preparadinhos aqui porque ainda não saiu a lista oficial e posso encaixar outra coisa. Amanhã se possível dúzias de textos vão aparecer. Fim de festival, vida nova, com promessas melhores que quaisquer filmes.

Festival do Rio - Premiados em Cannes 2006

2006-10-05T07:27:00.000-07:00

PALMA DE OURO

THE WIND THAT SHAKES THE BARLEY

"The Wind that Shakes the Barley" (2006, ALE/ITA/ESP/FRA/IRL/RUN), de Ken Loach. Com Cillian Murphy, Padraic Delaney, Liam Cunningham, Gerard Kearney, William Ruane, Kieran Aherne, Roger Allam, Laurence Barry, Sabrina Barry, Frank Bourke.

Ken Loach, nunca chegou perto de ser um dos meus diretores favoritos. Na minha visão ele sempre politizava demais seus filmes, e quando o tema se sobrepõe a história, coisa boa não pode vir. Aqui surpreendentemente, ele mantem um pleno domínio da narrativa, e usa competentemente um artifício já manjado: A divisão entre dois irmãos, refletindo a divisão que vivia a Irlanda. Todo o elenco funciona em plena harmonia, em especial Murphy e Delaney e as cenas em que os dois contracenam são de longe as melhores. A fotografia captura bem o clima da época e do local, assim como a trilha sonora, mesmo sendo meio manjada. Não é o melhor filme exibido em Cannes, mas também não desmereceu a Palma de Ouro.

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GRANDE PRÊMIO DO JURI

FLANDRES

“Flandres” (2006, FRA) de Bruno Dumont. Com Samuel Boidin, Adélaïde Leroux, Henri Cretel, Jean-Marie Bruveart, David Poulain, Patrice Venant, David Legay, Inge Decaesteker.

O filme que todos amam odiar nesta edição do Festival. Mas não chega a ser tão ruim, com a primeira parte se destacando acima do resto do filme, ao descrever a preparação de moradores de uma vila francesa antes de ir para a guerra. Sem um tom moderno, mas também sem uma aura antiga, a época é irrelevante, assim como qual guerra é. Guerra é guerra, não importa o inimigo, nem o cenário. Tendo em mente isso, o filme consegue andar com segurança, mas erra profundamente ao entrar na questão da namorada, e fazer um paralelo com aqueles lutando na guerra e os lutando fora da guerra. O filme cai bastante a partir daí, mas não se estraga por completo.

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PRÊMIO DO JÚRI

RED ROAD

“Red Road” (2006, RUN/DIN) de Andrea Arnold. Com Kate Dickie, Tony Curran, Martin Compston, Nathalie Press, Andrew Armour, Paul Higgins.

Era um filme muito promissor nos seus primeiros quinze minutos, quando testemunhamos a rotina de Jackie, que trabalha como operadora de câmeras de vigilância. Mas no momento em que ela encontra Clyde e parte para uma vingança pessoal, todo o mérito se esgota. A diretora, em seu longa de estréia parece ter perdido o controle do longa, mas conseguiu enganar em Cannes, quando levou o prêmio do júri. O filme soa artificial, e Dickie não consegue salvar um roteiro raso, e que não permite ao espectador entrar na história e sim o força, sem permitir perguntas. No final, parece que vai melhorar, mas é puro engano. Chega a piorar. Decepção completa, com uma fotografia horrível, em demasiados tons vermelhos.

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DIREÇÃO E PRÊMIO TÉCNICO (MONTAGEM)

BABEL

"Babel" (2006, EUA) de Alejandro González Iñárritu. Com Brad Pitt, Cate Blanchett, Gael Garcia Bernal, Koji Yakusho, Adriana Barraza, Rinko Kikuchi, Said Tarchani, Boubker Ait El Caid, Elle Fanning, Nathan Gamble, Mohamed Akhzam, Peter Wight, Abdelkader Bara, Mustapha Rachidi, Driss Roukhe, Clifton Collins Jr., Robert Esquivel, Michael Pena, Yuko Murata, Satoshi Nikaido.

Depois de realizar um grande filme, 21 Gramas, que o projetou definitivamente no cenário internacional, Iñárritu alcança aqui sua glória, sendo já posto na condição de favorito para levar o Oscar de direção. Calma lá, né? Babel é bom, mas nada muito demais. As quatro histórias não se juntam, apenas acontecem por causa de um mesmo acontecimento (o tiro de um menino), que interfere de forma direta ou indireta a vida das personagens. As melhores atuações ficam por conta de Adriana Barraza, como a babá mexicana e Rinko Kikuchi, como a garota japonesa. Pitt, Blanchett e Bernal que encabeçam o elenco para propósitos promocionais não fazem muita coisa, em papeis pequenos. A parte protagonizada por Pitt e Blanchett é a menos interessante, se contrapondo com a melhor, a da família marroquina. Na parte técnica, a montagem de Douglas Crise e Stephen Mirrione é eficiente, juntando eventos que se passam em dias diferentes como uma única parte, os destaques vão para a trilha de Santaolalla e principalmente a fotografia de Rodrigo Prieto, que consegue criar ambientes completamente diferentes, incluíndo aí na parte mais difícil, dois desertos, mas que nunca soam parecidos.

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ATOR

DIAS DE GLÓRIA

"Indigènes" (2006, FRA/MAR/ALG/BEL), de Rachid Bouchareb. Com Jamel Debbouze, Samy Naceri, Roschdy Zem, Sami Bouajila, Bernard Blancan, Mathieu Simonet, Benoît Giros, Antoine Chappey, Assaad Bouab, Aurélie Eltvedt, Thibault de Montalembert.

Um ótimo filme de guerra, que levou o prêmio de melhor ator no Festival de Cannes, para o elenco masculino principal. O ponto de vista aqui é dos argelinos que lutaram contra o eixo pelo exército francês, mas para quem o lema Igualdade, Fraternidade e Liberdade não valia. Foi uma opção correta maneirar em dramas pessoais e se focar principalmente na relação entre os soldados, o que já vale muito. As cenas de batalhas são cruéis, reais, barulhentas e viscerais, justamente como na sequencia de abertura de O Resgate de Soldado Ryan.

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Atriz, Roteiro = Volver

Festival do Rio - Filmes de Jodorowsky

2006-10-05T06:35:00.000-07:00

FANDO Y LIS

"Fando y Lis" (1968, MEX) de Alejandro Jodorowsky. Com Sergio Kleiner, Diana Mariscal, María Teresa Rivas, Tamara Garina, Juan José Arreola, Rene Rebetez, Amparo Villegas, Miguel Álvarez Acosta, Valerie Jodorowsky, Graciela R. de Mariscal.

Bizarro e surreal, Fando y Lis, tem muitas relações com Fome do Amor, de Nelson Pereira dos Santos, tanto na história, mas principalmente na estética. Se um filme fosse feito bem antes do outro, poderia-se dizer, que foi uma clara inspiração. Assim como o brasileiro, este filme não funciona como um longa, não conseguindo manter uma idéia clara por mais de cinco minutos e achando que simplesmente por apresentar personagens bizarros em situações estranhas, já é genial. Algumas seqüências empolgam, como a do cantor de jazz logo no começo, mas depois o filme se perde completamente, e só se salva a atuação de Diana Mariscal e a belíssima fotografia em preto e branco de Rafael Corkidi e Antonio Reynoso.

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EL TOPO

“El Topo” (1970, MEX), de Alejandro Jodorowsky. Com Alejandro Jodorowsky, Brontis Jodorowsky, José Legarreta, Alfonso Arau, Mara Lorenzio, David Silva, Ignacio Martínez España, Eliseo Gardea Saucedo, Paula Romo, Robert John, Julián de Meriche.

OK, vocês podem dizer que El Topo, um dos filmes mais importantes na carreira do cineasta mexicano é cheio de simbolismos, e no fundo, no fundo é brilhante. Mas será mesmo? Eu duvido. Para mim, todos os simbolismos escondem na verdade um roteiro sem conteúdo, e personagens sem destino, vagando pelo filme, assim como eles vagam no filme. Existe um limite, uma linha tênue que permite todos simbolismos e eventos não-lineares desde que eles contribuam para o bem do filme como todo, e aqui não existe nada disso, só uma seqüência de cena estranha atrás de cena estranha, para “chocar” o público e criar alguma simpatia. Estou tentando lembrar alguma coisa boa sobre ele, mas não consigo de jeito nenhum. Claramente, não é um bom sinal.

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A MONTANHA SAGRADA

“The Holy Mountain” (1973, MEX/EUA) de Alejandro Jodorowsky. Com Alejandro Jodorowsky, Horácio Salinas, Zamira Saunders, Juan Ferrara, Adriana Page, Burt Kleiner, Valerie Jodorowsky, Nicky Nichols, Richard Rutowski, Luis Loveli, Ana De Sade.

Brilhante alegoria visual de Jodorowsky, com dois filmes praticamente distintos, um no início muito interessante, mesmo que bem solto em termos de narrativa e sem diálogos. Depois de uma reviravolta, temos a jornada que se passa na segunda metade, beirando o genial, um forte estudo sobre as ambições humanas e a relação entre indivíduo e coletividade. Responsável pela direção, roteiro, papel principal, trilha, montagem, direção de arte e figurino, entre outras coisas, Jodorowsky consegue fazer um trabalho coeso, mesmo lidando com pontas soltas que vão se juntando. A cena final, com a revelação do grande segredo, denuncia ainda mais o caráter fílmico. Brilhante, serve como um baque para a platéia, além de corroborar tudo aquilo que tinha sido dito nas quase duas horas de projeção.

Desafio

2006-10-05T05:49:00.000-07:00

Desafio a alguem apresentar uma pessoa que viu mais filmes que eu no festival esse ano. Não é arrogância, prepotência, nem complexo de superioridade. É que eu reconheço que ver 50 ou 60 filmes num curto período é muito e poucos conseguem. Pior ainda chegar na minha marca, impensável no ínicio do festival. Ah, quantos filmes eu vi?

84.

Até ontem. Hoje tem mais 6, e até o fim da repescagem, acho difícil não alcançar os três dígitos.

Festival do Rio - Richard Linklater

2006-10-03T12:53:00.000-07:00

FAST FOOD NATION

"Fast Food Nation" (2006, EUA) de Richard Linklater. Com
Erinn Allison, Patricia Arquette, Mitch Baker, Luis Guzmán, Ethan Hawke, Ashley Johnson, Greg Kinnear, Kris Kristofferson, Avril Lavigne, Esai Morales, Catalina Sandino Moreno, Wilmer Valderrama, Bruce Willis

Um bom filme, mas que não diz nada de novo, sobre os problemas causados pelos alimentos de McDonalds e companhia, e nem cria personagens muito interessantes. Não consegue ser, como foi Syriana, um painel completo sobre esse universo, envolvendo trabalhadores ilegais, matadouros, funcionários adolescentes, grandes companhias (e seus representantes) e claro consumidores. Mas conta com boas atuações (em especial Sandina Moreno), com a presença de grandes atores em papeis descompromissados, um texto esperto, e apesar de limitadas as histórias pessoais são boas. Não chega a ser uma perda de tempo, mas poderia ter sido muito, muito, muito melhor.

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A SCANNER DARKLY

"A Scanner Darkly" (2006, EUA) de Richard Linklater. Com Keanu Reeves, Robert Downey Jr., Woody Harrelson, Rory Cochrane, Winona Ryder, Sean Allen, Mitch Baker, Cliff Haby, Steven Chester Prince, Natasha Valdez

De novo, Linklater envereda nas animações com atores reais. Não vi o anterior dele, Waking Life, mas esse aqui é bem fraquinho e se a reviravolta já esperada no final não chega a atrapalhar, não empolga também. Reaves não consegue atuar mesmo em desenho e Downey Jr. e Harrelson roubam o longa, mas por pena as personagens deles são muito mal construídos. É um filme que precisava mesmo ser feito em animação para funcionar, e a animação é muito competente. Mas ainda assim, o filme não funciona, mesmo que por pouco, muito pouco.

Festival do Rio - Mais Drops

2006-10-03T07:55:00.000-07:00

A exibição do novo filme do Hans Christian Schmidt agora ao meio dia, me impede de postar os textos dos dois trabalhos do Richard Linklater, já escritos. Se der tempo entre uma sessão e outra, ponho.

Última semana do Festival, e o clima da cidade parece ter se adaptado à quantidade de filmes fortes nestes quatro dias finais, com temperaturas chegando aos 35 graus, depois de uma semana e meia bem fria. MEsmo com o aviso de que "TODOS OS FILMES DO FESTIVAL ESTÃO LIBERADOS" a expectativa continua para quem deseja ver O Céu Dividido, ainda não programado, e também naqueles que ainda crêem no boato cada vez mais forte de que Maria Antonietta vem para o último dia (existem sete horários de programação não divulgados ainda). Mas uma pessoa próxima da organização do festival me garantiu que caiu mesmo.

E cada vez mais acho que vou conseguir chegar a marca de 100 filmes neste festival. Até quinta o número esperado é 87.

Depois de Chaves de Casa

2006-10-01T09:51:00.000-07:00

ESTAMOS BEM MESMO SEM VOCÊ

“Anche Libero va bene” (2006, ITA) de Kim Rossi Stuart. Com Alessandro Morace, Barbora Bobulova, Marta Nobili, Kim Rossi Stuart, Tomasso Ragno, Alberto Mangiante.

A estréia de Kim Rossi Stuart na direção não poderia ter sido melhor. O foco principal aqui é uma família de pai e dois filhos e as atribulações por quais ela passa diariamente. Para complicar, a mãe que tinha os abandonado retorna prometendo que desta vez fica, mas é recebida com desconfiança pelo pai (Rossi Stuart) e pelo filho (Morace). Enquanto em As Chaves de Casa, Rossi Stuart era um pai que buscava se aproximar do filho, aqui ele vai pouco a pouco se afastando enquanto os problemas vão se escalando. Tudo feito com uma sutileza incrível, e um apuro técnico impressionante. Bobulova está ótima, mas o show pertence mesmo as crianças Morace e Nobili, além do diretor que a cada nova atuação parece estar melhor.

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A ESTRELA QUE NÃO É

“La Stella che non c’è” (2006, ITA/FRA/SUI/CIN) de Gianni Amelio. Com Sergio Castellitto, Ling Tai.

Gianni Amelio é definitivamente um cineasta que para você apreciar precisa fazer algumas concessões. Poucas e mínimas. Não porque o que suas personagens fazem são coisas inverossímeis, mas porque elas pertencem a um mundo tão particular, que seus motivos e razões para determinados atos nem sempre são tão claros a primeira vista, mas se olharmos profundamente, está tudo ali explicadinho. O filme seguinte a As Chaves de Casa, mostra um técnico italiano (Castellitto) cuja empresa vende uma máquina com defeito para alguma fábrica chinesa. Não conseguindo advertir os compradores, ele viaja até a China para alertar aos novos donos, e com a ajuda de uma tradutora (Tai), conhece um país completamente diferente do esperado,

PARIS, EU TE AMO

2006-10-01T08:48:00.000-07:00

PARIS, EU TE AMO

“Paris, je t’aime” (2006, LIE/SUI/ALE/FRA).

De: (1) Bruno Podalydès, (2) Gurinder Chadha; (3) Gus Van Sant; (4) Ethan Coen, Joel Coen; (5) Walter Salles, Daniela Thomas; (6) Christopher Doyle; (7) Isabel Coixet; (8) Nobuhiro Suwa; (9) Sylvain Chomet; (10) Alfonso Cuarón; (11) Olivier Assayas; (12) Oliver Schmitz; (13) Richard LaGravenese; (14) Vincenzo Natali; (15) Wes Craven; (16) Tom Tykwer; (17) Frédéric Auburtin, Gérard Depardieu; (18) Alexander Payne; (transição) Emmanuel Benbihy.

Com: (1) Bruno Podalydès, Florence Muller; (2) Leïla Bekhti, Cyril Descours; (3) Elias McConnell, Gaspard Ulliel, Marianne Faithfull; (4) Julie Bataille, Steve Buscemi, Axel Kiener, Frankie Pain; (5) Catalina Sandino Moreno; (6) Barbet Schroeder, Li Xin; (7) Sergio Castellitto, Emilie Ohana, Miranda Richardson, Leonor Watling; (8) Juliette Binoche, Martin Combes, Willem Dafoe, Hippolyte Girardot; (9) Yolande Moreau, Paul Putner; (10) Sara Martins, Nick Nolte, Ludivine Sagnier; (11) Lionel Dray, Maggie Gyllenhaal, Joana Preiss; (12) Seydou Boro, Aïssa Maïga; (13) Fanny Ardant, Bob Hoskins; (14) Olga Kurylenko, Elijah Wood, Wes Craven; (15) Emily Mortimer, Rufus Sewell, Alexander Payne; (16) Melchior Beslon, Natalie Portman; (17) Ben Gazzara, Gena Rowlands, Gérard Depardieu; (18) Margo Martindale.

Um filme de episódios sempre dá medo, especialmente quando são 18 deles (seriam 20, mas dois foram cortados). Para surpresa geral, este aqui funciona perfeitamente, nunca perdendo o ritmo, e com episódios na maioria bons, algumas vezes ótimos e quando não funcionam, não são porque são ruins e somente um pouco chatos.

Desfilam pessoas de todos os tipos nas mais de duas horas de filme, sintetizando tudo que há de Paris, ali. São pessoas de raças diferentes, origens diferentes, com gostos diferentes e sempre alguma peculiaridade. Foi acertado botar dividir os episódios por regiões da capital francesa, dando um ar de universalidade, e mostrando que o amor acontece em toda a cidade.

Se não existe um episódio que seja o ponto alto, há vários destaques. No episódio dirigido por Gurinder Chadha, o casal formado pelo menino bonzinho e a garota árabe dá uma mostra da diversidade religiosa que anda por Paris, enquanto Gus Van Sant apresenta um casal gay, e o segundo melhor roteiro da produção, só perdendo para o excelente texto escrito por Gena Rowlands para o penúltimo, episódio. Já Chomet nos mostra que Paris é a cidade aonde tudo vale, ao retratar o amor a primeira vista de dois mímicos.

O olhar de alguém de fora domina a maior parte do filme: Payne encerra mostrando como uma turista se apaixonou pela cidade, Schmidtz foca nos imigrantes nigerianos, Natali tem como um protagonista Elijah Wood que se apaixona por uma vampira parisiense. Payne tem uma segunda participação, desta vez como o intérprete de Oscar Wilde no episódio cômico e leve de Wes Craven, disparado uma das melhores partes, e Portman interpreta uma atriz americana que se apaixona por um cego, num dos episódios mais bem feitos.

Outra atriz americana na cidade das luzes protagonista o episódio de Assayas, que apresenta um cenário noturno, repleto de drogas e festas, mas também com lugar para paixão. Os irmãos Coen oferecem um ar cômico com o impagável Buscemi e provocam muitas risadas, com um toque especial oferecido pelo sorriso da Mona Lisa. Se na hora eu não gostei muito do dirigido pelos brasileiros Salles e Thomas, agora reconheço como um dos mais belos, protagonizado por Catalina Sandina Moreno, possuindo a melhor atuação de todo o longa, ao lado de Binoche, que oferece toda a alma que o episódio de Nobuhiro Suwa possui, ao representar uma mãe ainda sofrendo pela perda do filho.

Como pontos fracos, Cuarón pelo menos inova, filmando tudo em um único plano, LaGravenese arranca duas boas interpretações dos sempre confiáveis Hoskins e Ardant e Podalydès inicia o filme, escolha acertada, já que é o mais fraco de todos, não arriscando cair o ritmo durante o percurso e nem chega a ser ruim.

Já se fala em continuações, outros episódios, outros diretores outras cidades. Que venham, mas mantendo a qualidade deste aqui.

Festival do Rio - Cinco Vezes Visconti

2006-09-30T07:09:00.000-07:00

BELÍSSIMA

“Bellissima” (1951, ITA) de Luchino Visconti. Com Anna Magnani, Walter Chiari, Tina Apicella, Gastone Renzelli, Tecla Scarano, Lola Braccini, Arturo Bragaglia, Nora Ricci, Vittorina Benvenuti, Linda Sini.

Desculpem o trocadilho infame, mas é mais do que uma belíssima história sobre a relação entre uma mãe e a filha, e sim um estudo profundo sobre o poder do cinema na vida das pessoas humildes e ainda, em como muitos sonhos estão impregnados aqui, na própria realidade por mais que ela pareca ordinária. Magnani dá um show como sempre, mas quem rouba a cena é a garotinha Tina, que ao contrário de sua personagem é uma ótima atriz.

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O INOCENTE

“L’Innocente” (1976, ITA/FRA) de Luchino Visconti. Com Giancarlo Giannini, Laura Antonelli, Jennifer O'Neill, Rina Morelli, Massimo Girotti, Didier Haudepin, Marie Dubois, Roberta Paladini, Claude Mann, Marc Porel.

O último filme de Visconti trata talvez do próprio cinema italiano, que ele ajudou a fundar. Como pano de fundo a decadência da aristocracia italiana, mostra como o poder é frágil, e nada dura para sempre. Com uma trama surpreendente atual, envolvendo adultério e maternidade fora do casamento, arranca ótimas interpretações do elenco (em especial Giannini e O’Neill), conta com uma direção de arte e figurino muito bem cuidados e uma cena final chocante.

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MORTE EM VENEZA

“Morte a Venezia” (1971, ITA) de Luchino Visconti. Com Dirk Bogarde, Romolo Valli, Mark Burns, Nora Ricci, Marisa Berenson, Carole André, Bjørn Andresen, Silvana Mangano, Leslie French, Franco Fabrizi, Antonio Appicella, Sergio Garfagnoli, Ciro Cristofoletti.

Vi pela primeira vez esse filme no A&E Mundo, em 2001. Lembrava que era bom, muito bom, mas acho que nos meus 14 anos ainda não tinha percebido completamente o impacto desta obra-prima, ponto alto na carreira de Visconti. Dirk Bogarde em uma das melhores interpretações da história do cinema, ao viver um homem reprimido tanto em sua vida pessoal como no trabalho artístico, que pouco a pouco vai sucumbindo a beleza do jovem Tadzio (Andresen), em uma espécie de homme fatale. Ele poderia acabar com o filme, mas consegue carregar o papel com uma perfeição, trabalhando sempre com os mínimos gestos. As belezas da cena final são enormes, denunciando a morte em nossa volta, aparadas por uma paisagem deslumbrante.

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UM ROSTO NA NOITE

“Le Notti Bianche” (1957, ITA) de Luchino Visconti. Com Maria Schell, Marcello Mastroianni, Jean Marais, Marcella Rovena, Maria Zanoli

Pior que um amor impossível, um amor indesejado. Um filme que de tão belo e simples nem parece ser de Visconti, que depois ficaria conhecido por seus cenários suntuosos e grandiosas produções. Schell está fantástica e Mastroianni perfeito como um casal que vive não de um passado, um antigo amor dela (Marais) que foi embora e prometeu voltar um ano depois. A cena da dança é perfeita, lembrando Fellini, enquanto a seqüência final é de uma beleza plástica inacreditável. Um dos melhores trabalhos de Visconti, filmado com uma fotografia irradiante em preto e branco por Giuseppe Rotunno.

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VIOLÊNCIA E PAIXÃO

"Gruppo di famiglia in un interno" (1974, ITA/FRA) de Luchino Visconti. Com Burt Lancaster, Helmut Berger, Silvana Mangano, Claudia Marsani, Stefano Patrizi, Elvira Cortese, Philippe Hersent, Guy Tréjan, Jean-Pierre Zola, Enzo Fiermonte.

Bom filme, mesmo que demasiadamente teatral sobre a mudança na vida de um professor de certa idade quando uma família nada usual consegue a força alugar o apartamento acima do seu. Mesmo com um final não tão satisfatório, Visconti consegue fazer um grande estudo das personagens, e arrrancar ótimas interpretações de Lancaster, Berger e Mangano, mas todo elenco funciona perfeitamente.

Festival do Rio IV

2006-09-30T05:44:00.000-07:00

O CROCODILO

“Il Caimano” (2006, ITA/FRA) de Nanni Moretti. Com Silvio Orlando, Margherita Buy, Jasmine Trinca, Michele Placido, Giuliano Montaldo, Elio De Capitani, Jerzy Stuhr, Toni Bertorelli, Daniele Rampello, Nanni Moretti.

Até agora, o melhor filme já visto dos recentes no Festival do Rio. Consegue com perfeição, juntar três assuntos que por pouco não podem cair no clichê: Os problemas na produção de um filme, principalmente na Itália; o desfacelamento de um casamento; e ainda, a sua principal intenção, uma crítica ao premier italiano Silvio Berlusconni. Nani Moretti realiza aqui seu melhor trabalho e ainda está perfeito num papel coadjuvante, mas no campo das atuações, o filme pertence mesmo a Silvio Orlando mesmo que Margherita Buy e Jasmine Trinca roubem algumas cenas. Contém piadas maravilhosas, e é uma rara comédia boa num festival bem pesado. Além do mais, “The Blower’s Daughter” de Damien Rice, sempre faz bem a um filme.

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EL LABERINTO DEL FAUNO

El Laberinto del Fauno (2006, MEX/ESP/EUA), de Guillermo Del Toro. Com Ivana Baquero, Doug Jones, Sergi López, Ariadna Gil, Maribel Verdú, Álex Angulo, Roger Casamajor, César Vea.

Inferior ao trabalho anterior de Del Toro sobre a guerra civil espanhola, A Espinha do Diabo, mas ainda assim funciona. Visto pelo ponto de vista de uma menina, é uma “fantasia para adultos”, mas como o lado de fantasia ainda é muito infantil, principalmente na caracterização das personagens reais, não funciona plenamente, e por vezes se perde. A parte final ajuda o filme, assim como atuações precisas, especialmente de Sergi López que consegue respirar num papel por demasia estereotipado e Maribel Verdú. A fotografia, trilha sonora e maquiagem são excelentes.

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UMA SIMPLES CURVA

“A Simple Curve” (2005, CAN) de Aubrey Nealon. Com Kris Lemche, Michael Hogan, Matt Craven, Pascale Hutton, Sarah Lind, Kett Turton, Michael Robinson, Ben Cotton, Hank Hastings, Suzinn Robinson.

Filme canadense despretensioso, mas que consegue agradar. As boas atuações, principalmente do protagonista Kris Lemche (Conhecido como o intérprete mais freqüente de Deus em Joan of Arcadia), em uma trama sobre o tal do “coming of age”, já visto em milhares de filmes, mas quase nunca em pessoas com mais de 18 anos. No caso deste filme, é quando a personagem tem 27 anos e começa a perceber que talvez seja hora de se mudar e seguir uma vida diferente do pai. Apesar de um detalhe final erroneamente irônico, vale a pena.

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QUELQUES JOURS EM SEPTEMBRE

“Quelques jours en septembre” (2006, ITA/FRA/POR) de Santiago Amigorena. Com Juliette Binoche, John Turturro, Sara Forestier, Tom Riley, Nick Nolte, Mathieu Demy, Saïd Amadis.

Ágil e intimista thriller, à moda dos europeus da década de 70, marca a estréia do diretor argentino na direção. Binoche, melhor do que em Cachê, comanda um bom elenco, que ainda conta com o excelente Turturro em um papel menor, mas de não menos destaque e uma participação de Nolte, que parece melhorar com a idade. A aproximação do fatídico dia é feita num crescendo impressionante até o implacável clímax. O roteiro é o grande destaque do filme, que trata de uma questão espinhosa, a de que espiões americanos já sabiam de um grande ataque muito antes de ter acontecido — e ainda lucraram com isso. A direção porém alterna grandes momentos, como os de suspense, auxiliados pelo som, e o excesso planos fora de foco, que não ajudam em nada.

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JUVENTUDE EM MARCHA

“Juventude em Marcha” (2006, FRA/POR/SUI), de Pedro Costa. Com Alberto 'Lento' Barros, Cila Cardoso, Isabel Cardoso, Beatriz Duarte, Vanda Duarte, Gustavo Sumpta, Ventura.

O cinema português está cada vez recebendo mais holofotes por parte da imprensa especializada internacional e não somente pelo nome de Manoel de Oliveira. Pedro Costa é um dos mais celebrados e neste meu primeiro contato com seu trabalho não fiquei nada impressionado. O diretor consegue enganar bem, filmando cenas que ficam 10 minutos fixas e outras com longos silêncios. Tudo isso pode ser usado em prol de um filme, mas aqui simplesmente preenche um vazio estético, dinamitando algumas cenas potencialmente interessantes pelo ponto de vista do roteiro, especialmente quando uma mulher conta sobre sua gravidez. A direção de arte sutil, propiciando um contraste forte de branco e preto é o ponto alto.

Drops do Festival

2006-09-27T09:41:00.000-07:00

Eu planejava escrever sobre alguns filmes agora, mas como tou numa lan house, e tenho metrô para pegar daqui a 20 minutos, prefiri dar um tempo, para falar um pouco mais sobre o Festival em si. Pretendia botar essa parte no outro blog, o Sound of Silence, mas acho que não tem muito sentido falar de tudo em dois lugares diferentes, ainda mais quando já é dificil visitar (e atualizar) um só.

Primeiro, notícias frescas: O festival tava se transformando numa guilhotina de filmes hiper esperados, mas agora parece que eles compraram uma cola superbond e tão colando as cabeças de novo. Hollywoodland que havia sido anunciado nos releases mas não encontrado espaço na programação, entrou em duas sessões: Uma no Palácio e outra no Odeon. A Rainha que havia
sido trocado pelo Clerks 2, ganhou duas novas sessões nos últimos dias do Festival, mas ainda não está liberado. E o mexicano O Céu Dividido, que tinha inclusive confirmada a presença do diretor mas entregou suas sessões para Garotinho Bobo, já foi liberado, mas permanece a programar. Agora só esperar para ver se Os Inflitrados vem mesmo e se ainda tem chances para Maria Antonietta (que estava confirmado) ou algum filme surpresa no estilo de Brokeback Mountain ano passado.

Como disse o Miranda, no Mira!, o filme sensação deste ano parece ser C.R.A.Z.Y. — Loucos de Amor. Por enquanto ele é o meu favorito de coração (e sexto melhor), e a recepção parece ter sido tão mas tão mas tão boa, que ainda era uma estréia incerta, já tem data marcada: Seis de outubro, também conhecido como "primeiro dia depois do fim do festival". Entra no Estação Botafogo, junto com Dália Negra, o que talvez seja a parte má da notícia, já que deve ser relegado às duas salas menores. De qualquer maneira, vou rever e escrever talvez um texto diferente, mas objetivo (apesar de eu preferir textos mais pessoais, por achar que eles falam bem mais sobre o filme do que simplesmente analisar planos e ângulos).

Momento celebridade: Na sessão de The Wind that Shakes the Barley, Walter Salles estava duas filas atrás de mim e na saída comentou para o amigo "Bom Filme". E saindo de Ipanema, para o Centro, quem se dirigia ao cinema era Eduardo Coutinho.

Voltando a parte fílmica, ontem eu vi A Estrela que não é, que apesar de não ser excelente e nem chegar perto de As Chaves de Casa, ainda é muito bom. Amelio é um cineasta que você precisa fazer algumas concessões, mas vale muito a pena. Falando nisso, tou me segurando para não comprar o poster de As Chaves de Casa, a venda na tenda do Odeon e no Estação Ipanema, por R$13. Mas acho que vou esperar um pouco, até porque o filme, que é o meu favorito do ano (e coincidentalmente, também o sexto melhor), voltou para o novo cinema da LAura Alvin, com sessão às 15h20. Talvez possa tentar pegar o cartaz lá (se tiver). De qualquer maneira vou tentar ver o filme no cinema, mesmo tendo que sacrificar algum do festival (dependendo que algum seja esse).

E para finalizar por hoje pelo que tou lendo sobre a Mostra de São Paulo, ela é infinitamente melhor que o Festival do Rio.

FESTIVAL DO RIO 3

2006-09-26T09:10:00.000-07:00

ALICE

“Alice” (2005, POR) de Marco Martins. Com Nuno Lopes, Beatriz Batarda, Miguel Guilherme, Ana Bustorff, Laura Soveral, Gonçalo Waddington, Carla Maciel, José Wallenstein, Clara Andermatt, Ivo Canelas.

O voyeurismo a serviço de uma causa, neste longa de estréia do cineasta português Marco Martins. A filha de Mário está desaparecida há quase 200 dias, e desde a fatídica data ele vem repetindo o mesmo trajeto, na expectativa de encontrar ela. Também instalou câmeras de vídeo em vários lugares de Lisboa e passa a madrugada vendo elas, ainda com uma forte expectativa, o que o faz imprimir todas as fotos de meninas que possam ser ela e colar numa parede. Se em Caché, as fitas de vídeo tinham o propósito de atormentar aqueles observados, aqui só aumenta ainda mais a tortura de Mário.

Martins mesmo no primeiro filme, cria uma atmosfera única, fazendo a platéia cúmplice dos atos do protagonista, embarcando de vez na paranóia criada, vista a cena final. Nuno Lopes arrasa e por enquanto teve a melhor atuação masculina do festival e é sério candidato ao Alfred. A fotografia em tons escuros é brilhante, assim como a trilha sonora. Um filme forte e emocionante, mostrando que não é só de Manoel Oliveira que vive o cinema português.

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UM CERTO OLHAR

“Snow Cake” (2006, RUN/CAN) de Marc Evans. Com Alan Rickman, Sigourney Weaver, Carrie-Anne Moss, David Fox, Jayne Eastwood, Emily Hampshire, James Allodi, Johnny Goltz, Mark McKinney, Callum Keith Rennie.

Uma excelente interpretação de Alan Rickman e um início promissor não salvam Um Certo Olhar do marasmo que entra, ao retratar o encontro de um homem recatado primeiro com uma jovem “de bem com a vida” (com toda implicação negativa desta frase) e depois com sua mãe autista, interpretada por uma caricata Sigourney Weaver. Carrie-Anne Moss tenta mas não consegue salvar o filme, que conta com um roteiro no qual todas as fórmulas do gênero são incluídas, e sem nada de realmente novo a oferecer.

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LEITE E ÓPIO

“Doodh Aur Apheem” (2006, IND, EUA) de Joel Palombo. Com Swaroop Khan, Nizam Khan, Mohamad Khan, Manjoor Khan, Santosh Paudel.

Um menino de 14 anos adora cantar tocar e deseja viver de música. Ele mora numa pequena vila na Índia e com desejo de conhecer o mundo, convence seu tio arrogante a levá-lo para a cidade grande, mas até lá, muitas coisas ainda vão acontecer. Embalado por boas músicas (“Corporation Time” em especial é linda) o filme se sustenta bem, e ainda faz um bom estudo da ocidentalização na Índia, principalmente nas seqüências finais. Swaroop Khan em seu primeiro trabalho dá conta do recado, e o filme, que dificilmente vai chegar no Brasil, é uma experiência interessantíssima.

FESTIVAL DO RIO II

2006-09-26T08:39:00.000-07:00

BAMAKO

“Bamako” (2006, MAL/EUA/FRA) de Abderrahmane Sissako. Com Aïssa Maïga, Maimouna Hélène Diarra, Balla Habib Dembélé, Djénéba Koné, Hamadoun Kassogué, William Bourdon, Mamadou Kanouté, Gabriel Magma, Aminata Traoré, Danny Glover.

Apesar de hiper panfletário, ainda é um interessante estudo, sobre as condições vividas pelos africanos nos dias de hoje e a interferência ocidental em demasia, mesmo que com boas intenções, mas sacrificando o continente a uma posição de submissão, usando como ponto de partida um julgamento no qual a sociedade africana acusa ao Banco Mundial e ao FMI de todos os males vividos lá. Quando Danny Glover entra em cena, estrelando uma espécie de faroeste africano, tem-se a impressão que o filme vai arrasar, o que nunca acontece. Mas nunca chega a perder o pique e se mantêm firme até o final.

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O EDIFÍCIO YACOUBIAN

“Omaret yakobean” (2006, EGI) de Marwan Hamed. Com Adel Imam, Nour El-Sherif, Youssra, Essad Youniss, Ahmed Bedir, Hend Sabri, Khaled El Sawy, Khaled Saleh, Ahmed Rateb, Somaya El Khashab, Bassem Samra, Mohamed Imam.

Talvez seja a grande surpresa até agora do festival, não por ser um dos melhores já apresentados, mas porque eu não esperava nada, entrei no cinema achando que ia ser algo como um novelão egípcio, mas sai muito satisfeito. Em seu longa de estréia Hamed consegue desenvolver cada subtrama que funcionam muito bem dentro de si, apesar de não existir uma ligação forte entre elas. A montagem é o problema, por vezes deixando uma das personagens principais fora de cena por vinte ou trinta minutos e exagerando o uso de outras. Temas polêmicos principalmente para o mundo islâmico como poligamia, aborto, homossexualismo, terrorismo, fanatismo religioso, corrupção política e uma crescente ocidentalização são apresentados com dedicação pelos roteristas e pelos atores, montando um extensivo painel da sociedade egípcia atual. Ao mesmo tempo em que nenhum membro do elenco tenha destaque, nenhum também destoa do geral. O que destoa, de fato, é o final, quase uma contradição do filme. Mas até lá já foram duas horas e meia de bom cinema, embalado por uma trilha grandiosa mas que sabe seu momento de permanecer em silêncio.

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A PROMESSA

“Wu ji” (2005, CHN/HKO/JAP/CRS) de Chen Kaige. Com Dong-Kun Jang, Hiroyuki Sanada, Cecilia Cheung, Nicholas Tse, Ye Liu, Hong Chen, Cheng Qian.

Mais um épico oriental feito para exportação depois dos sucessos de O Tigre e o Dragão, Herói e Clã das Adagas Voadoras, possui um roteiro chato e inócuo, com personagens mal resolvidos e sem domínio total da história por parte do diretor. Não há nada de novo aqui, você já viu tudo aquilo, os romances, as trocas de identidades, as lutas cada vez menos inspiradas e repetitivas. Nem a fotografia de Peter Pau salva, exagerando cores e formas, tentando criar uma beleza, mas que cansa. Um verdadeiro desperdício, que ainda possui algumas partes muito, mas muito, mas muito ruins, principalmente quando envolve uma criatura meio sobrenatural.

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DEITE COMIGO

“Lie With me” (2005, CAN) de Clément Vigo. Com Lauren Lee Smith, Eric Balfour, Polly Shannon, Mayko Nguyen, Michael Facciolo, Kate Lynch, Ron White, Kristin Lehman, Don Francks, Frank Chiesurin.

Durante toda a duração do longa, o filme caminha na linha tênue entre a superficialidade e um estudo das personagens e de suas ações. Não chega a ser superficial como os filmes de Larry Clark, mas também não consegue controlar as personagens e nem identificar suas emoções e trabalhar nelas, deixando o trabalho sujo para o público. Lauren tem um papel difícil e não consegue entrar mais que um palmo nela, mas Eric está bem melhor. A trilha é o destaque do filme, que poderia muito bem ter deixado de lado as cenas de sexo explícito e trabalhado mais no interior, em algo mais sutil.

FESTIVAL DO RIO I

2006-09-24T11:16:00.000-07:00

ESBOÇOS POR FRANK GEHRY

“Sketches of Frank Gehry” (2005, ALE/EUA) de Sydney Pollack

Sydney Pollack envereda aqui no gênero documentário, aonde raramente já pisou, se já o fez um dia. Faz um bom retrato da arquitetura, apresentada aqui como uma “arte funcional”, aonde se deve existir liberdade criativa, mas ainda obedecendo a certos critérios e leis. É um deleite para estudantes e amantes da área, pois testemunhamos o processo de criação dos prédios, desde as idéias em rascunhos até o trabalho já pronto.

Porém, o que atrapalhou certamente é a amizade que existe entre o documentarista e o documentado. Ao invés de um estudo profundo sobre quem foi e é esse homem, vemos apenas suas grandes obras e até críticas feitas tem o propósito de aumentar ainda o status de Gehry no mundo atual. A vida pessoal dele ficou renegada, e nunca foge do esquemático. Apesar disso, cumpre seu papel, até porque não possui grandes pretensões como cinema.

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UMA COISA TODA NOVA

“Whole New Thing” (2005, CAN) de Amnon Buchbinder. Com Aaron Webber, Robert Joy, Rebecca Jenkins, Daniel MacIvor, Kathryn MacLellah, Drew O’Hara, Ryan Hartigan, Geordie Brown, Callum Keith Rennie, Jackie Torrens, Hugh Thompson.

Um filme bobo, idiota e sem qualquer noção de realidade atravessando as personagens e suas ações. O roteiro apresenta personagens estereotipados, os denominando de “liberais”. Dois pais meio hippies após educarem seu filho gênio de 13 anos em casa a vida inteira, decidem o enviar para a escola, e assim, se integrar à sociedade e lá ele se interessa por um professor de literatura. Tudo soa muito falso, e a direção é incompetente ao extremo, criando em alguns planos ridículos e nunca conseguindo lidar com toda a farsa criada, auxiliada ainda por uma estranhíssima trilha galesa. O estreante Aaron Webber não consegue achar o tom da personagem principal, em atuação apática.

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11 HOMENS DENTRO DO CAMPO E FORA DO ARMÁRIO

"Strákarnir okkar" (2005, ISL/FIN/RUN) de Róbert I. Douglas. Com Björn Hlynur Haraldsson, Lilja Nótt Þórarinsdóttir, Arnaldur Ernst, Helgi Björnsson, Sigurður Skúlason, Þorsteinn Bachmann, Björk Jakobsdóttir, Pattra Sriyanonge, Marius Sverrisson, Jón Atli Jónason, Jóhann G. Jóhannsson

Simpática comédia islandesa sobre os problemas que um jogador de futebol da liga amadora da Islândia tem ao anunciar para uma revista que é gay, desde a relação com o seu filho adolescente, à ex-mulher alcoólatra e o pai que é técnico do time de futebol a qual ele joga, até ir para um outro time e gradualmente formar um time só de gays. Aí que o filme deixa a bola cair de vez, perdendo toda a ligação que tinha feito com a personagem principal e os coadjuvantes, para se focar num assunto que não é bem trabalhado. A primeira parte tem um roteiro ágil, com cenas engraçadas (a do jantar de família por exemplo), mas ao final, o texto fica similar com a parte técnica: Muito fraca. A fotografia é muito escura, com uma cena não se enxergando quase nada, a montagem deixa a desejar em alguns princípios básicos, e ainda há sérios problemas de continuidade. Mas as atuações ainda são competentes (em especial Lilja), e algumas cenas ainda salvam o filme, além de ser uma rara oportunidade de acompanhar o cinema islandês.

(Filmes já vistos e a serem postados: Ruído, Nós Alimentamos o Mundo, A Scanner Darkly, O Inocente, The Wind that Shakes the Barley, Um Longo Caminho, Um Dia de Verão)

Dália Negra

2006-09-24T08:58:00.000-07:00

DÁLIA NEGRA

“The Black Dahlia” (2006, ALE/EUA) de Brian De Palma. Com Josh Hartnett, Scarlett Johansson, Aaron Eckhart, Hillary Swank, Mia Kirshner, Mike Starr, Fiona Shaw, Patrick Fischler, Josh Kavanagh, Rachel Miner.

Dália Negra é mais uma prova de que se Brian De Palma não é um excelente criador, ou o que poderia se chamar de um grande cineasta é ao menos um diretor competente, e um ótimo imitador. Afinal o que dizer de um filme, que pega todos os elementos possíveis do noir dos anos 40, adiciona outros que eram impensáveis na época, e realmente não fica nada devendo à aqueles policiais clássicos, cheio de intrigas e personagens multifacetados?

Aqui, se segue um novo caminho que Hollywood está seguindo quase em peso, seja nas comédias românticas, como nos filmes de ação: Em detrimento da história e de cenas de explosão e tiros, são privilegiadas as personagens e o ambiente em torno delas, que também possuem vital importância no desenvolvimento da história.

De Palma realiza aqui seu melhor filme desde Os Intocáveis e se redime de fracassos retumbantes como Missão: Marte e Femme Fatale. Não que seja perfeito. Está longe disso, já que possui muitos erros, inclusive vários que já se viam nos filmes de cuja fonte ele bebe aqui. Mas também sempre está acima da média, atingindo alguns momentos de brilhantismo estético, que só aumentam a importância do cineasta ao resultado final.

O principal ponto negativo é seu final. Extremamente mal resolvido, pega todas as “dicas” que jogou ao longo da trama para que o assassino da atriz Elizabeth Scott, a tal da Dália Negra, fosse desmascarado. Que nem nos livros de Agatha Christie, aonde o quebra-cabeças só tem uma ou outra peça no lugar até os últimos 10 minutos e de repente, tudo é resolvido com uma facilidade impressionante.

Mas se ao mesmo tempo que tem essa falha em comum aos livros da inglesa, também pode ser comparado na melhor qualidade que a leitura dela possui: Uma rica criação das personagens, que fazem parte de toda a sociedade em volta delas, quase como engrenagens de uma grande máquina. Aqui a máquina é Hollywood regida a escândalos, pessoas inescrupulosas e pessoas comuns com sonhos de virarem estrelas, se utilizando todos os meios possíveis para justificar um glorioso fim.

Josh Hartnett ainda não consegue mostrar que pode ser um ótimo ator, mas aqui está competente e faz jus ao aspecto mais introspectivo da personagem. Contraponto perfeito é Aaron Eckhart, que após Obrigado por Fumar tem aqui mais uma grande performance. O filme, porém é das mulheres. Hillary Swank convence completamente como uma femme fatale, mostrando que ela é uma das melhores atrizes da atualidade, o que falta é ganhar papeis fortes. Scarlett Johansson porém é o principal destaque, roubando todas as cenas, como uma verdadeira heroína noir, inocente o suficiente para cair nos braços protetores do mocinho e ardilosa o suficiente para traçar seus próprios interesses.

A fotografia e a trilha sonora são irregulares, alternando grandes sacadas com alguns tropeços como escolhas estranhas de luz em certas cenas e uma música presente em demasia, não deixando o filme respirar por si só. Já o figurino é excelente, assim como o outro grande destaque da parte técnica, a direção de arte do mestre Dante Ferretti. Mesmo a narração excessiva não atrapalha o andamento do filme, que é mais garantido pela mão segura de De Palma do que pelo roteiro de Josh Friedman.

Melhores do Festival

2006-09-21T23:56:00.000-07:00

O Festival começa oficialmente hoje, mas já se sabem alguns destaques. Além dos antigos que já conhecemos ou no lançamento ou em vídeo, DVD e na TV (daí a inclusão do restaurado Como Era Gostoso Meu Francês, alguns filmes brasileiros já foram exibidos em festivais e mostras (daí Eu me Lembro). Ainda tem os do Visconti mas como planejo ver todos eles (alguns ainda no magnífico Odeon), prefiro só postar as notas depois das revisões. 17 destes filmes foram exibidos nas cabines de imprensa específicas do Festival, que passaram 21 filmes (Ruídos, Verão em Berlim, 100 Escovadas Antes de Dormir e The Wind that Shakes the Berley eu perdi, sendo que só vou ver nas sessões normais o primeiro e o último — até porque o terceiro deve entrar logo logo em circuito).

Além do ranking, abaixo tem uma minipremiação em que dá para confirmar que os melhores filmes disparados até agora do festival são o espanhol Volver e o C.R.A.Z.Y.. Dos 17 filmes, 16 tem textos meus já publicados aqui, e como todos cabem na mesma página, e já está muito tarde vou esperar para depois botar links. Só falta Dália Negra que amanhã já deve ser publicado.

1- VOLVER (9) *****
2- C.R.A.Z.Y. — LOUCOS DE AMOR (8) ****
3- EU ME LEMBRO (8) ****
4- O Amigo da Família (7,5) ****
5- The Host (7,5) ****
6- O Grito das Formigas (6,5) ***
7- Dália Negra (6,5) ***
8- Luzes da Escuridão (6) ***
9- O Ilusionista (5,5) ***
10- Como era Gostoso Nosso Francês (5,5) ***
11- Salvador (5) ***
12- Princesas (4) **
13- Irmão Padre, Irmã Puta (4) **
14- Meus 15 Anos (4) **
15- A Educação das Fadas (3,5) **
16- A Ponte (3) **
17- Fonte da Vida (2,5) *
18- Sodoma de Carnaval (1) *
19- Time (0,5) 0

DIREÇÃO:

1- Pedro Almodóvar por “Volver”
2- Jean-Marc Vallée por “C.RA.Z.Y. — Loucos de Amor”
3- Edgar Navarro por "Eu me Lembro"

ATOR PRINCIPAL

1- Giacomo Rizzo por “O Amigo da Família”
2- Marc-André Grondin por “C.R.A.Z.Y. — Loucos de Amor”
3- Edward Norton por “O Ilusionista”

ATRIZ PRINCIPAL

1- Penélope Cruz por “Volver”
2- Carmen Maura por “Volver”
3- Mahnour Shadizi por “O Grito das Formigas”

ATOR COADJUVANTE

1- Michel Cote por “C.R.A.Z.Y. — Loucos de Amor”
2- Émile Vallée por “C.R.A.Z.Y. — Loucos de Amor”
3- Fernando Neves por "Eu me Lembro"

ATRIZ COADJUVANTE

1- Blanca Portillo por “Volver”
2- Lola Dueñas por “Volver”
3- Scarlet Johansson por “Dália Negra”

ROTEIRO

1- Pedro Almodóvar por “Volver”
2- François Boulay, Jean-Marc Vallée por “C.R.A.Z.Y. — Loucos de Amor”
3- Mohsen Makhmalbaf por “O Grito das Formigas”

ELENCO

1- “Volver”
2- “C.R.A.Z.Y. — Loucos de Amor”
3- “The Host”

PRÊMIOS TÉCNICOS:

Fotografia: José Luis Alcaine por “Volver”
Montagem: Paul Jutras por “C.R.A.Z.Y. — Loucos de Amor”Trilha Sonora: Alberto Iglesias por “Volver”
Disco: “C.R.A.Z.Y. — Loucos de Amor”
Figurino: Jenny Beavan por “Dália Negra”
Direção de Arte: Dante Ferretti por “Dália Negra”
Efeitos Especiais: “Fonte da Vida”

Irmão Padre, Irmã Puta

2006-09-21T23:40:00.000-07:00

IRMÃO PADRE, IRMÃ PUTA

"Princess" (2006, ALE/DIN) de Anders Morgenthaler. Com vozes de Thure Lindhardt, Stine Fischer Christensen, Liv Corfixen, Tommy Kenter, Margrethe Koytu, Søren Lenander, Christian Tafdrup, Peter van Hoof

O título do filme é Princess, Princesa no bom e simples português é o nome artístico de uma personagem (a “irmã puta”) que é atriz pornô. Porque traduzir para este brasileiro, chamando atenção para o escatológico é ridículo, dando uma noção completamente diferente de uma relação direta entre os dois irmãos. Ela até existe, mas é no passado e como ela atua sobre os acontecimentos que se vêem diante do filme.

A história contada em animação, com poucas inserções de atores, quase sempre nos filmes pornográficos, tem como tema principal a vingança, desta vez a do tal irmão padre, que deseja retirar todo o material relacionado a sua irmã, a Princesa. Para isso, faz de tudo com todos que permanecerem a sua frente.

O motivo é nobre: Deixar que sua sobrinha a quem está criando desde que voltou para a cidade, seja influenciada pelos atos da mãe. Um filme potencialmente forte e interessante que já se utiliza do benefício de não tratar com atores reais para lidar com o tema, fica perdido numa história na maioria das vezes boba, principalmente quando envolve a menina e seu boneco “de verdade” Multe.

Ela apresar de ser uma gracinha não passa nenhum senso de profundidade emocional, o que é um fator extremamente necessário para a personagem. O final é horrível, praticamente negando tudo aquilo que pregou. E o ponto positivo é a construção do desenho com seus cenários e uso de luz e sombras. Pena que o roteiro seja muito, mas muito ruim.

O Grito das Formigas

2006-09-21T23:22:00.000-07:00

O GRITO DAS FORMIGAS

"Scream of Ants" (2006, IND) de Mohsen Makhmalbaf. Com Mahmoud Chokrollahi, Mahnour Shadzi, Karl Mass, Tenzin Choegyal.

O novo filme do diretor iraniano é tão obscuro que nem tem ficha no IMDB. Trata da história de um casal iraninao em viagem pela India. No discurso, cheio de lugares místicos, discutem aspectos da vida humana, como fé, mentiras, porque estamos aqui na terra e qual a finalidade da reprodução da espécie.

O longa tem algumas cenas fantásticas, como a briga entre o casal e principalmente na qual a protagonista mostra seu medo por ser uma assassina em série ("Meu Deus, sempre que piso mato uma formiga, afaste as formigas do meu pé"). É algo que não pode ser posto em palavras (viu como pareceu cafona e brega) e deve ser absolvido num cinema, com as belíssimas imagens fotografadas por Backshor.

O diretor por vezes perde o caminho e fica sem o que dizer, parecendo redudante em algumas seqüencias, mas quando acerta, acerta para valer, como no caso do homem que "pára o trem" e seu drama pessoal. Um ótimo roteiro e ainda assim um filme a ser visto.

Time

2006-09-21T22:10:00.000-07:00

TIME

"Shi Gan" (2006, JAP/CRS) de Kim Ki-Duk. Com Jung-woo Ha, Ji-Yeon Park, Hyeon-a Seong, Yeong-hwa Seo

Alguns críticos vão adorar este novo filme de Kim Ki-Duk, enxergar mensagens importantíssimas no longa, e vão categorizá-lo como uma crítica a crescente ocidentalização do oriente (a frase mais pseudo-intelectual existente). Também devem escrever cheios de pompas que o roteiro “inteligente” mostra até que ponto vai a medicina nos dias de hoje, com a cirurgia plástica virando vaidade ao invés de necessidade e da enorme falta de ética de alguns médicos em busca de clientes.

Mas a verdade é uma só: Esse filme é uma Bomba com B maiúsculo. O 18º dos 21 filmes exibidos para a imprensa antes do início do Festival do Rio, foi de longe o mais ridicularizado e o em que as gargalhadas foram mais intensas, algo que não era o esperado, já que se trata aqui de um suposto drama existencial. É forte concorrente desde já ao título de pior filme do Festival de 2006.

O filme não faz nenhum sentido, os diálogos são horríveis. De muitas cenas bizarras, a maior disparada delas, envolve uma mulher usando uma máscara, lembrando de imediato ao terror Jogos Mortais. O cineasta de Casa Vazia e Primavera, Verão, Outono, Inverno... e Primavera perdeu a mão feio aqui.

As atuações não são nada convincentes, mas também com as situações propostas pelo roteiro, nunca poderiam ser. Pretende ser um forte drama pessoal sobre a crise de identidade nos relacionamentos modernos, mas arrancas mesmo são gargalhadas de tão patética é esta tentativa.

A Ponte

2006-09-21T21:26:00.000-07:00

A PONTE

"The Bridge" (2006, RUN/EUA) de Eric Steel.

Este documentário premiado em Sundance pode ser considerado uma aula de “como fazer documentário de Michael Moore sem o orçamento dele”. O filme serve como uma apologia ao suicídio, sem apresentar nenhum contra-argumento, o que já invalida o seu propósito de existir. No começo até parece interessante os depoimentos de pessoas, sejam elas, amigos ou parentes, que entendam o comportamento dos suicidas, mas quando o filme não consegue passar dissoo, o filme desaba.

Soa como voyeurismo de quinta categoria exibir os últimos momentos de alguns que perderam a vida na Golden Gate Bridge, localizada em São Francisco e não fazer nenhum questionamento de ordem moral. Segundo dados apresentados pelo diretor o lugar é o mais escolhido para o último lugar de suicidas no mundo inteiro. Quando um fotógrafo em seu depoimento conta que ao ver uma menina no parapeito da ponte não sabia se tirava foto ou tentava salvá-la, e pergunta se isso não é normal e acontece com todos nós, o filme atinge seu ponto mais baixo e mais editorial.

Os únicos momentos de brilho ficam a cargo de alguns dos entrevistados, principalmente o do menino que chegou a pular mas sobreviveu por sorte e milagre, Mas mesmo aí a mão fria de Steel entra em cena e um detalhe importantíssimo do destino dele fica sem dar resposta direta,mas um espectador mais atento perceberá que ele ficou paraplégico, o que provavelmente seria ruim para a propaganda do filme.

Volver

2006-09-21T20:41:00.000-07:00

VOLVER

“Volver” (2006, ESP) de Pedro Almodóvar. Com Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo, Chus Lampreave, Antonio de la Torre, Carlos Blanco, María Isabel Díaz, Neus Sanz.

Volver é o segundo lançamento de Pedro Almodóvar que eu vejo nos cinemas. O primeiro, Fale com Ela, foi visto num dos primeiros dias de 2003, cuja data não saberia precisar. Na época, fã de Tudo Sobre Minha Mãe, depois de uma revisão, lembro que passei toda a sessão tentando com certa ingenuidade compará-los e ao final com a idéia de que era bem mais inferior à Tudo.

Passou-se alguns dias e não existia mais dúvidas: Fale com Ela era de longe o melhor filme do diretor que tinha visto, uma quase obra-prima, dona de uma beleza suprema. Neste meio-tempo houve Má Educação, visto em DVD, possivelmente o melhor trabalho dele como diretor, mas cujo roteiro não o permitia chegar ao nível dos dois.

Pois bem, é durante esta época, que fui “obrigado” a ver Volver. É difícil avaliar corretamente um filme, quando você vê em um mesmo dia cinco e as vezes acaba escrevendo o texto na mesma hora praticamente. A visão fica um pouco turva, principalmente para um filme como esse, que precisa ser digerido aos poucos.

É um filme, acima de tudo, para ser vivido, já que todos os fantasmas pessoais apresentados no longa são universais, criando uma relação de confiança com o espectador. Aqui, tudo isso fica a cargo de um elenco feminino de respeito, encarregado de contar a história do efeito que o passado tem no presente, e assim o medo pelo futuro, já que carregamos nossas ações por toda a vida (como simboliza a cena final de um terror ruim deste ano), mesmo quando enterramos os nossos mortos.

É incrível como Penélope Cruz ainda tenta a sorte no cinema americano, já que lá geralmente ela soa tão canastrona. Aqui e em quase todos de Almodóvar, ela tem um poder de sedução impressionante, atraindo toda a tela para o seu redor, fazendo a platéia cúmplice de suas ações e seus pecados.

Há três cenas em especial que ela brilha: Quando canta “Volver” de Carlos Gardel é uma delas. Mesmo dublada por Estrella Morente, é radiante em cena que talvez seja a divisora de águas do filme. Outra é quando seu segredo é descoberto, e uma outra, no qual seu talento fica mais evidente ainda é quando a filha lhe conta o que aconteceu, e as duas começam a chorar. Se ela for indicada ao Oscar, como rumores apontam, será merecido.

Aliás, seria mais merecido ainda o SAG fazer história e indicar pela primeira vez um filme estrangeiro. Todas as seis mulheres estão irrepreensíveis e até os homens, com pouco tempo de cena, também ficam marcados, especialmente Antonio de la Torre, como Paco.

Entre as mulheres, Carmen Maura se mostra ainda em plena forma, e Lola Dueñas confirma sua trajetória de sucesso após produções como Fale com Ela e Mar Adentro. A jovem Yohana Cobbo consegue com competência segurar um difícil papel-chave, e em apenas uma cena, Chus Lampreave, antiga colaboradora de Almodóvar (foi a Irmã Rata de Porão em Maus Hábitos) quase consegue roubar a cena como a Tia Paula, personagem que foi inspirada na mãe do cineasta.

A melhor coadjuvante (e atriz) em cena é Blanca Portillo como Agustina, na sua estréia com o diretor. Com o papel mais difícil e mais simbólico ela faz milagres em cena, transformando uma subtrama que poderia ter sido deixada de lado ou considerada menos importante em um dos pontos principais do filme. A parte final, principalmente é linda e carregada de uma áurea fantástica, transformando o que poderia ser simplesmente um grande filme em algo excelente.

A homenagem a mãe fica evidente pelo tema central do filme, sendo quase como um poema à sua mãe e a todas as mães. A falta do suporte materno e a luta por manter-lo por perto guia o filme, e não por acaso todas as personagens principais são mulheres. Depois de dois filmes enveredando pelo universo masculino, Almodóvar pinta um dos melhores retratos já feitos sobre a mulher no cinema.

Não por acaso, talvez a cena mais emblemática da carreira do cineasta esteja aqui, mesmo que deve passar despercebida para a maioria. É quando Sole, a personagem de Lola Dueñas, corre pela casa e ao abrir uma porta, encontra um bando de homens conversando. Presos em seu próprio mundo, o homem, parece estar a parte de algo maior existente, que seria justamente a mulher, seus mistérios e seus dons. O homem não faz parte deste mundo, pelo menos o do mundo do filme, já que há dois anos atrás Pedro quase que disse o contrário.

Talvez, Volver seja realmente uma continuação de Má Educação no sentido de que enquanto aquele era uma pincelada sobre um universo masculino, mesmo que fosse bem particular, aqui é quase como a segunda parte da história. Um mundo de mulheres, com menos sujeira, menos remorsos, com traumas mais "belos", e ainda com um sentimento de compaixão e afenidade que une todas elas. Elas nunca seriam capazes de fazer algo mau, uma sempre pensando na outra. As mulheres são realmente bem superiores aos homens, e a cena final de cada um dos filmes deixa isso bem claro. O amor ao próximo existe aqui, com elas e não lá, com eles.

A Educação das Fadas

2006-09-21T19:00:00.000-07:00

A EDUCAÇÃO DAS FADAS

“La educación de las hadas” (2006, ARG/FRA/POR/ESP) de José Luis Cuerda. Com Ricardo Darín, Irène Jacob, Bebe, Glòria Roig, Víctor Valdivia, Jordi Bosch, José Luis Cuerda.

O filme gerou comentários horríveis na cabine que eu participei, mas não achei tão fraco assim. Ricardo Darín defende bem o seu papel, o de um homem que vê de repente sua esposa de dois anos (Irene) pedir o divórcio sem dar explicações. O mais difícil porém é a separação com o filho dela (Víctor), um moleque esperto com quem tem ótima relação.

O filme nunca foge dos clichês e nem faz questão de fugir deles. O mistério que rege a trama é explicado ao final e bem ridículo, mas ao menos não chega ao ponto máximo que seria uma confrontação entre as personagens principais. Muitas outras coisas não convencem, como o repertório da criança, que claro só um adulto poderia ter escrito e isso contamina cenas interessantes, como a conversa entre ele e a imigrante argelina (Bebe), já que fica evidente sua inverosimilhança.

Verossimilhança é, aliás, uma palavra que não existe no filme. Tudo é muito exagerado, muito fantasioso, sem compromissos com o real. Até coisas que em filmes sérios ganhariam contornos dramáticos mais atenuados, aqui é tratado com uma leveza que sufoca pouco a pouco suas boas intenções.

O Ilusionista

2006-09-21T17:41:00.000-07:00

O ILUSIONISTA

“The Illusionist” (2006, EUA) de Neil La Bute. Com Edward Norton, Paul Giamatti, Jessica Biel, Rufus Sewell, Eddie Marsan, Jake Wood, Tom Fisher, Aaron Johnson, Eleanor Tomlinson, Karl Johnson.

O filme quer dar a pinta de ser tão, mas tão inteligente no final, que soa ridículo e destoa completamente a ordem criada nos 100 primeiros minutos. O forte aqui são as atuações, desde Edward Norton como a personagem título, Paul Giamatti, interpretando um policial e Rufus Sewell parecido em demasia com Jude Law, aqui na pele do príncipe herdeiro Leopold.

A história se passa na virada do século em Viena, com a formação de um triangulo amoroso entre Norton, Sewell e uma mulher da alta sociedade, que foi namorada de Norton quando criança, personagem de Jessica Biel, competente. O roteiro é bom, principalmente quando entram em cena os números do ilusionista Eisenheim, mas falha em algumas tentativas de pincelada da realidade local.

Já a direção é fraca, nunca impondo um ritmo e se contentando com o banal por vezes, e ainda insistindo num final autodemolidor, apesar de não estragar por completo. A parte técnica é boa, com ótimos momentos de direção de arte, fotografia e figurino, mas o destaque é sem dúvidas a trilha sonora do mestre Philip Glass.

The Host

2006-09-21T16:54:00.000-07:00

THE HOST

“Gwoemul” (2006, JAP/CRS) de Joon-ho Bong. Com Kang-ho Song, Hie-bong Byeon, Hae-il Park, Du-na Bae, Ah-sung Ko, David Joseph Anselmo, Spencer Jay Kim, No-shik Park, Pil-Sung Yim.

The Host é sério candidato ao melhor filme trash do Festival, quer dizer pelo menos tirando o superesperado festival de filmes mexicanos de ficção científica. Aqui falo trash no bom sentido, uma fantástica brincadeira com temática séria, baseada num evento real, o despejo de uma quantidade enorme de produtos químicos no Rio Han ordenada por um americano que trabalhava nas bases militares localizadas na Coréia do Sul.

Nesta fantasia, a poluição gera um monstro que pega muitas vítimas e joga quase todas elas numa espécie de esgoto, mas quase nenhuma sobrevive. Uma menina, porém consegue fazer contato com o pai, mas os médicos e os militares acham que ele está louco, com razão já que parece um verdadeiro demente.

Só a família acredita e com a companhia do irmão, do pai e da irmã sai procurando por Seul inteira. Enquanto coisas hilárias vão se sucedendo, uma crítica à histeria norte-americana é construída, assim como à própria ocupação dos EUA lá em função da guerra coreana. Tudo de forma inteligente e sagaz. Os efeitos especiais não são excelentes, mas combinam perfeitamente com o filme, auxiliado por um ótimo trabalho de som, incluído aí (e principalmente) sua trilha sonora.

C.R.A.Z..Y. — Loucos de Amor

2006-09-17T23:19:00.000-07:00

“C.R.A.Z.Y. — Loucos de Amor”

“C.R.A.Z.Y.” (2005, CAN) de Jean-Marc Vallée. Com Marc-André Grondin, Michel Côté, Danielle Proulx, Émile Vallée, Pierre-Luc Brillant, Maxime Trembley, Alex Gravel, Natasha Thompson, Johanne Lebrun, Mariloup Wolfe, Francis Ducharme, Hélène Grégoire.

Eu sempre fui acostumado em ver filmes seguidamente, mas de vez em quanto aparece um ou outro, que a melhor coisa a se fazer é relaxar e ficar pensando naquele filme, sem a interferência de ter que assistir a outro longa. Mas em época de Festival do Rio isso é impossível de acontecer. Mesmo assim, lá pelas 11 da noite, quando finalmente saí do Cine Odeon, as lembranças de C.R.A.Z.Y. — Loucos de Amor, primeiro filme da mini-maratona estavam mais vivas do que aquele filme que tinha acabado de ver.

Esse é um daqueles filmes, que pode ter qualquer tipo de falha, seja em atuação, roteiro, direção ou parte técnica, mas contanto que não altere a história e na relação passional entre personagens / espectadores, realmente não importa. Este filme é um daqueles raros em que tudo parece real, porque talvez tudo seja real, sem nenhum enfeite, drama desnecessário ou partes que recebem um tratamento mais açucarado.

Me dá vontade de falar aqui muitas das peculiaridades deste longa canadense, mas quanto mais fresco você for ao cinema melhor, sendo surpreendido a cada instante. A história tem início em 1960, com o nascimento de Zachary, quarto de uma linhagem de cinco irmãos. Acompanhamos seus primeiros momentos e depois três fases específicas de suas vidas: aos 6, 15 e 21 anos, e todas as modificações possíveis e imaginárias que poderiam neste curto, mas longo período de vida.

Se para um garoto normal, já é uma época complicada, para Zac, então os problemas triplicam. Em certo momento, visitando uma espécie de vidente que tinha lhe dito quando criança que tinha um dom, conta “Eu quero ser como todos os outros”. A resposta não poderia ser mais simples e completa: “Graças a Deus você nunca será”. Todos os outros quem? O irmão mais velho irresponsável e drogado? Um outro que só pensa em esportes? Seu pai, que acaba se afastando do próprio filho e atrapalhando seu crescimento?

A relação com o pai é o foco do filme, desde o início, quando tudo era um mar de rosas e o garoto era o favorito dos quatro, até um momento crucial que muda tudo. Mesmo não passando por muitas coisas que Zac passou, qualquer um se identificará com alguma reação do pai ou da mãe, em suas vidas. Assim como Quase Famosos, de Cameron Crowe, é um filme que se torna válido e obrigatório, por ser baseado em fatos reais, que garantem veracidade e um toque humano forte. Mas também em nenhum momento se torna uma biografia, sendo sempre universal.

C.R.A.Z.Y consegue ser único num momento em que mais são lançados filmes examinadores de uma família, ou parte dela, no mercado mundial. Mas mesmo com concorrentes pesos-pesados como Retratos de Família, A Lula e a Baleia e As Chaves de Casa, se impõe pela sua jovialidade e seu jeito de ver e analisar os fatos e situações.

A trilha tem um papel fortíssimo nesse aspecto. A princípio, serve apenas como uma maneira bem-humorada de marcar a diferença de épocas. Mas nem tudo é tão simples. Great Gig in the Sky, do Pink Floyd, um grito angustiante só é representada em algumas cenas, assim como Vallée escolhe apenas os momentos certos para introduzir Patsy Cline. A cena mais saborosa do filme, tem também uma música envolvida: Quando de repente começa a tocar Sympathy for the Devil, na igreja, e todos participantes se envolvem em uma mega apresentação.

A montagem é ágil, não desperdiça tempo e consegue transmitir em pouco mais de duas horas o que muitos filmes não conseguiriam em três. Claro que o mérito disso também tem que ir ao roteiro de Vallée e François Boulay, cujas memórias foram base para o texto. Alguns diálogos são especialmente brilhantes e certas cenas já entraram para a lista de melhores do ano. A fotografia é belíssima e com a ajuda da direção de arte e figurino conseguem transmitir com precisão épocas e modas, assim como a personalidade de cada uma das personagens principais e coadjuvantes. Aliás, o quarto de Zac é uma das mais ousadas e esplêndidas criações do cinema moderno.

E finalmente, nada funcionaria se não fosse o elenco, primoroso, sem perder uma batida. Quase como num revezamento, em que cada um tem que fazer sua parte Émile Vallée (filho do diretor Jean-Marc) cria com perfeição a primeira parte de Zac, e quando Marc-André Grondin, entra em cena, o público parece que tem uma relação de longa-data com ele. Mas consegue ainda superar, com novos dilemas e algumas seqüências de força tremenda, que Grondin agüenta sozinho.

Já em outras, igualmente importantes, ele é auxiliado em cena por um sublime, briguento, honesto, conservador e carismático Michel Côté como o pai, que muda completamente do início ao fim, e promove um ótimo contraponto para a simpática e atenciosa mãe vivida por Danielle Proulx. Outro destaque do elenco é Pierre-Luc Brillant, como o irmão mais velho Raymond, que vive uma relação quase de amor-e-ódio com o protagonista e dos irmãos é o melhor analisado e desenvolvido.

Como eu disse no início, quanto menos souber sobre a história é melhor. Deixe que te contem da melhor maneira possível: no cinema, tendo como narradores as próprias personagens. Garanto que não tem jeito melhor.

Carnaval de Sodoma

2006-09-17T23:09:00.000-07:00

CARNAVAL DE SODOMA

"Carnaval de Sodoma" (2006, MEX) de Arturo Ripstein

Carnaval de Sodoma é um desperdício completo. A história muito simples entra num caminho para tentar se apresentar como completa, na mesma maneira de Três Enterros, mostrando vários pontos de vista de acordo com um acontecimento. Só que aqui a montagem é horrível (como em 70% dos filmes brasileiros não sofrem deste mal), a fotografia não é lá essas coisas, e a trilha ocupa espaço demais tem tela. As atuações são fracas e ao final, já quase dormindo, o espectador não possui nenhuma empatia pelo morto. Nem por seus vivos.

Meus 15 Anos

2006-09-17T22:58:00.000-07:00

MEUS 15 ANOS

“Quinceañera” (2006, EUA) de Richard Glatzer, Wash Westmoreland. Com Chalo González, Emily Rios, Jesse Garcia, Jesus Castanos, Araceli Guzman-Rico,Johnny Chavez, Carmen Aguirre, David W. Ross, Jason L. Woods

Em algum momento modificaram o sentido de um excelente roteiro para um filme com idéia excelente. Foi assim com Obrigado por Fumar. E com esse Meus 15 anos, que já está sendo cotado pelos “especialistas”, como um dos favoritos para a categoria de roteiro original, mas este apresenta problemas gravíssimos, diálogos horríveis (e não quero dizer aqueles que são horríveis propositalmente) e uma conclusão insatisfatória.

Como perdeu a mão a partir de um material tão original é uma dúvida enorme. Original apenas da fórmula inicial que se diga de passagem, já que pouco a pouco a história de uma menina de 14 anos que se descobre grávida (apesar de declarar ser virgem) e ao ser expulsa de casa, vai morar com seu tio-bisavó que já abriga o primo gay também expulso, se transforma num amontoado de clichês, frases feitas e situações inverossímeis, causadas por todas personagens da trama.

O que deveria ser um estudo das tradições do povo mexicano, não passa de uma visualização rasa. O que deveria ser a luta entre gerações, uma mais presa ao passado ou ao dinheiro e aquela presa a seus ideais, nem é realizado bem-feito. A relação com a Virgem Maria é outro fator negativo na avaliação. As únicas coisas que sobram são umas boas tiradas sobre o comportamento dos adolescentes de hoje, mesmo que isso já tenha sido alvo de inúmeros outros filmes.

As atuações, pelo menos ajudam, na medida do possível. Chalo González está comedido e mesmo assim consegue transmitir uma gama de sentimentos aos seus sobrinhos-bisnetos (e à platéia). Emily Rios e Jesse Garcia mostram, por sua vez, que poderiam estar ótimos em cena se tivessem um roteiro de verdade em mãos, além de uma direção competente.

O Maior Amor do Mundo

2006-09-17T08:29:00.000-07:00

O MAIOR AMOR DO MUNDO

(2006, BRA) de Carlos Diegues. Com José Wilker, Taís Araújo, Sérgio Britto, Lea Garcia, Sérgio Malheiros, Marco Ricca, Deborah Evelyn, Clara Carvalho, Hugo Carvana, Sílvio Guindane.

Carlos Diegues tentou com O Maior Amor do Mundo fazer um filme sério, assim como tentou com Deus é Brasileiro (2003, BRA) fazer uma comédia divertida. Falhou miseravelmente em suas realizações assim como foi em 1999, quando lançou Orfeu que ainda conseguiu incluir como o indicado brasileiro ao Oscar. Talvez seja dali a indiferença que o comitê de velhinhos votantes da categoria, interrompendo uma trajetória bem sucedida do país no prêmio. “Se o Brasil é o país daquele filme, coisa boa não vem de lá”.

O Maior Amor do Mundo pelo menos tem momentos positivos, se esforça, e tem uma mensagem, que se dilui perto das estrelas que brilham para fazer os momentos parecerem bonitinhos. José Wilker anda e age sem nenhuma inspiração, fazendo quase uma paródia de sua persona como apresentador de TV. Pode até conquistar alguns espectadores menos interessados em aspectos de qualidade, mas quem notar um pouquinho verá que tudo é caricato, formulaico e feito de uma falta de talento incrível, o que é uma pena, já que ele tem e muito (vide O Homem da Capa Preta, de Sérgio Rezende). Talvez ao querer fazer muito com pouco, acabou fazendo simplesmente pouco.

O resto do elenco não ajuda. Taís Araújo, talvez escolhida por estar estrelando a novela não passa nenhuma emoção e é um desperdício. Quem traz graça à tela é Léa Garcia num papel ingrato, mas que consegue conduzir fantasticamente, o da Mãe Santinha. Marco Ricca e Deborah Evelyn até que se saem bem, mas os papeis são tão ruins, mal escritos e desenvolvidos que fica uma enorme sensação de que toda aquela parte não precisava.

Esta é a grande falha do filme de Diegues: Não sabe o que quer ser, uma comédia de cotidiano, com suas piadinhas e inserções de menino cantando funk, um drama social, com o tráfico tentando atrair meninos cada vez mais jovens, romance com as personagens de Wilker e Araújo, ou um romance de época, o tal maior amor do mundo. Sem dúvidas a única parte que funciona é essa última, mas todo o resto estraga. E por soar tão deslocado acaba fazendo do filme um todo estranhíssimo e mesmo sendo superior em qualidade, talvez deveria ser retirada.

O filme poderia funcionar se tivesse um foco a seguir: Do jeito que terminou não cativa o espectador que se interessa por mais do que um pouco de entretenimento (que nem consegue transmitir). A própria profissão da personagem principal, a de astrofísico é mal trabalhada, e seria inclusive um ótimo centro do qual o filme teria forças para gravitar. Mas a profissão só existe para explicar o jeito afetado e estrangeiro dele. Uma pena, grande pena. Mesmo assim, filme ruim brasileiro por filme ruim brasileiro ainda é melhor que Zuzu Angel, a quase-bomba de Sérgio Rezende.

A Fonte

2006-09-16T23:19:00.000-07:00

FONTE DA VIDA

“The Fountain” (2006, EUA) de Darren Aronofsky. Com Hugh Jackman, Rachel Weisz, Ellen Burstyn, Marcello Bezina, Alexander Bisping, Mark Magolis, Cliff Curtis, Sean Gullette.

Qualquer texto seja ele coberto de elogios ou críticas ao novo trabalho de Darren Aronofksy, não estaria completo sem essa constatação: Ele é hiper pretensioso. O fato em si não é nenhum pecado. Afinal, se Stanley Kubrick não fosse pretensioso, como nasceria 2001 — Uma Odisséia no Espaço, marco do cinema? Mas naquele caso, junto com a pretensão existia uma visão de mundo completamente singular, idéias brilhantes sobre o ser humano e o mundo ao seu redor, além de uma visão estética inimaginável até os dias de hoje. Tudo isso e muito mais gerou uma obra-prima.

Muitos ingredientes faltaram em Fonte da Vida. A premissa, uma árvore que conteria o poder de se prolongar uma vida indefinidamente, é instigante, mas a realização não ajuda. A divisão em três histórias já é prejudicial, e fica em estado mais critico ainda quando uma cena de um se relaciona com outra. Ou seja, se ele grita na atualidade, aparece gritando (do nada) no futuro. Tudo isso porque as personagens principais, em três espaço de tempo (passado distante, presente, futuro distante) são interpretadas pelo mesmo ator: Hugh Jackman.

Poderia até funcionar se fosse contado de uma maneira mais simples, assim como foi 2001, com cautela, para o espectador associar cada informação. Mas se fosse feito isso, talvez, ele percebesse que não há tanta informação afinal. Quer dizer, não passa de uma árvore que consegue passar através de sua estrutura, uma vida eterna. Poderia até haver um questionamento maior, na forma de que foi esperado séculos para que a medicina conseguisse descobrir como manipular todo o material, mas não.

Alguns momentos beiram o ridículo, como o Hugh Jackman do futuro encarnando o do passado, e a necessidade de uma montagem “moderna” e cortada em pedaços. Alguém precisa lembrar aos montadores atuais que se não sabe fazer bem, não faça só para ficar bonito e cool. Se fosse feito em ordem cronológica provavelmente o filme teria um impacto bem maior, sem ficar cansando nenhuma das histórias.

Enquanto na atuação, só Weisz embala, mostrando finalmente a que veio. Jackman por sua vez lembra em demasia Wolferine (numa cena externa com todo o cenário coberto por neve isso fica evidente) e Burstyn tem que se contentar com uma personagem limitada.

A parte técnica, porém é um esplendor. Os efeitos especiais que foram feitos com a técnica antiga de fotografia, é excelente, sem precisar sem render ao digital. Isso ainda reforça sua inspiração no clássico de Kubrick. A fotografia de Matthew Libatique é de tirar o fôlego, mantendo um equilíbrio entre o tom inocente e épico, assim como a direção de arte é bela. Quem dera se o filme fosse mais que um puro deleite visual.

O Amigo da Família

2006-09-16T22:09:00.000-07:00

O AMIGO DA FAMÍLIA

"L'Amico di Famiglia" (2006, ITA) de Paolo Sorrentino. Com Giacomo Rizzo, Fabrizio Bentivoglio, Laura Chiatti, Luigi Angelillo, Clara Bindi, Barbara Valmorin.

Ver o filme no computador pode agradar alguns, e em DVD muitas pessoas, já que tem várias opções de extra, dublagem, legendas, e inúmeros outros artifícios só possíveis naquele disquinho. Mas ainda não há sensação que chegue perto daquela de ver um filme no cinema. E que se diga de passagem, cinema, o lugar, é aonde o Cinema, a arte, deve ser apreciada.

O meu caso vendo O Amigo da Família é exemplar. Enquanto a platéia morria de rir com alguns diálogos, situações ou ainda caretas de Giacomo Rizzo, que interpreta Geremia, eu morria de medo de tudo aquilo que estava acontecendo. O filme consegue fazer isso com perfeição, aliás. Transmitir ao mesmo tempo simpatia, carisma, pena, irritação, alegria e tristeza.

Geremia é um agiota que pensa em seus próximos. Mas os juros são exorbitantes e se você pegou empréstimo com ele é melhor pagar logo, já que apesar do apelido “Coração de Ouro” para ele negócios vêm primeiro e o dinheiro compra a tudo e todos, incluindo a bela e compromissada Rosalba (Laura Chiatti).

Nunca caindo no caricatural, podemos inclusive aproximar algumas ações de Geremia, mesmo as mais sórdidas para a nossa vida. Quando entra nesta comparação e em uma discussão de quem realmente é o “malvado” desta história, o filme ganha muitos pontos, apresentando personagens complexas e completas, principalmente a do trio central, composto ainda pelo amigo de Geremia, Gino (Fabrizio Bentivoglio), um cara fascinado pelos westerns e pela vida rural norte-americana e que tem como sonho morar no Tennessee.

Pode parecer confuso ao início, mas quando arruma suas pontas, vira uma excelente sátira ao comportamento humano, suas manias, vontades e mazelas. Rizzo consegue ainda passar certo carisma, mesmo com uma aparência tão repugnante, enquanto os coadjuvantes são também ótimos, em especial Chatti. Até agora, melhor filme do Festival do Rio e melhor atuação masculina.

Salvador

2006-09-16T21:31:00.000-07:00

SALVADOR

“Salvador” (2006, RUN/ESP) de Manuel Huerga. Com Daniel Brühl, Tristán Ulloa, Leonardo Sbaraglia, Leonor Watling, Ingrid Rubio, Celso Bugallo, Olalla Escribiano, Carlota Olcina, Bea Segura, Andréa Ros, Jacob Torres.

Salvador é a história real de Salvador Puig Antich, que foi a última vítima da pena de morte com garrote na Espanha em 1974 e tem o papel principal defendido por Daniel Brühl, espanhol de nascimento, apesar de ter feito fama no cinema alemão. Ele é a força-matriz de um ótimo elenco, que sustenta muito bem a história na segunda parte e dá consistência a seu drama.

É incrível como parecem dois filmes presos em um. O primeiro, fraco, não saindo do lugar comum de filmes de assalto, com todos pontos negativos possíveis e imaginários: flashback exagerado, voz em off sendo usado em demasia, afundando o ritmo narrativo, etc. Mas quando retorna daonde começou, com Salvador contando sua história para o seu advogado, vira um forte drama sobre os momentos dele na prisão, com o relacionamento com um guarda, sua falta de relacionamento com o pai, sua consciência política e o desespero por ver a hora de morrer se aproximar.

A montagem é fraca, deixando o filme se alongar bastante e tentando maquiar atos preguiçosos do roteiro na primeira parte, reduzindo tudo por uma narração. Huerga em seu segundo longa tem bons momentos (a tensão causada na meia hora final é incrível), mas ainda comete muitos erros amadores.

Por causa da eficiente parte final e uma fortíssima cena que é para dar um nó na garganta, se tem uma impressão bem melhor do filme, tanto que quando personagens recorrentes no começo do longa reaparecem quase no final, parecem estar muito deslocados. Pode não chegar a ser muito bom, o que é uma pena, dada a qualidade de certas seqüências. Mas não deixa de ser bom.

Princesas

2006-09-15T22:04:00.000-07:00

PRINCESAS

"Princesas" (2005, ESP) de Fernando León de Aranoa. Com Candela Peña, Micaela Nevárez, Mariana Cordero, Llum Barrera, Violeta Pérez, Monica Van Campen, Flora Àlvarez, María Ballesteros, Luis Callejo, Alberto Ferreiro.

Princesas é o filme seguinte ao excelente Segundas-Feiras ao Sol, que levou a Aranoa a um semi-estrelado entre os cinéfilos. Seu novo filme era muito aguardado. E decepcionou em partes. Enquanto alguns momentos chegam perto do brilhantismo de seu trabalho anterior, muitos clichês inviablizam a pathos da trama.

A história que a princípio parece tratar da realidade sobre o mundo das prostitutas vira logo uma batalha para a busca dos seus sonhos, se tornando muito infantil para seu tema. A parte do cliente que abusa da prostituta dominicana (Nevárez) por exemplo, parece saída de inúmeros filmes americanos. Fama é um que me vem a mente agora.

A montagem é truncada, e deixa o filme muito pesado, com subplots desnecessários e que nem se autodesenvolvem, como o drama da mãe de Caye (Peña), personagem principal. Aliás, ainda nesse núcleo, Araona chega a irritar com o uso constante do celular, como se fosse para mostrar "Perigo! Perigo!" já que o espectador sabe que é um cliente ligando para marcar um encontro. Será que ela nunca ouviu de alerta vibrador?

As atrizes estão todas muito boas e se há alguma razão para assistir ao filme é por conta delas, em especial Peña, Nevárez e Pérez. Já as personagens masculinos ou ficam presas a estereotipos (como o cara atrás da prostituta) ou são menosprezados, como o interesse romântico de Caye, uma narrativa nunca realmente procurada, explicitar as dificuldades amorosas de uma prostitua.

O filme esbarra em temas importantes, como imigração, racismo e prostituição, mas nunca os aborda de verdade. Anda mais no terreno de Uma Linda Mulher do que no do próprio Segundas-Feiras ao Sol, este sim, um estudo sério sobre os problemas da nação. Nem precisava ser drama pesado. Mesmo com uma faceta bem humorada e leve poderia dar certo. Mas infelizmente não deu.

Luzes na Escuridão

2006-09-15T21:24:00.000-07:00

LUZES NA ESCURIDÃO

"Laitakaupungin Valot" (2006, FIN/ALE/FRA) de Aki Kaurismäki. Com Janne Hyytiäinen, Maria Heiskanen, Maria Järvenhelmi, Ilkka Koivula.

Já fui para a sessão do filme com certo pé atrás, o que não deve acontecer, mas enfim, como controlar? A razão é simples: Ele é a última parte de uma trilogia que inclui Um Homem Sem Passado, filme mais famoso dele, indicado ao Oscar de estrangeiro e que eu não gostei, não consegui me identificar em nenhum momento com a personagem principal.

Aqui, a coisa ameaça ir para a mesma instância, mas sempre permanece ao menos na média, e na parte final fecha literalmente com chave de ouro. É um filme bonito, singelo, e que mesmo caindo nas armadilhas de "silêncio que pretende falar muito mas não diz nada", é ainda assim fascinante.

O roteiro tem problemas, um em especial grave (relacionado perto do final do filme), mas o talento de Kaurismäki consegue reverter inclusive esse tal problema grave, em uma belíssima seqüencia que fecha o filme. A direção, justamente, é o carro-chefe do longa, posicionando a câmera em alguns ângulos fantásticos, evitando a trepidação, mantendo ela firme e poderosa. Uma cena em especial em que a câmera permanece no mesmo lugar e a personagem principal segue para outro canto com três fortões para lutar é primorosa.

Janne Hyytiäinen lembra Steve Buscemi, muito bem no seu papel, como um cara passivo diante da vida e das oportunidades, mas que não chega a ser idiota ou nada parecido e assim, consegue criar uma relação com a platéria. Mas o filme é mesmo das mulheres. Heiskanen está perfeita como uma femme fatale que em algumas ações parece esboçar sinais de humanismo, mas no final é mesmo para salvar a sua própria pele. E Järvenhelmi, ilumina quando aparece num papel meio ingrato, pelo seu pouco tempo de tela. Outro problema é que ela é má desenvolvida, mas talvez isso tenha sido proposital, para realçar a relação dela com Hyytiäinen.

A trilha é boa, composta por algumas canções interessantes, sempre expressando o sentimento das personagens. Uma cena exemplar é quando vários homens estão bebendo por amores partidos enquanto uma música de fossa começa a tocar no jukebox. E finalmente, as cenas externas em Helsinque são ótimas, realçando uma belíssima fotografia.

Maratona Pedro Almodovar

2006-09-14T18:38:00.000-07:00

Nesta semana, pré-Festival do Rio, o Odeon marcou pequenas maratonas de filmes do cineasta espanhol mais popular, Pedro Almodóvar. No segundo dia, dois de seus melhores trabalhos (e mais recentes, não por coincidência), “Má Eduação” e “Fale com Ela”, além de “Labirinto de Paixões” que me pareceu instigante.

Mas acabei só indo mesmo na segunda-feira, com três títulos mais antigos dele, oportunidade de conferir estes títulos, além de não ser qualquer dia que se encontra um Almodóvar na telona. Os comentários mais específicos estão abaixos, mas uma impressão foi unânime: Ele realmente está na sua melhor fase, e isso só cresce a minha expectativa por “Volver”.

DE SALTO ALTO

"Tacones Lejanos" (1991, ESP) de Pedro Almodóvar. Com Victoria Abril, Marisa Paredes, Miguel Bosé, Anna Lizaran, Mayrata O'Wisiedo, Féodor Atkine, Pedro Díez del Cortez, Bibiana Fernández, Nacho Martínez, Javier Bardem.

O filme mais bem trabalhado dos três, já realizado nos anos 90. Aqui a história ganha mais importância do que certas cenas, piadas ou situações. O tom melodramático é utilizado como elemento principal, unindo as histórias e os destinos das três personagens principais, interpretadas por Victoria Abril, Marisa Paredes e Miguel Bosé, o que seria reutilizado em toda sua obra futura, principalmente em “Carne Trêmula” e “Má Educação”. Talvez este seja a principal qualidade do cineasta, conseguir “linkar” tantas personagens, criando universos distintos e ainda assim unidos com uma grande força. O filme só tem a ganhar com a reviravolta no final, e mostra todo o potencial que ele teria no futuro. O tom cômico permanece, mas bem mais contido e servindo como suporte ao quadro geral.

PEPI, LUCI E BOM

"Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón" (1980, ESP) de Pedro Almodóvar. Com Carmen Maura, Félix Rotaeta, Olvido Gara, Eva Siva, Concha Grégori, Kiti Manver, Cecilia Roth, Julieta Serrano, Cristina Sánchez Pascual, Fabio McNamara, Augustín Almodóvar.

Um filme bem mais fraco de Almodóvar, em que algumas piadas e cenas muito bem boladas arrancaram gargalhadas da platéia, mas não conseguem salvar o filme de um vazio estrutural. Tudo é muito raso, e não por acaso, as melhores seqüências são isoladas da história, como a dos comerciais, as “Ereções Gerais” e o primeiro encontro entre Luci e Bom. Muito amador, com um roteiro interessante, mas sem a mão firme de um diretor, desperdiçando personagens que após uma cena demonstrando um forte potencial, simplesmente some de cena, sem mais explicações. Filme de estréia de Almodóvar em película, já que seu anterior “Folle... folle... folleme Tim” foi em Super-8.

MAUS HÁBITOS

"Entre Tinieblas" (1983, ESP) de Pedro Almodóvar. Com Cristina Sánchez Pascual, Julieta Serrano, Marisa Paredes, Carmen Maura, Lina Canalejas, Chus Lampreave, Eva Siva, Will More, Laura Cepeda.

Filmado logo depois de “Pepi, Luci e Bom” é superior, mas serve do mesmo mal deste: Um roteiro muito melhor do que a direção. Aqui a crítica à Igreja, na figura de freiras que se drogam, roubam, traficam e lêem livros obscenos não foge do caricato, sem nenhuma questão realmente instigante. O elenco dá conta do recado, e o filme é bom, criando algumas cenas inesquecíveis, mas fica bem aquém do Almodóvar anos 90.

Leão de Sete Cabeças

2006-09-12T14:19:00.000-07:00

O LEÃO DE SETE CABEÇAS

“Der Leone Have Sept Cabeças” (1971, CON/FRA/ITA) de Glauber Rocha. Com Baiack, Aldo Bixio, Giulio Brogi, Hugo Carvana, Reinhard Kolldehoff, Jean-Pierre Léaud, Miguel, Rada Rassimov, André Segolo, Gabriele Tinti.

Leão de Sete Cabeças sofre de uma inconsistência estrutural, como toda a obra de Glauber Rocha. Oscila entre o genial e o sem sentido, entre o intelectual e o banal, entre o profundo e o superficial. Enquanto a primeira metade tem momentos de brilhantismo, ao atacar fortemente o regime político na África e a interferência das políticas externas promovidas pelas potências européias e a americana, perde o rumo, e quase joga toda sua mensagem aos ares.

Jean-Pierre Léaud, o eterno Antoine Doinel, faz um papel que deveria ser importante, mas que na prática é fraco e sem ação. Seu nome é o destaque de um elenco internacional, mostrando o poder que Rocha tinha no cinema na época. Todos os atores estão dignos de nota, em especial Andre Segolo, em seu único papel no cinema, como Xogu, que vira de repente o presidente da nação, que apesar de proclamar a independência, continua sendo marionete das forças poderosas presentes.

A parte final decepciona. Se o espectador, novato em Rocha, passar da estranheza inicial acreditará estar perto de uma obra-prima, mas as idéias não se convertem e o debate sobre política na década de 70 e o papel da mulher nos destinos políticos, que poderia ser mais bem desenvolvido, não vão à frente. Faltou talvez, uma narrativa mais coesa, que não precisa ser necessariamente convencional, apenas em que todas as peças se encaixassem perfeitamente, como o próprio diretor fez poucos anos antes em Terra em Transe, sua obra-prima.

PS: Se houver alguma lista dos melhores títulos de todos os tempos (e com toda hype por listas, já era hora de aparecer uma), este tem presença garantida, evidenciando seu caráter internacional, com cada palavra em um idioma diferente.

Kamchatka

2006-09-09T20:38:00.000-07:00

KAMCHATKA

"Kamchatka" (2002, ARG/ESP) de Marcelo Piñeyro. Com Matías Del Pozo, Ricaro Darín, Cecilia Roth, Milton De La Canal, Héctor Alterio, Fernanda Mistral, Tomás Fonzi, Mónica Scapparone, Evelyn Domínguez, Nicolás Cantafio, Leticia Brédice.

Marcelo Piñeyro confirma a sua posição de um dos melhores diretores argentinos da atualidade. Depois dos sucessos de Cinzas do Paraíso e Plata Quemada (2000), ele parte para o drama familiar e político, com Kamchatka, que se passa no ano de 1976, logo após o golpe militar na Argentina.

Quem não conhece o cenário em que se passa o filme, pode ter problemas em entendê-lo. Afinal, nada é explicado, apenas que a primeira cena se passa “no outono de 76, dias depois do golpe” e depois não se faz nenhuma referência direta à situação política. Mas a aparente falta de construção do roteiro na verdade é seu maior triunfo.

Toda a história se passa pelos olhos de um menino que durante um dia de escola, recebe a notícia que ele, seus pais e seu irmão mais novo irão viajar por motivos desconhecidos. Depois de um tempo na casa de um amigo dos pais, o menino descobre que o sócio do pai advogado foi levado por “eles”, um pronome, no qual o sujeito nunca é dito mas também nunca se torna ausente.

O filme então se concentra no menino e seu desafio em se esconder do mundo, evidenciado pela sua fascinação por Houdini – escapista e não mágico, que faz apenas truques bobos, diz ele no filme. Todos tem que usar nomes falsos e no filme não conhecemos os nomes verdadeiros deles, um truque bem utilizado por Piñeyro, que também escreveu o filme junto com Marcelo Figueras. Mesmo no ambiente familiar e teoricamente protegido, eles continuam com seus escudos para se proteger.

O isolamento faz a família se aproximar mais. Jogos de war e filmes com o pai, momentos com a mãe e brincadeiras com o irmão mais novo, além da amizade com Lucas, um jovem que vai passar uns dias com a família, irão ficar na memória do garoto, cujo codinome é Harry, nesta brincadeira toda. Tudo é conduzido quase perfeitamente por Piñeyro que sabe muito bem quando tratar o filme com leveza ou quando dar um tom tenso ao filme.

Cecília Roth e Ricardo Darín, um dos melhores atores argentinos atuais, comandam o filme com a perfeição esperada, auxiliado pelo elenco jovem, em especial, Matias Del Pozo, como o personagem que serve como os olhos do espectador. Héctor Alterio e Fernanda Mistral também tem participação marcante como os avôs.

>>> Esse texto foi escrito no dia da sessão, 14 de agosto de 2005, quando eu tava em uma semi férias, trocando de jornal. Apesar de não chegar perto dos melhores textos que já escrevi, publico para servir de "prévia" para o de "O que Você Faria?", do mesmo Piñeyro que deve sair do forno essa semana ainda.

Filmes Russos Atuais

2006-09-09T11:19:00.000-07:00

(e como eles são iguaizinhos os feitos nos EUA)

GUARDIÕES DA NOITE

“Nochnoy Dozor” (2004, EUA) de Timur Bekmambetov. Com Konstantin Khabensky, Vladimir Menshov, Valeri Zolotukhin, Mariya Poroshina, Galina Tyunina, Yuri Kutsenko, Aleksei Chadov, Zhanna Friske, Ilya Lagutenko, Viktor Verzhbitzky.

Como Guardiões da Noite foi o maior sucesso de bilheteria em todos os tempos na Rússia é um mistério para mim. Quando algo assim acontece geralmente é porque é um filme bastante inovador ou apresenta aspectos tipicamente nacionais, como foi o que aconteceu no Brasil com filmes como Dona Flor e Seus Dois Maridos, Cidade de Deus e 2 Filhos de Francisco. Ao contrário, o filme é uma cópia barata de "ANjos da Noite" (quem diria que isso poderia acontecer) .

A trama é confusa e irritante, pondo nos dois lados do conflito os soldados das luz, bons e os soldados da escuridão, do mau. Cada um ficou com uma parte do dia, e os bons então são guardiões da noite e os maus guardiões do dia, para haver um equilíbrio. Também existem Os Outros, que irão decidir a batalha, e nisso entra um garoto de 12 anos. A não ser por algumas cenas externas gravadas em Moscou, a história poderia se passar em qualquer outro lugar. Um filme de ação completamente decepcionante, como os feitos a rodo nos Estados Unidos.

O PEQUENO NARIGUDO

“Karlik Nos” (2003, RUS) de Ilya Maksimov. Com vozes de Albert Asadullin, Yelena Shulman, Yevgeniya Igumnova, Natalya Danilova, Igor Shibanov, Ivan Krasko, Tatyana Ivanova, Aleksey Gurev, Yelena Solovyova, Viktor Sukhorukov.

O Pequeno Narigudo, uma animação infantil russa, parece um desenho daqueles que passam no Canal Futura. Bonitinho, portador de uma mensagem para os infantes, um herói carismático, uma vilã malvada com ajudantes atrapalhados, uma menina bonita e com família importante para o desenrolar da trama... e só.

Não há nada de inventivo aqui, e talvez isso seria pedir muito. A história se desenvolve normalmente, sem qualquer novidade em narrativa ou estética. Isso não atrapalha muito, especialmente para as crianças que conseguem se divertir sem ver um festival de violência gratuita e roteiro descerebrado.

A personagem da bruxa malvada é interessante, e algumas situações apesar de batidas funcionam bem, como a transformação da princesa em um ganso. Com uma boa lição de moral e um final para agradar a todos querendo um filme leve (apesar de ser previsível desde o primeiro minuto), supera e muito alguns dos desenhos feitos em Hollywood. Este pelo menos trata a criança pelo que ela é e não como simplesmente um produto.

Sobre as Estrelas

2006-09-08T22:25:00.000-07:00

Os que lerem o texto sobre "Gritos e Sussurros" devem tomar um susto: Que estrela é aquela de azul do lado? É que, após seguir fielmente há anos a fórmula de 1 a 5 estrelas, que acredito ser a mais difundida entre os cinéfilos de plantão, decidi expandir um pouco ela.

1 estrela () continua sendo filme ruim, assim como 2 ainda significa regular. 3 estrelas não deixa de ser bom, enquanto um filme com 4 estrelas é ótimo e com 5 excelente.

Mas para diferenciar os ruins dos muito ruins e os excelentes das obras-primas, criei 0 estrelas que seriam aqueles filmes horríveis. A safra deste ano, por exemplo tem nesta seleção "Garfield 2" e os já comentados "Protegida por um Anjo" e "Casseta e Planeta — Seus Problemas Acabaram".

A sexta estrela, de caráter extra, só virá quando o filme for verdadeiramente um clássico, daqueles filmes raros, como o "Gritos e Sussurros", que inaugurou essa safra aqui no blog é. Agradeço aqui ao criador da imagem, Hudson Dalbem, que me pediu para inaugurar com um Allen ou Ozon. Dois filmes deste ano dos cineastas chegaram perto, "Match Point - Ponto Final" e "O Tempo que Resta", respectivamente. Mas as notas deles foram 9,5. Para a sexta estrela, o nível é alto e rígido: Nota 10.

Gritos e Sussurros

2006-09-08T21:50:00.000-07:00

GRITOS E SUSSURROS

“Viskningar och rop” (1972, SUE) de Ingmar Bergman. Com Harriet Andersson, Kari Sylwan, Ingrid Thulin, Liv Ullman, Anders Ek, Inga Gill, Erland Josephson, Henning Moritzen, George Årlin, Lena Bergman.

Uma aterrorizante fábula sobre o amor, ou a falta dele e suas conseqüências. Fotografado em um poderoso vermelho e contendo o melhor trabalho na direção de Ingmar Bergman, “Gritos e Sussurros” te deixa em estado de choque, através do brilhante trabalho das quatro atrizes principais. Um momento de felicidade, o instante de perfeição numa ensolarada tarde de outono se esvanece através do sofrimento e da culpa, da redenção dos pecados não cumpridos.

A morte aqui não está presente através de uma personagem específico, e sim está dentro, enraizada em todos os interiores, causando uma morte interna, que parece ser mais profunda do que a morte externa. A tentativa de deixar as coisas mais claras, mas fáceis se transforma em um caminho direto para o inferno, protagonizado por Marie e Karin, enquanto Anna promove uma direção diferente, mas não menos tortuosa.

Deus está presente em sua ausência em todas as formas. As personagens masculinas servem de acessório para corroborar a tese do filme: As mulheres são as almas do mundo. Elas sentem, manipulam, sofrem, percebem, sentem e usufruem a perfeição. Precursor de “As Horas”, “Gritos e Sussurros” é um brilhante exercício de linguagem cinematográfica.

Com uma montagem impecável, fotografia brilhante, retratando o interior de cada personagem em um delírio para os olhos, e uma discreta, mas forte trilha sonora, ganha tecnicamente também pelos figurinos em preto, oferecendo um contraste para a direção de arte em vermelho. Vestidos para um funeral constante, a pequena morte de cada dia, as seis personagens passam pelo filme, lembrando de seus compromissos, mantendo a pose, mas esquecendo do amor, da compaixão, da família. A morte já as atingiu, antes que chegue à Agnes, que consegue retornar, talvez em um delírio coletivo, em um sonho de Anna ou em uma verdade que apenas aconteceu naquele espaço. Para depois ser esquecida e servir de base para atormentações futuras.

“A minha filha precisa de mim”, “O meu marido precisa de mim” e neste momento as máscaras caem, e a falsidade, a que uma acusou a outra em momentos anteriores, é comprovada. A irmã necessita naquele momento e só a empregada, que no final levará apenas uma lembrança e um mísero dinheiro vai de encontro ao sofrimento de Agnes.

Talvez o dinheiro realmente seja um mal. Querendo inevitavelmente a posse recém-conquistada e a liberação daquela rotina dolorosa, preferem matar uma irmã que ressuscitou. É o mito de Jesus Cristo, novamente. Marie e Karin preferem o sofrimento causado pela sua própria mão, ou pela própria personalidade, como um caco de vidro na vagina, ou o caso com um médico, que não tem futuro, do que um sofrimento que valha a pena, que lhe traga aquele momento de felicidade novamente.
Mas que momento de felicidade? Fica claro ao estarrecido espectador de como aquela cena final, bela e confortadora na verdade é estarrecedora. Se para Agnes foi libertador, reconfortante e beirando a perfeição, para as outras duas irmãs não passou de um compromisso na agenda — Tarefa do dia: Cuidar da irmã moribunda e confinar com a outra as posses dela. O que fazemos e sentimos é nosso. Só podemos chorar. E sofrer. Nada mais...

>>> O texto foi escrito logo após a revisão deste filme, no dia 11 de junho, em DVD. Mais do que uma crítica, foi um desabafo interno. Como achei o texto e gostei, resolvi publicar aqui. Até porque, acredito e sempre acreditarei que não existe algo como uma crítica imparcial, ou puramente "técnica". Ela deve, em primeiro lugar partir do coração.

2006-09-08T09:59:00.000-07:00

INTERVALO CLANDESTINO

(2006, BRA) de Eryk Rocha.

O diretor do Festival de Veneza disse em uma declaração polêmica no ano passado que os filmes brasileiros não conseguem sucesso no exterior porque eles são muito brasileiros. Com certeza ele exagerou. Filmes como “2 Filhos de Francisco”, “Cidade de Deus” e “Casa de Areia” mostram um lado muito particular do Brasil sim. Mas são universais.

Em certo ponto, porém, ele estava certo. Há uma tendência enorme em fazer filmes “reais”, que mostram os “problemas” do povo. Eles também são pretensiosos ao cubo, acreditando veementemente que irão mudar a consciência do espectador, os fazendo finalmente pensar e assim mudar o mundo. Mas o que na verdade acontece é que eles quase nunca são bons, nem poderosos, e seus cineastas irão te achar um ignorante e acéfalo se você descobrir isso.

Mas como não? A maioria são forçados, patéticos, indulgentes e sem noção nenhuma do que se está falando. Glauber Rocha foi um dos diretores mais engajados da história do cinema brasileiro, e justamente por isso, um dos mais pedantes, no mau sentido da palavra. Talvez isso estivesse nos seus genes, visto que “Intervalo Clandestino”, de seu filho Eryk Rocha segue o mesmo caminho.

Tenta ser um manifesto pré-Eleições 2006, já que pelo título denuncia o que aconteceu entre as esperanças de um Brasil em 2002 e início de 2003, com o Presidente Lula e o que sentimos hoje. Afinal, o que sentimos hoje? É uma pergunta muito pessoal, que Rocha, nem se preocupa em apresentar fatos, nem construir uma teoria ou sequer uma linha de pensamento. Será que, ao fazer o filme, realmente pensava em exibir para um público ou era um projeto completamente pessoal?

Segundo esse raciocínio, se explicaria porque em nenhum momento, se tenta explicar os fatos que antecedem todas as emoções causadas pelas personagens entrevistas ao longo dos cerca de 90 minutos de projeção. Para os brasileiros não se deve ter problema em entender, a importância da eleição de 2002 para o país, que Lula foi eleito com certa unanimidade e que logo no primeiro dia de mandato dele, a esperança foi substituída pela decepção.

Mas um filme deve ser universal e ninguém fora do país irá compreender todos estes bastidores, assim como daqui a 10 anos, também soará um passado distante e indecifrável. Rocha parece querer fazer seu filme para o momento e não para a eternidade, assim, se separando por definitivo da carreira do seu pai, pois mais duvidosa em níveis qualitativos que ela possa ser. Cria-se assim um problema crônico para o filme, já que informação é essencial quando se faz um documentário político, visto no ótimo “Bolívia — História de uma Crise”, que infelizmente ficou poucas semanas em cartaz.

Efeitos de câmera são empregados a cada minuto praticamente, achando que assim, alcançará uma áurea e alcançar um nível artístico que é nulo. O filme vira um chavão maior ainda quando desperdiça a chance de fazer um estudo sobre política e religião, quando simplifica por demais os assuntos. Também poderia ter sido melhor quando liga superficialmente e terrivelmente os efeitos do Golpe Militar de 64 nos rumos políticos atuais, ou ainda na parte em que o futebol e sua capacidade de alienação entra em cena, para sair no minuto seguinte, deixando uma pergunta essencial: Para que afinal entrar num assunto complexo e abandonar sem mais nem menos?

A pior parte provavelmente é quando ele se diverte fazendo alterando os sons, para demonizar os “vilões” da fita, em especial, o Presidente Luiz Inácio Lula da Silva, ou ainda usa de câmera lenta e uma trilha forte que só piora os momentos. A tentativa de criticar o ex-Presidente, Fernando Henrique Cardoso mostrando o aperto de mão que ele teve com um sorridente Bill Clinton é pífia, ainda mais quando cada vez mais ele é considerado o melhor presidente estadunidense das últimas décadas.

Os depoimentos que abrem e fecham o filme são proféticos quanto ao resultado final. No início é dito por um homem que o filme deve ser exibido na televisão, já que no cinema ninguém vai assistir ao filme. Torço para que ele esteja certo. Enquanto isso, ao final, uma mulher dá a solução para o estado no qual se encontra o Brasil: “O jeito é encobrir o Brasil em uma lona e arrumar ele todinho”. Sinceramente, a fala parece mais propícia para o filme do que para o país.

Estréias em 8 de setembro de 2006

2006-09-08T08:49:00.000-07:00

ESTRÉIAS NACIONAIS NESTA SEXTA

“Espelho Mágico”, de Manoel de Oliveira
“Flores do Amanhã”, de Zhang Yang
“Lucas, um Intruso no Formigueiro”, de John A. Davis
“O Maior Amor do Mundo”, de Cacá Diegues
“Meu Irmão Quer se Matar”, de Lone Scherfig
“Serpentes a Bordo”, de David R. Ellis
“Zé Pureza”, de Marcelo Ernandez

ESTRÉIAS NO RIO

“Dois Anjos”, de Mamad Haghighat
“Flores do Amanhã”, de Zhang Yang
“Lucas, um Intruso no Formigueiro”, de John A. Davis
“O Maior Amor do Mundo”, de Cacá Diegues
“Meu Encontro com Drew Barrymore”, de Jon Gunn, Brian Herzlinger e Brett Winn
“Serpentes a Bordo”, de David R. Ellis
“Zé Pureza”, de Marcelo Ernandez

***

EM CAMPOS

Estréias

“Lucas, um Intruso no Formigueiro”, de John A. Davis
“O Maior Amor do Mundo”, de Cacá Diegues

Continuação

“A Casa Monstro”, de Gil Kenan
“Casseta e Planeta – Seus Problemas Acabaram”, de José Lavigne
“Click”, de Frank Coraci
“Miami Vice”, de Michael Mann
“Trair e Coçar é Só Começar”, de Moacyr Góes
“Zuzu Angel”, de Sérgio Rezende

EM NITERÓI

Estréias

“Estamira”, de Marcos Prado
“Lucas, um Intruso no Formigueiro”, de John A. Davis
“O Maior Amor do Mundo”, de Cacá Diegues
“Moacir, Arte Bruta”, de Walter Carvalho
“Serpentes a Bordo”, de David R. Ellis

Continuação

“A Casa do Lago”, de Alejandro Agresti
“A Casa Monstro”, de Gil Kenan
“Casseta e Planeta – Seus Problemas Acabaram”, de José Lavigne
“Click”, de Frank Coraci
“Miami Vice”, de Michael Mann
“Os Sem-Floresta”, de Karey Kirkpatrick e Tim Johnson
“Trair e Coçar é Só Começar”, de Moacyr Góes

Especiais

“Meninas”, de Sandra Werneck (apenas sexta, sábado e domingo)
“Moro no Brasil”, de Mika Kaurismäki (apenas segunda e terça)
“À Margem da Imagem”, de Evaldo Mocarzel (apenas quarta e quinta)

Filmes excelentes em cartaz no Rio

"O Tempo que Resta", de François Ozon (Espaço Unibanco)
"O Sabor da Melancia", de Tsai Ming-Liang (Estação Botafogo)
"O Corte", de Constantin Costa-Gavras (Candido Mendes e Estação Botafogo)

O Homem Pode Voar

2006-09-07T20:34:00.000-07:00

O HOMEM PODE VOAR

(2006, BRA) de Nelson Hoineff.

“O Homem Pode Voar”, documentário que tem como objetivo nos apresentar a obra de Santos-Dumont, seria um ótimo programa de televisão, informativo e sem muito compromisso com a completa verdade, os dois lados da história. Ou seja, em poucas palavras, ao mesmo tempo que é educativo e didático, é redundante e simplista.

Não funciona cinematograficamente, mas ainda assim pode agradar a muitos brasileiros patriotas afoitos por sua história gloriosa, como foi comprovado na sessão a qual assisti ao filme, que mesmo quase vazia, houve uma tentativa de salva de aplausos durante os créditos finais.

E óbvio que a reação era ao aviador e inventor e não ao filme, muito pobre, mesmo que com imagens tão ricas. Este é o grande mérito dele, aliás, conseguir apresentar imagens raras de época, que mostram suas primeiras experiências, além de nos apresentar à Paris fervilhante do começo do século XX.

A montagem, parte essencial de um documentário, é pouco eficiente, não conectando as muitas imagens que aparecem na tela e ainda alongando algumas seqüências desnecessariamente mesmo com o filme contabilizando apenas 75 minutos de duração. A trilha, mesmo leve, nunca descansa, sendo muito forçada.

A sua principal qualidade é oferecer mais detalhes a vida de Dumont para o desinformado público brasileiro, enfocando tanto no lado pessoal, como profissional. Apesar disso, sempre cai no lugar comum, esbarrando sempre na mistificação dele, nunca mostrando algum aspecto negativo do homem, e deixando claro através dos depoimentos que ele “sempre fez questão de divulgar o Brasil lá fora”.

Mais do que uma biografia, parece uma colagem dos pontos positivos dele e evita causar desconforto, trabalhando em questões polêmicas, como a sua morte e a querela com os irmãos Wright pelo rótulo de “inventor do avião”, mesmo que esta seja mais uma briga diplomática entre o Brasil e os Estados Unidos.

A Dama na Água

2006-09-07T15:31:00.000-07:00

A DAMA NA ÁGUA

“Lady in the Water” (2006, EUA) de M. Night Shyamalan. Com Paul Giamatti, Bryce Dallas Howard, Jeffrey Wright, Bob Balaban, Sarita Choudhury, Cindy Cheung, M. Night Shyamalan, Freddy Rodríguez, Bill Irwin, Mary Beth Hurt, Noah Gray-Cabey, June Kyoto Lu, Joseph D. Reitman, Jared Harris, Grant Monohon, John Boyd e Ethan Cohn.

“A Dama na Água”, vem sendo descrito por muitos como uma fábula. A própria história principal é contada como uma por uma senhora coreana velhinha, que mora com sua filha nos Estados Unidos e não fala nada de inglês. Sua filha, que usa roupas com tamanho mínimo, e gosta de se divertir, comenta “Eu gostaria de acreditar também que tudo isso seja verdade”. Talvez a razão que ela não acreditava fosse sua americanização, tentando viver como uma perfeita e fútil garota americana.

Durante o desenrolar do filme, porém, ela é convencida por Cleveland, síndico do prédio aonde se passa toda a história, de que a garota que ele achou na piscina, realmente vêm de um outro mundo. Além dela, dezenas de outros moradores também compram a história e passam a ajudar à delicada ser a voltar para seu lugar de origem.

Pois bem, M. Night Shyamalan, diretor e roteirista do longa não teve o mesmo sucesso com o público, tamanha a reação completamente dividida que o filme recebeu. Enquanto alguns adoraram, a maioria dos críticos rejeitou por completo, algo bem compreensível, já que o filme cheira pesado a pretensiosismo, sendo que não possui nada real a oferecer.

Shyamalan apresenta idéias interessantíssimas, como a relação entre pessoas de mundos praticamente opostos, com visões e objetivos de vida completamente diferentes. Provavelmente ele acredita que as intenções devem ser levadas em conta durante a exibição do filme, já que nunca desenvolve a história, deixando detalhes importantíssimos para a nossa imaginação. Como nas melhores fábulas? Não.

O crescimento do filme também é nulo. Durante uma hora e meia somos apresentados a um festival de personagens clichês, algumas beirando o ridículo, como Reggie (Freddy Rodríguez, da excelente “Six Feet Under”), um cara que faz "experimentos científicos", apenas exercitando os músculos de um braço. O que dizer da família coreana, a bondoza e brava senhora que preserva suas tradições não falando inglês, enquanto a filha representa o oriente ocidentalizado, como os EUA e sua modernidade aniquilam o que há de melhor no mundo, incluindo aí a fantasia. Tudo muito grotesco e vomitado na cara do espectador, no melhor estilo Crash de ser.

Porém, nada supera, a personagem de Bob Balaban, um crítico prepotente de cinema e literatura, daquele tipo chato por natureza, que sente prazer em odiar uma obra alheia e acham que sabe de tudo, mas na verdade nunca entende a “verdade” contida ali. Foi claramente inspirado naqueles que vêem a cada filme do cineasta, seu declínio crescente, desde que gerou provavelmente o melhor suspense de toda a década de 90. Shyamalan deve ter sentido um especial prazer em escrever o seu destino e parece brincadeira de criança que não tem espaço algum em um filme que se pretende a ser sério.

Problemas já vistos nos filmes anteriores do diretor indiano são repetidos aqui, sempre com os piores resultados. Som alto e estridente e aparições para assustar, tudo compensando a falta de talento, uma trilha irritante e a fotografia que tenta criar um clima sombrio, mas soa extremamente artificial.

Quando finalmente, começa a pegar um fôlego, termina, desapontando a quem estava começando a se interessar por toda a história. A surpresa aqui, é que pelo menos Shyamalan se salva como ator. Depois de apenas participar em pontas, ele deixa seu ego falar mais alto, e aparece mais tempo na frente da tela, tomando espaço com uma personagem chave do filme. Mas se sai bem, no meio de um elenco pouco inspirado, no qual o único que tenta se salvar é Giamatti, que tropeça nos diálogos ridículos. Bryce Dallas Howard, que tinha se revelado em “A Vila”, aqui está inexpressiva. Um grande desperdício de elenco e de uma forte premissa. Já de diretor, não consigo mais considerar. Sete anos depois e com mais quatro filmes na bagagem, “O Sexto Sentido” parece cada vez mais como um golpe de sorte.

Miami Vice

2006-09-03T16:30:00.000-07:00

MIAMI VICE

"Miami Vice" (2006, ALE/EUA) de Michael Mann. Com Colin Farrell, Jamie Foxx, Gong Li, Naomie Harris, Justin Theroux, Barry Shabaka Henley, John Ortiz, Luis Tosar, John Hawkes, Ciarán Hinds.

Hoje, para um filme de ação fazer sucesso não basta apresentar tiros, efeitos especiais e cenas mirabolantes. Precisa ter uma história interessante, verossímil e, portanto convincente, atingindo ao público de forma mais eficaz do que uma rajada de metralhadoras. É irônico, portanto que o filme que deu início a esta era, “Matrix”, de 1999, tenha levado dois tiros pela culatra com suas seqüências, esquecendo todos os mandamentos para o gênero que tinha fincado.

A temporada em que mais acontece à desova destes filmes é de maio a agosto, período de férias de verão nos EUA. Apesar de eventuais longas que ainda ofendem a inteligência do espectador, como “Velozes e Furiosos — Desafio em Tóquio”, o ano fez brotar muitos filmes seguindo a tendência, tendo suas diferenças. Seja elas de enredo, ou ainda de qualidades, variando dos quase ótimos “X-Men: O Confronto Final” e “Superman — O Retorno” até aos muito ruins, caso de “O Código Da Vinci”, passando por intermediários como “Missão Impossível 3”. Apesar disso, todos tinham suas tramas voltadas para as personagens e situações em que se encontravam, jogando os efeitos especiais para o segundo plano.

“Miami Vice” segue a regra, mesmo que o roteiro não seja lá essas coisas. Nele, dois policiais de Miami são os protagonistas. Para desbaratar uma quadrilha de contrabandistas, eles se infiltram na organização criminosa. Sonny (Farrell), começa a ter um caso com a cubana Isabella (vivida pela chinesa Gong Li), mulher do chefão do bando, enquanto o seu parceiro, Rico (Foxx) vive um romance tumultuado com a também oficial da lei Trudy (Naomie Harris).

Apesar de ser válido, ao deixar os tiros de lado, para se concentrar nas palavras e nos momentos de silêncio, o roteiro tem seus pecados, nunca realmente desenvolvendo as personagens, apesar de apontar para este caminho por diversas partes. Enquanto o roteiro possa ter várias falhas, ele tem o mérito de nunca deixa de se centrar nas personagens e em seus dilemas, mesmo que deixe todo o trabalho difícil para a direção.

E assim, Mann, vira responsável por tudo de bom que se sustenta no filme. Auxiliado pelo diretor de fotografia Dion Beebe, leva sua câmera a todos os lugares possíveis, às vezes fazendo primeiríssimos planos de partes do corpo dos atores até planos gerais, com litorâneas paisagens ao fundo, seja de Cuba (filmada na República Dominicana), Haiti, ou Miami. Desta vez, a cidade é filmada sem a visão clichê de paraíso litorâneo, e sim como um ambiente claustrofóbico, repleto de nuvens escuras e carregadas.

O elenco funciona bem, apesar de ocasionais deslizes de Farrell. Enquanto Beebe ganhou o Oscar de fotografia por “Memórias de uma Gueixa”, um trabalho muito ruim, deve se houver justiça ser indicado por este filme, se aproveitando quando achar necessário da câmera digital, mas voltando por vezes (principalmente nas cenas internas) ao formato tradicional. Um filme basicamente de diretor, e o diretor está ótimo.

Explicações e considerações

2006-09-02T20:29:00.000-07:00

Ao invés de postar um outro texto de cinema (que já está prontinho), me vejo na obrigação de falar umas coisas rápidas aqui.

Em primeiro lugar, gostaria de salientar que o blog ainda está sendo meio testado, na colocação dos links, equilibrio entre texto e imagem, se vale mais escrever mais ou escrever menos e sobre mais filmes, etc.

Uma das falhas que eu já encontrei (mas não tive tempo de pensar em solucionar ainda) é a colocação de estrelas ao lado das estréias e filmes no cinema e não embaixo como continua saindo [alguém sabe como regular isso?]. Sobre as estrelas, elas além de variarem do 1 ao 5, como muitos a usam, tem também os extremos 0 (filme péssimo) e 6 estrelas, o que equivaleria a nota 10, e é uma obra-prima mesmo, daqueles filmes raríssimos. De 2006 por exemplo, só um filme alcançou essa nota: "Um Novo Mundo". Em 2005, apenas dois: "Closer - Perto Demais" e "Um Filme Falado", e por aí vai.

Ainda sobre a sessão de filmes no cinema, tenho a obrigação de mencionar que a inspiração veio do ótimo Filmes do Chico, blog cinematografico do colega Chico Fireman. Só que ao inves de botar as estréias de Salvador, ponho, lógico as do Rio, além de indicar para quem mora em Niterói (incluindo eu) e Campos (semi-idem), os filmes que estão em cartaz. E se a origem veio de lá, espero que o compromisso pela regularidade também. Mais que espero, exigo. E se não conseguir botar um dia ou outro, vai ser excessão. Semana que vem por exemplo, já não vai dar, pois vou estar na roça, sem acesso a internet. Mas logo que voltar, vou tentar botar. E vai ter outras complicações também, como o fato de eu não estar mais morando em casa, e ter que dividir computador, e o Festival do Rio que deve tomar muito do meu tempo. Mas pelo menos deve também originar muitos e muitos textos.

Por ora, é só. Muito obrigado pela visita e um grande abraço a todos!!

2006-09-01T12:32:00.000-07:00

CASSETA & PLANETA — SEUS PROBLEMAS ACABARAM

2006, BRA) de José Lavigne. Com Murilo Benício, Beto Silva, Bussunda, Cláudio Manoel, Hélio de la Peña, Hubert, Marcelo Madureira, Reinaldo, Maria Paula, Marcos Pasquim.

A trupe do Casseta e Planeta retorna ao cinema para este filme, último trabalho de Bussunda, morto no último mês de junho e sério candidato ao posto de pior filme do ano. Ao contrário de “A Taça do Mundo é Nossa” que ao menos forjava uma história, este não passa de uma colagem de piadas que deveriam ter ficado na televisão mesmo, pois não suportam os 80 minutos de projeção. Nos melhores momentos, elas são muito sem graça, enquanto em alguns casos, beira o grosseiro e ridículo. Como o grupo, que já foi considerado de vanguarda no final dos anos 80 chegou a este nível é triste. A direção alterna sem mais nem menos um visual estilizado e cenas “comuns”, e exagera nas piadas sexuais, que geraram muitas gargalhadas dos espectadores, como esperado. Parece que foi feito por um surfista freqüentador de rave, para usar uma piada freqüente do filme, e que deve ser entendido ou como uma ironia ou no melhor dos casos, uso de metalingüística.

Estréias do Cinema em 01/09/2006

2006-09-01T11:53:00.000-07:00

ESTRÉIAS NACIONAIS NESTA SEXTA

“Um Bonde Chamado Santa Thereza”, de Jorge Ferreira
“A Casa Monstro”, de Gil Kenan
“Casseta & Planeta — Seus Problemas Acabaram”, de José Lavigne
“A Dama na Água”, de M. Night Shyamalan
“Minha Super Ex-Namorada”, de Ivan Reitman
“O Sabor da Melancia”, de Tsai Ming-Liang
“Vôo United 93”, de Paul Greengrass

ESTRÉIAS NO RIO

“Um Bonde Chamado Santa Thereza”, de Jorge Ferreira
“A Casa Monstro”, de Gil Kenan
“Casseta & Planeta — Seus Problemas Acabaram”, de José Lavigne
“A Dama na Água”, de M. Night Shyamalan
“Minha Super Ex-Namorada”, de Ivan Reitman
“O Sabor da Melancia”, de Tsai Ming-Liang
“Vôo United 93”, de Paul Greengrass

* * *

EM CAMPOS

Estréias

“A Casa Monstro”, de Gil Kenan
“Casseta & Planeta — Seus Problemas Acabaram”, de José Lavigne

Continuação

“Click”, de Frank Coraci
“Miami Vice”, de Michael Mann
“Trair e Coçar é só Começar”, de Moacyr Góes
“Velozes e Furiosos: Desafio em Tóquio”, de Justin Lin
“Zuzu Angel”, de Sérgio Rezende

EM NITERÓI

Estréias

“A Casa Monstro”, de Gil Kenan
“Casseta & Planeta — Seus Problemas Acabaram”, de José Lavigne
“Crônica do Amor Louco”, de Marco Ferreri
“Factotum — Sem Limites”, de Bent Hamer
“O Sol — Caminhando Contra o Vento”, de Tetê Moraes

Continuação

“Anjos do Sol”, de Rudi Lagemann
“A Casa do Lago”, de Alejandro Agresti
“Click”, de Frank Coraci
“Miami Vice”, de Michael Mann
“Quase Virgem”, de Pat Holden
“Os Sem-Floresta”, de Tim Johnson e Karey Kirkpatrick
“Trair e Coçar é só Começar”, de Moacyr Góes
“Zuzu Angel”, de Sérgio Rezende

Cafuné

2006-08-31T22:17:00.000-07:00

CAFUNÉ

(2006, BRA) de Bruno Vianna. Com Priscila Assum, Lúcio Andey, Carlos Mossy, Dilma Loés.

Seria adequado comparar o brasileiro “Cafuné” ao norte-americano “Bubble”, de Steven Sodebergh pelo seu modo completamente contemporâneo de se enxergar cinema. Enquanto o segundo foi lançado simultaneamente nos cinemas, nas locadoras e no formato pay-per-view, o fruto nacional chegou algumas semanas depois nos cinemas e também em versão para ver na internet, sendo antenado assim com a febre tecnológica, no Brasil, um retrato dos “tempos modernos” que a fita tenta dissecar.

Tenta, porque a faca nem passa da pele. Bruno Vianna não é nenhum Sodebergh, inviabilizando qualquer comparação possível. “Cafuné” tem sérios problemas de narrativa, uma montagem porca, além de situações que por vezes, são inverossímeis e muitas vezes, não aproveitadas como deveriam ser.

Se o elenco não derrapa, também tem momentos fraquíssimos, talvez fruto de uma mão inexperiente, que exagera alguns momentos que pedem calma. Algumas idéias de Vianna não funcionam, como toda a história do dublador, quando ele diz a falta de sincronia entre a visão e a audição, e mais profundamente, o que acontece e quando ouvimos. Se a mensagem é passada com facilidade, parece tudo caricato e forçado.

Um bom exemplo de escolha de foco errado é quando a interessante e promissora discussão envolvendo a amiga que tira fotos pornôs e vende depois como arte é deixada de lado para acompanharmos o drama do casal principal formado por uma moça de família rica e um rapaz, morador de favela, acompanhado por todos tipos de clichês que vemos nas novelas da Rede Globo. Nem o nascimento do filho deles, Natalino, emplaca a história.

Talvez Vianna tenha um bom futuro no cinema, mas o resultado final de sua estréia na direção não é satisfatório. Vê-se que ele tem um cuidado em filmar certas cenas, como se elas fossem as mais importantes de todo o filme. Ironicamente, elas são as que estão mais perdidas, funcionando apenas o trailer, criando momentos completamente fora de sincronia. Se ele focasse mais nas cenas realmente importantes, talvez o filme seria outro.

Trair e Coçar, É só Começar

2006-08-28T19:33:00.000-07:00

TRAIR E COÇAR, É SÓ COMEÇAR

(2006, BRA) de Moacyr Góes. Com Adriana Esteves, Cássio Gabus Mendes, Otávio Muller, Bianca Byington, Mônica Martelli, Mário Schoemberger, Aílton Graça, Fabiana Karla, Márcia Cabrita, Thiago Fragoso.

A versão cinematográfica de “Trair e Coçar, É só Começar” parecia obrigatória nesta retomada do cinema brasileiro tendo-se em consideração que é a peça em mais tempo em cartaz no Brasil, desde 1986. Poderia render uma boa comédia de erros, cheia de encontros e desencontros, como fazia brilhantemente Shakespeare.

Mas que fique claro que Flávio de Souza e Marcos Caruso não têm 0,01% do talento do bardo inglês, muito menos Moacyr Góes. Se tivermos que apontar um culpado para o fracasso desta adaptação é ele, que é o maior realizador de bombas do cinema recente nacional. Constam de sua filmografia “Dom”, “Maria — Mãe do Filho de Deus”, “Um Show de Verão”, “Irmãos de Fé”, além de três filmes protagonizados pela rainha dos baixinhos. Parece o Billy Wilder ou Ingmar Bergman do mundo bizarro. Se quase todos filmes destes dois são obras-primas, quase todos de Góes são horrorosos.

“Trair e Coçar” não chega a este nível, mas todo potencial de seu texto é minado pela direção folgada. Todo mundo que insiste em chamar “Dogville” de teatro filmado (e eu já fui um deles), deve ir ao cinema e conferir este filme. Sem nenhum senso de cinema, o único trabalho do diretor parece ter sido colocar sua câmera perto de um palco e realizar algumas cenas externas para nos lembrar de que se trata de um filme.

Mas não se enganem: É puro teatro. As cenas são mal realizadas, em uma linguagem completamente teatral, adequada aos palcos, mas não às salas de cinema. Prova disso é que os atores parecem se esquecer de que existe um grande microfone em cima deles e insistem em gritar em cena, como se tivessem que atingir ao espectador da última fileira. A direção também privilegia estranhamente planos gerais, uma decisão completamente errada.

Os diálogos são sofríveis e as situações completamente artificiais. O elenco, para completar a desastrosa e infantil direção de Góes, está muito caricato, principalmente Adriana Esteves e Cássio Gabus Mendes. Talvez a história até pode funcionar nos palcos cariocas, mas pelo material visto, acho difícil. Mas provavelmente gerava mais risadas do que este esqueleto de comédia.

Assombração

2006-08-27T10:10:00.000-07:00

ASSOMBRAÇÃO

“Gwai wik” (2006, HKO) de Oxide Pang Chun, Danny Pang. Com Angelica Lee, Qiqi Zeng, Lawrence Chou, Siu-Ming Lau, Rain Li, Jetrin Wattanasin.

Um dos melhores momentos de “Buenos Aires 100km”, exemplar da nova safra do cinema argentino é quando foca na história de mesmo título que a personagem principal, um garoto de 11 anos escreve em seu caderno. Por pressão dos amigos e conhecidos que lêem, o conto acaba virando um terror bastante nonsense, o que se torna interessante dentro da narrativa, já que reforça que apesar de ser uma criança atarefada e sob pressão, prestes a sofrer com a vida e seus problemas, ainda era uma criança.

Pois bem, os irmãos Pang não são mais crianças. Não vale então, uma história beirando o patético, que tem uma cena sem noção atrás de outra. O roteiro é fraquíssimo, apelando para soluções sem pé nem cabeças, complicando a intricada trama. Tentando gritar que é criativo, parece perdido entre um quero-ser-texto de Charlie Kauffman e um quadro do francês Henri Matisse compondo o visual, sem nenhuma direção certa.

Parece que os roteiristas (Cub Chin, Sam Lung, Thomas Pang e os dois irmãos Pang) não tinham um plano quando começaram a escrever o filme, e deixava cada cena levar à próxima, produzindo enormes buracos de roteiro e situações absurdas (no mau sentido). Talvez eles pensaram que se em “Magnólia” podia cair sapos no meio da rua, aqui podia cair corpos. Mas não, lá tinha explicação. Aqui é só um jeito de atrair a atenção do público, quando eles não conseguiram pensar em algo melhor.

A direção de arte ajuda nos propósitos (bestas) do filme e é o destaque do longa, que conta com algumas cenas visuais interessantes (como a da mulher e sua neta no elevador), mas que se perdem no próprio significado, conferindo uma nulidade ao conjunto. A fotografia é de causar horror, mudando de tons e cores sem explicação, às vezes na mesma cena, nunca imprimindo um visual adequado ao filme, auxiliada por uma trilha sonora típica dos filmes de terror.

Se as atuações não chegam a ser um desastre, elas não podem fazer nada com o material, sendo completamente desperdiçadas. A direção dos cultuados irmãos Pang (do brilhante “The Eye”), é muito irregular, sem sentido. Histórias se perdem e as soluções dadas para o mundo fantasioso são as mais ridículas possíveis, entrando em contradição continuamente. Um horror de filme, e não um filme de horror.

Protegida por um Anjo

2006-08-27T06:05:00.000-07:00

PROTEGIDA POR UM ANJO

“Half Light” (2006, ALE/RUN) de Craig Rosenberg. Com Demi Moore, Hans Matheson, James Cosmo, Kate Isitt, Therese Bradley, Beans El-Balawi, Henry Ian Cusick, Mickey Wilson, Joanna Hole

“Protegida por um Anjo” parecia ser apenas um caso de “olha como somos criativos” por parte dos tradutores brasileiros, que adoram títulos mirabolantes. Mas parece que todo mundo envolvido nesse filme gosta de coisas mirabolantes. Só assim para explicar como alguém pode entrar nessa barca furada, que em um ano de comédias que são um verdadeiro terror, é um dos lançamentos mais engraçados.

Talvez Rosenberg, diretor e escritor, quis fazer uma comédia e especialistas do futuro com mentes mais avançadas vão finalmente enxergar isso, e o filme vai entrar direto na lista dos melhores e mais inteligentes do século. Só assim para explicar como consegue arrancar tantas risadas do espectador que achava que estava numa sessão de suspense.

Como Demi Moore, uma atriz de primeiro escalão foi parar nisso (que nem chegou aos cinemas americanos) é um mistério. Ela interpreta uma escritora de sucesso, cujo filho morreu em um acidente doméstico. O casamento entra em crise e oito meses depois por sugestão de sua melhor amiga jornalista ela vai para uma pequena vila escocesa para ter paz, combater o bloqueio criativo e finalmente tocar a vida.

Mas suas visões com o filho não ajudam em nada. O que poderia ser um bom drama cai no patético logo nas primeiras cenas, em que tenta implantar um toque sobrenatural, ajudado por alguns dos habitantes falando em um dialeto, quase como em segredo, tramando algo contra a pobre heroína.

O roteiro é ridículo, falhando em todas as frontes: no drama, no mistério e no romance. O que dizer da cena em que após ouvir que o filho morto está tentando se comunicar com ela, ver uma mensagem dele, e a ponto de ter um colapso nervoso ela vai se encontrar com seu interesse amoroso para ser consolada... e fazem sexo, tudo ficando às mil maravilhas. E o filho morto, as mensagens, a ansiedade? Ah era na cena anterior, não importa.

Tentando ser inteligente e com pinta de um filme “complicado”, uma das piores reviravoltas já vistas no cinema aparece no final, e acaba é complicando mesmo a situação do espectador, pois não teve um anjo que o protegesse de assistir a esta bomba.

PS: A melhor coisa do filme é outro filme. Em uma cena, um casal assiste pela televisão o clássico do horror britânico, "Na Solidão da Noite" ("Dead of Night"), filme de episódios. O exibido é o mais famoso, sobre um ventríloquo que ganha vida, dirigido pelo brasileiro Alberto Cavalcanti. Para mim, o melhor filme de terror de todos os tempos.

Confidências à Meia-Noite

2006-08-23T16:35:00.000-07:00

CONFIDÊNCIAS À MEIA-NOITE

"Pillow Talk" (1959, EUA) de Michael Gordon. Com Rock Hudson, Doris Day, Tony Randall, Thelma Ritter, Nick Adams, Julia Meade, Allen Jenkins, Marcel Dalio, Lee Patrick, Mary McCarty e Alex Gerry.

Eu já tinha visto há três anos atrás dois dos filmes protagonizados por Rock Hudson e Doris Day: “Volta, meu Amor” (1961, Delbert Mann) e “Não me mandem Flores” (1964, Norman Jewison). Gostei bastante de ambos, comédias leves, e mesmo que em momentos bem bobas, na maioria das cenas eram engraçados. Mas o que mais tinha vontade de ver, era “Confidências à Meia Noite”, por ser o com melhores críticas e justamente por ser o primeiro da “trilogia”.

Pois bem, finalmente quando comecei a ver este filme, parecia que todas as previsões seriam cumpridas. Começou logo energético, com a contagiante música “Pillow Talk” durante os créditos. Porém, os próximos 15 minutos não mais serviram para me desapontar. Tudo soava falso, artificial, e não de propósito. Parecia uma paródia de um gênero, que não era paródia e sim, a obra que marcou todo o gênero e eu simplesmente não conseguia entender porque era tão cultuado. Mas depois, Gordon conseguiu impregnar um bom ritmo ao filme, ajustou todas as personagens e suas histórias e as coisas só foram melhorando, até o final chocho e resolvido de forma rápida e apressada (justamente como em “Volta meu Amor”).

O roteiro escrito por Maurice Richlin e Stanley Shapiro tem boas sacadas, faz um bom retrato da época em que muitas pessoas em Nova York tinham que dividir o telefone por causa de poucas linhas e ainda consegue criar uma boa energia, culminando até o clímax, mas ganhar o Oscar como melhor roteiro original na edição de 1960 foi um crime, considerando os quatro competidores: “Morangos Silvestres” de Ingmar Bergman, “Os Incompreendidos” de François Truffaut, “Intriga Internacional” de Alfred Hitchcock e o brilhante “Anáguas à Bordo” de Blake Edwards, todos muito melhores.

Doris Day recebeu pelo filme sua única indicação ao Oscar e provavelmente por causa disso foi esnobada no ano seguinte quando realmente merecia pelo papel dramático em “A Teia da Renda Negra”. Aqui ela está encantadora como a eterna virgem, e tem um excelente timing cômico, só decaindo no finalzinho (por culpa do roteiro). Faz uma dupla quase perfeita com Rock Hudson, que aqui mostra que também poderia fazer muito bem comédia, principalmente quando entra na pele do texano Rex e tem uma cena clássica, principalmente pelos bastidores.

Thelma Ritter, uma das favoritas dos cinéfilos e Tony Randall, presença constante nos filmes de Day e Hudson roubam as cenas em que participam, sendo que Randall tem mais cenas, e tem a melhor atuação de todo o filme, como o milionário rejeitado pelas garotas e com complexo de inferioridade. Mas Ritter conquistou uma indicação ao Oscar como atriz coadjuvante. A trilha e a direção de arte também foram indicadas.

A montagem é ágil e Gordon tem uma direção excelente, fazendo pleno uso da tela em Cinemascope, dividindo muitas vezes a tela em duas, para mostrar Day e Hudson, e em alguns momentos dividindo em três, nos fazendo pensar em como se perderia muito do filme, se mostrado em Tela Cheia, como sempre faz a TV Aberta e a maioria das versões em vídeo. Em uma cena em especial, esta divisão atinge o ápice. É quando os dois estão em suas banheiras e ao encostar os pés na parede, eles parecem se tocar, como se ambos estivessem contracenando na cena.

As músicas são de primeira qualidade, em especial “Pillow Talk”, “Rolly Poly” e as várias versões de “Inspiration”, apesar de Day desgostar de todas. Ela viria a repetir este tipo de papel, por toda a década de 60, recebendo o apelido de “A virgem mais velha do mundo”. Mas este filme continua sendo o auge de sua carreira (ela está viva, com 82 anos apesar de não aparecer na telona desde 1968), e junto com “Corações Enamorados” (“Young at Heart”, 1954, EUA) de Gordon Douglas, as melhores comédias românticas de sua carreira. Um filme do tipo (por bem ou por mal) que não é feito mais e merece ser visto e reverenciado.

As Pontes de Madison

2006-08-20T21:26:00.000-07:00

AS PONTES DE MADISON

"The Bridges of Madison County" (1995, EUA) de Clint Eastwood. Com Clint Eastwood, Meryl Streep, Annie Corley, Victor Slezak, Jim Haynie.

“The old dreams were good dreams; they didn't work out, but glad I had them.”, Robert Kincaid (Clint Eastwood)

Já li alguns textos que exaltam Antes do Amanhecer por ser um filme que nos permite testemunhar o nascimento do amor entre duas pessoas. Nunca percebi isso no filme. Já outro filme de 1995 permite esta constatação de forma madura, real e palatável. As Pontes de Madison é provavelmente o melhor filme de Clint Eastwood, com todos os riscos que esta afirmação pode trazer. Quase 10 anos antes de Menina de Ouro, que lhe deu o segundo Oscar de direção, o durão protagonista de muitos faroestes e filmes de ação cheios de testosterona, já mostrava ser um sensível criador, capaz de criar planos belíssimos e contar uma história vinda do coração.

Justamente por nos contar o final logo nas primeiras cenas, o filme pode se concentrar no que realmente importa, sem criar suspense da decisão da personagem principal, Francesca, uma imigrante italiana. Vivida por Meryl Streep, ela é uma war bride, como são conhecidas nos Estados Unidos as mulheres européias que conheceram soldados americanos durante a segunda guerra e foram para a América com eles.

O ano é 1965, e quando o marido Richard e os dois filhos (Steve de 17, e Carolyn de 16) vão passar quatro dias em uma feira estadual, a dona-de-casa terá tempo para ficar sozinha. O que estava parecendo ser uma semana de descanso, se transforma na mais intensa de sua vida, já que um fotógrafo da National Geographic, Robert Kincaid está na região para uma matéria sobre as pontes cobertas de condado de Madison.

Em uma carta deixada para os filhos no testamento, logo nas primeiras cenas do filme, Francesca já deixa claro que o caso foi intenso, o suficiente para encher três diários. O roteiro, escrito por Richard LaGravenese, é cheio de lindos diálogos e situações encantadoras, nunca deixa cair para o melodramático, apesar das lágrimas serem praticamente inevitáveis.

O grande mérito do filme, porém é da direção, que retirou partes desnecessárias e de certa forma histéricas, transformando o longa numa bela poesia visual. A opção por viajar entre o passado e presente parece desnecessária e irritante a princípio, mas revela uma nova faceta fascinante do filme, mostrando como a história da mãe afeta os filhos, enriquecendo ainda mais sua trajetória.

Clint Eastwood entrega uma atuação fantástica, e justamente por não ser um galã, assumindo sua idade e corpo já gasto, o romance funciona. Nada ali é girado pela paixão física, pela luxúria, e sim pelo amor e pela troca de sentimentos, criando uma ligação inquebrável. Mas Eastwood, diretor também sabe que o filme não é de Eastwood, o ator, e sim de Meryl Streep.

Ela dá um show em todas as cenas, e nas que ocupa sozinha a tela, parece que Eastwood conseguiu trabalhar melhor, e algumas delas são memoráveis: Aquela em que ela abre o roupão na varanda ao fim da primeira noite, ou nas em que ela quase vacila, como quando assiste pela janela Robert se banhar, ou quando sente vontade de abrir a porta do banheiro e principalmente no dilema surgido ao telefone tocar.

As cenas nas pontes também são de um esplendor, mas nada supera a seqüência da chuva, de uma beleza que palavras não podem explicar. Streep declarou que ao criar sua personagem, pensou em uma vizinha, também uma war bride, e conseguiu prestar uma bela homenagem. Ao assistir Francesca lembrar seus sonhos, contar suas desilusões e voltar a sentir o que ela acreditava não existir mais, ou seja, voltar a viver uma vida completa e com um prazo de validade, Streep e Eastwood criam uma conexão com o espectador. Essa história pode ser a da sua mãe ou da sua avó, aquela mulher boazinha com quem você nunca esperaria algo de emocionante acontecesse. Ou pode acontecer com você no futuro. Este é o poder de As Pontes de Madison. Tudo ali é real, sendo impossível não se emocionar com as personagens.

“And in that moment, everything I knew to be true about myself up until then was gone. I was acting like another woman, yet I was more myself than ever before”, Francesca Harris (Meryl Streep)

Sentinela

2006-08-20T13:48:00.000-07:00

(publicada na edição de hoje do jornal Folha da Manhã)

SENTINELA

"The Sentinel" (2006, EUA) de Clark Johnson. Com Michael Douglas, Kiefer Sutherland, Eva Longoria, Martin Donovan, Ritchie Coster, Kim Basinger e David Rasche.

Pela presença de Kiefer Sutherland, astro da série de ação revolucionária "24 Horas" e Michael Douglas, um ator mais sério que digamos, Harrison Ford, esperava-se que "Sentinela" ("The Sentinel", 2006, EUA) de Clark Johnson ia ser um competente filme de ação e na medida do possível inteligente, como era "O Fugitivo" e "Fogo Contra Fogo", de Michael Mann. Pois bem, não é. É a mesma fórmula de sempre, desgastada e aqui ainda quase paralítica, já que a ação só começa no final do segundo ato.

Aqui, Douglas, interpreta o homem responsável pela segurança da primeira-dama dos Estados Unidos, vivida por Kim Basinger. Mulherengo, já viu transformar seu melhor amigo (Sutherland) em inimigo quando pulou a cerca com a mulher dele. Desta vez, sua conquista foi a esposa do homem mais poderoso do mundo.

Como em todo filme ruim (ou neste caso, regular) fica a impressão de que se tomasse outro caminho, poderia ser ao menos interessante. Aqui, ao invés de uma ação boba e repetida pela centésima vez, seria mais adequado discutir os problemas que teria esse caso, não somente ético e moral, mas principalmente político.

Mas o perigo é que assim, o público-alvo seria completamente diferente. Dane-se a qualidade e louvemos a bilheteria. O problema (para os produtores) é que o público mudou e quer ver novidades. A prova disso foi o pífio lucro deste filme nos Estados Unidos, não passando números de US$ 36 milhões - números baixíssimos, considerando a presença de quatro grandes estrelas na produção (a outra é Eva Longoria do melhor e mais popular seriado do momento, "Desperate Housewives").

A montagem é problemática, usando e abusando de flashes para revelar que entre várias ameaças para assassinar o presidente dos EUA, uma parece ser séria e com fundamento. Um funcionário do Serviço Secreto está envolvido, e isso é aparentemente importante, já que, (oficialmente) seria um feito inédito.

A personagem de Douglas consegue com seu informante, pistas sobre a identidade deste vilão (para alguns, é claro). Mas era tudo na verdade um complô para incriminar Douglas, e quem cai nessa é Sutherland, encarregado de investigar todo este mistério, ao lado da policial novata de Longoria.

O problema é que é muito lengalenga e quando chega na hora que interessa de verdade, já está perto dos créditos finais. Assim, o final é muito mal resolvido, e decepciona àqueles que até estavam gostando do filme. E aliás, sabe quantos anos Michael Douglas tem? 61. Até quando esses sexagenários vão ficar correndo que nem gente de vinte e poucos anos? Afinal, ninguém mais agüenta.

A Razão do Meu Afeto

2006-08-19T22:55:00.000-07:00

A RAZÃO DO MEU AFETO

“The Object of My Affection” (1998, EUA) de Nicholas Hytner. Com Jennifer Anniston, Paul Rudd, John Pankow, Alan Alda, Alison Janney, Tim Daly, Nigel Hawthorne, Steve Zahn, Amo Gulinello, Marilyn Dobrin e Kevin Carroll

Deliciosa e competente comédia romântica, mostrando que Jennifer Aniston já provava mesmo durante o ápice de “Friends” que ela tinha como sustentar uma carreira após o programa, como vêm comprovando nos últimos anos. Aqui ela interpreta Nina, uma assistente social, que convida George (Paul Rudd), um professor de primeira série para dividir seu apartamento, depois que ele é dispensado por seu namorado. Os dois acabam se apaixonando, o que vira um problema quando ela aparece grávida e ela pede para ele ser o pai do bebê.

Com um texto leve, mesclando na dose certa, comédia, drama e romance, “A Razão de meu Afeto” é surpreendente, tratando suas personagens bem, principalmente com George, um gay não estereotipado, ou até outras soluções que seriam fáceis, como renegar a John Pankow, um papel de vilão, como o noivo de Nina, Vince. O roteiro de Wendy Wasserstein também merece crédito por não cair nos vários clichês que poderiam existir, apesar de por vezes, esbarrar neles, e chegar a um final que apesar de algumas incoerências, não soa tão mal considerando que é o velho “todos terminaram felizes para sempre”.

A dupla central está sempre em controle de suas personagens, cativando o público e não deixando a peteca cair. Rudd consegue transparecer bem seu conflito interno, já que apesar de querer mais do que tudo cuidar de sua própria criança e não de filhos dos outros, não consegue abandonar sua vida afetiva e se dedicar 100% à Nina, vivida por uma ótima Anniston, que por sua vez não sabe o que fazer e quem escolher para ter uma vida feliz, mas principalmente verdadeira.

O elenco está ótimo como um todo, e os coadjuvantes quase roubam as cenas em alguns momentos, como o casal da alta sociedade interpretado por Allison Janney e Alan Alda, um agente literário que assina com nomes desde Fidel Castro a Sharon Stone. Mas de longe o melhor ator do filme é Nigel Hawthorne, como o crítico teatral que tem de longe o melhor papel do filme, com algumas cenas em que sem nenhum diálogo consegue transparecer uma gama de emoções intensa.

Grande parte do sucesso do filme recai sobre os ombros do diretor Nicholas Hynter, que consegue além de uma coesão por parte do elenco, equilibrar o roteiro, propondo questões às personagens (e de quebra, ao espectador), sobre o significado do amor e de como qualquer relação pode suportar à longa distância. Em parceria com o diretor de fotografia Oliver Stapleton realiza, ainda, grandes tomadas com a cidade de Nova York como pano de fundo, ajudando a situar um microcosmo bem particular desta cidade no âmbito físico.

Já no âmbito emocional, mostrar a música “You Were Meant for me” de Gene Kelly, no filme “Cantando na Chuva”, se mostra uma decisão acertada, já que além de ser uma música maravilhosa (e o filme apresentado ser uma obra-prima) cria uma maior ligação com as histórias de amor feitas nos anos 50 e 60, e assim, validando (perfeitamente) toda a trama apresentada durante o longa, como um verdadeiro romance.

Jardim do Pecado

2006-08-19T20:31:00.000-07:00

JARDIM DO PECADO

“Garden of Evil” (1954, EUA), de Henry Hathaway. Com Gary Cooper, Susan Hayward, Richard Widmark, Hugh Marlowe, Cameron Mitchell, Rita Moreno e Víctor Manuel Mendoza.

Ao assistir a um filme de Henry Hathaway não se deve esperar uma obra-prima, mesmo que em uma longuíssima carreira ela pode ter nascido em algum ponto. O que se poderia (e deveria) esperar era um filme bem feito, que nas mãos de um diretor menos talentoso, seria uma bomba, mas nos filmes dele eram ao menos interessantes e regulares e ocasionalmente bons.

Por isso talvez seja fácil constatar tamanhas falhas em “Jardim do Pecado”, trabalho seu de 1954 com um elenco cheio de estrelas: Gary Cooper, Susan Hayward, Richard Widmark, Hugh Marlowe e Rita Moreno, em uma ponta. Para se ter uma idéia a personagem melhor construída aparece por poucas cenas, deixando uma falsa promessa de uma relação com as outras personagens, que poderia ter salvo o filme.

Cooper interpreta Hooker, um cara misterioso, mas aparentemente justo, que lidera junto com o jogador profissional de cartas Fiske (Widmark) e o jovem e temperamental Luke Daly (Cameron Mitchell), americanos obrigados a passar alguns dias numa cidade mexicana, que aceitam uma alta recompensa, junto com o mexicano Vicente (Víctor Manuel Mendoza) para seguirem Leah Fuller, personagem de Hayward, cujo marido está preso numa mina de ouro.

Não pense que nenhum dos quatro é bondoso, e tem como principal preocupação a saúde do Sr. Fuller. O que eles mais querem mesmo é a possibilidade de ouro fácil, justamente, o que esperava no destino original das personagens, a Califórnia. Mas um acidente de navio os forçou a descerem a bordo mais cedo que o esperado, algo que iria mudar a vida de todos.

Cooper está bem como sempre, e junto com Marlowe são os destaques do filme. Hayward, apesar de competente, não sabe para onde levar a sua personagem, que com certeza seria muito mais atraente, e interessante se seguisse pelo caminho de uma femme fatale, o que chega a ser implícito em algumas cenas, mas sempre o roteiro fraco de Frank Fenton, faz ela voltar atrás e mostrar sinais de ser uma boazinha.

Widmark por sua vez, é um desperdício, deixando a sua personagem bastante unidimensional, e Mitchell consegue fazer um trabalho ainda pior. O filme, feito originalmente em Cinemascope perde muito do seu brilho na telinha, e a fotografia muda bastante de tom, ora escura, ora mais clara, mas em alguns momentos, como na cena final, está estonteante.

O Libertino

2006-08-19T17:04:00.000-07:00

O LIBERTINO

“The Libertine” (2004, RUN) de Laurence Dunmore. Com Johnny Depp, John Malkovich, Samantha Morton, Kelly Reilly, Rosamound Pike, Tom Hollands, Rupert Friend, Jack Davenport, Richard Coyle, Francesca Annis, Jack Davenport, Trudi Jackson, Paul Ritter, Claire Higgins.

Logo no começo do filme, em uma espécie de prólogo, a personagem principal John Wilmot segundo Conde de Rochester vira para a câmera e solta um monólogo, que inclui: “Vocês não irão gostar de mim. Os homens sentirão inveja e as mulheres repulsa”.

Durante boa parte do filme, porém, o roteiro de Stephen Jeffreys (baseado em sua própria peça) desmente seu argumento inicial. Apesar de ser uma pessoa realmente repulsiva, Wilmot é tratado ainda de uma forma positiva, como se houvesse um medo em inovar mais, e criar um retrato mais fiel e completo do protagonista.

A direção também contribui em certas cenas (como no da orgia), e em determinada seqüência, na qual ele se dirige ao parlamento, com a face cheia de sequelas. Ao invés de se focar nisso, efetuando um belo contraste, o diretor prefere manter Depp com a cara abaixada, como se quisesse suavizar o momento.

Apesar disso, Laurence Dunmore acerta em sua estréia na direção, evitando manter a câmera parada, sempre carregando ela na mão, decisão arriscada para filmes de época. Porém, uma das seqüências mais belas, é justamente quando ele não usa este processo, quando percorre o teatro com uma steady cam.

No elenco, Samantha Morton não convence como a atriz Elizabeth Barry, protegida de Wilmont, personagem de Johnny Depp. Este sim, dá mais uma vez um show de intepretação, assim como John Malkovich, sempre talentoso que desta vez liga o automático. Ele interpreta o Rei Charles II, que Wilmot, um dos mais célebres escritores do século XVII do exílio para escrever uma importante peça teatral, que acaba nunca se concretizando.

Ao invés disso, sua vida de promiscuidade, com muito sexo e muita bebida, acaba o levando a um novo e inevitável confronto com o soberano.

A parte técnica é bastante competente, passando pela direção de arte de Ben Van Os, a fotografia de Alexander Melman, que conta com uma iluminação à base de velas, e principalmente à trilha de Michael Nyman, que em grande parte do filme auxilia a direção, guiando o filme através de suas cenas.

Mesmo com algumas falhas e um certo puritanismo, já que não consegue chocar, como Wilmot fez em seu tempo (basta ver a encenação de sua peça), e não cumprir com o aviso inicial, o filme é competente graças ao talento do seu diretor e a ajuda do elenco.